di Edoardo De Angelis avevo visto Indivisibili, che mi era piaciuto molto. Perez è un'altra cosa, ambientato a Napoli, non nei Quartieri Spagnoli, ma nel Centro Direzionale, per la gran parte, in una storia di dannazione e discesa agli inferi, con un ritorno improbabile. giustizia e ingiustizia, amore e non amore quasi si confondono. Luca Zingaretti è bravo, come sa fare lui. non sarà un capolavoro, e non lo è, ma una visione se la merita di sicuro - Ismaele
…Abbiamo quindi la visione di un film
multiforme, thriller filosofico che diventa commedia nera che diventa action
and revenge che diventa romanzo di (de)formazione. Tutto in uno, come
fosse di Hong Kong e della Milkyway, prodotto, non girato, da Johnnie To.
Imperfetto, specie in alcuni dialoghi troppo saturi di televisione, però
riuscito, pieno di idee, di cura e di amore per gli spettatori, pregno di
momenti. Quando Perez affronta la bestia per estrarle dalle viscere il grisbì,
sotto gli occhi dello stalliere indiano costretto dalla paralisi alla fissità,
plaudiamo addirittura al grottesco puro, ci sentiamo finalmente fuori dai
nostri angusti confini.
Bravo De
Angelis, punto, due punti, puntevvirgola, puntesclamativo.
…La
commistione indistinguibile tra crimine e legge attraversa tutti i personaggi
di Perez, non solo con le scelte difficili e radicali di Demetrio, ma anche in
quell’ansia di riscatto che Ignazio Merolla ricerca per tutto il film, quasi
fosse un criminale che sogna il paradiso dal girone infernale di un carcere,
perché la Napoli di Perez accomuna tutti all’interno di uno spazio
angusto dal quale è impossibile uscire, in un abbraccio complesso e
doloroso che non si risolve con quella rappresentazione binaria che
contrappone il magistrato buono al contesto mafioso. Pur risentendo di un
andamento forse ancora troppo ancorato alla funzionalità del racconto
televisivo, la forza di Perez risiede nella libertà performativa lasciata ai
suoi attori, non solo un notevolissimo Luca Zingaretti, capace di gestire la
complessità morale del suo personaggio con un cambiamento radicale di registro,
tra l’indolenza, la fierezza e la furia, ma anche il forte senso di tragica
disperazione che arriva dal personaggio interpretato da Giampaolo Fabrizio,
anima nera esplicita dello stesso Zingaretti, figura eccessiva, volgare, estrema
ma legata all’amico avvocato da un affetto incondizionato proprio nella
condivisione dello stesso male di vivere…
…Un’operazione
interessante ma che rischia di scivolare in uno stile forzoso che sa di
artefatto. Vedasi ad esempio la sceneggiatura firmata insieme a Filippo Gravino
dallo stesso regista, il cui indubbio talento dietro la macchina da presa
traballa quando, con la macchina da scrivere, finisce per imitare James Ellroy
senza trovare una strada davvero personale al di là dei cliché di genere.
Perez sembra
saltar dritto fuori dal manuale dell’antieroe tipo, beve whisky e vaga per la
città deserta, è un lupo solitario e per conoscere i suoi tormenti interiori
dobbiamo attendere i suoi monologhi fuori campo sul nulla dell’esistenza. Non
aiuta il ritmo lounge, molto Vesuvio Confidential, degli insistenti assoli di
tromba nella colonna sonora di Riccardo Ceres e la fotografia patinata di
Ferran Paredes Rubio.
Un film
godibile nel complesso ma d’ambiente, intrappolato nelle sue stesse atmosfere.
Un esercizio di stile bello sì, ma di una bellezza plastica da prontuario del
giovane autore.
…La costruzione di questo noir richiede una cura
attenta cheDe Angelis si concede senza fretta e
stratificando la vicenda del debole avvocato, insonne e dal whisky facile,
della figlia che si ribella innamorandosi dell'uomo sbagliato e
dell’affascinante criminale in cerca di redenzione. Non si notano troppo alcune
sfilacciature della sceneggiatura, superate dal ritmo sinuoso di un film che si
avvale di buone interpretazioni - da segnalare il talento febbrile
dell’esordienteSimona Tabasco- e di una conclusione in linea con una storia di
marginalità, senza eroi né vincitori, ma al massimo con personaggi che si
difendono e facendolo si scoprono incassatori di livello e forse anche
attaccanti, di rimessa.
in qualche cinema è ri-apparso questo film di Godard. la versione italiana di pare che sia vergognosamente tagliata, e ho aspettato di vederlo come è stato pensato e girato ab origine. l'attesa è stata premiata, senza alcun dubbio. il produttore del film sembra contenere dentro di sé Carlo Ponti. ah, quanto è stato preveggente Godard! il suo film contiene anche un po' della grande bellezza di Sorrentino, la morte di Cinecittà è tristissima. gli interpreti sono perfetti, Michel Piccoli e Brigitte Bardot sono una coppia perfetta, che dura poco, poi le cose della vita, del cinema, le scelte, i tempi, il detto, il non detto, tra le altre cose, li fanno allontanare, si apre un abisso fra i due. Fritz Lang, che interpreta se stesso, è il vecchio saggio; il produttore Jack Palance è il padrone delle vite degli altri, potente e squallido come gli altri padroni, convinti che tutto si può comprare. il film è pieno di citazioni di mille tipi, tra cui la frase dei fratelli Lumière, sul cinema come invenzione senza futuro, invece il film di Godard dimostra che i fratelli francesi avevano torto marcio, per nostra fortuna. vogliatevi bene, cercatelo e guardatelo tutti - Ismaele
… Attivista politico e giornalista, Moravia ebbe
accesi contrasti con il regime fascista, per cui fu costretto ad allontanarsi
da Roma. Tra il 1967 e il 1968 visse come corrispondente in Cina, Giappone e
Corea, e i suoi articoli vennero raccolti nel libroLa rivoluzione culturale in Cina.
Nei suoi romanzi ha esplorato i temi della sessualità moderna, dell’alienazione
sociale e dell’esistenzialismo. Romanzi comeLa
noiae, appunto,Il disprezzocontengono i temi centrali che caratterizzano
la visione profondamente critica che aveva della società a lui contemporanea:
l’aridità morale, l’ipocrisia della vita moderna e la sostanziale incapacità
degli uomini di raggiungere la felicità. Godard nel suo film, riprende queste
tematiche e in più trasforma la tragedia piccolo-borghese di Emilia e Paolo (i
protagonisti del romanzo) in un’intensa riflessione metacinematografica tanto
ironica quanto amara. Godard ci mostra il dissidio dell’uomo moderno e della
sua tragica odissea, intrappolato nel conflitto tra arte e merce, tra la
bellezza eterna del classico e il disincanto instabile della modernità.
Non a caso, difatti, c’è il forte legame con l’Odissea:
in questa svendita della bellezza, che così va miseramente a perdersi, non
resta altro che un disarmante senso di precarietà. Ulisse diventa l’emblema di
questa instabilità, tragico eroe che non riesce a raggiungere la sua patria e,
nel finale, si trova davanti solo il mare. Il diverbio tra il protagonista e
sua moglie diventa lo spunto per l’idea di una reinterpretazione del poema:
Ulisse, non amando più Penelope, volontariamente non ha voglia di tornare da
lei e le intima di essere gentile con i suoi corteggiatori. Così il mito
diventa raffigurazione della vicenda dei protagonisti, riducendosi a specchio
di una banale routine, privo di grandi valori ed eroiche gesta. In questo
scenario di conflitto tra arte e industria troneggia lo sguardo del cinema,
personificato in Fritz Lang che pieno di sarcastica sfiducia osserva i
personaggi di questa vicenda, i quali si guardano e si giudicano, emblema di
una classicità imponente che non trova eco nella modernità consumistica,
rappresentata dalla figura del produttore. Come due divinità essi si scontrano
e si respingono, senza sbocchi di comprensione…
…Le Mépris– che bello, il titolo in francese, più
insinuante di quello italiano – c’è molta dell’audacia sperimentalista del suo
autore, della sua voglia di esplorare e fabbricare il nuovo, e insieme c’è il
massimo sforzo da lui mai tentato di avvicinarsi al cinema mainstream, di largo
consumo. Nessun altro titolo godardiano cerca di essere un film (anche) da
pubblico come questo, nel sogno forse impossibile di conciliare l’urgenza di
una propria visione di cinema con quella dell’industria, un tentativo che non
si ripeterà più nella carriera di JLG. Forse il massacro da parte di Ponti lo
indurrà a ritrarsi, a optare per quel radicalismo, espressivo e anche di mezzi
e modi di produzione, che ne farà il cineasta più rivoluzionario – in ogni
senso – del secondo Novecento, anzi l’incarnazione stessa del cinema come
rivoluzione. SeIl disprezzonon
fosse stato stravolto dal suo produttore, se il pubblico ne avesse fatto un
successo, forse avremmo avuto un altro Godard. Certo che oggi si resta stupefatti di fronte
alla ricchezza del film, alla sua pluralità di livelli e alla pluralità di
letture e interpretazioni cui si presta. Al suo essere una sorta di laboratorio
in cui Godard incessantemente sperimenta ed esplora. Trasformando anche i più
scontati passaggi del plot – in fondo, si tratta della solita crisi di un
amore, con corna e rinfacci e rimbrotti - in occasione per inventare
cinema. La sequenza iniziale, per dire: i due a letto, con BB nuda, e la
macchina da presa a solcare il suo corpo, e insieme la voce di lei a
classificare, nominare, elencare erotizzandole le parti di sé, è già un esempio
folgorante. E la parte centrale, il cuore del film, il suo nucleo, con la
coppia già disamorata che si aggira cercandosi, scontrandosi, evitandosi
nell’appartamento romano di gelida modernità, e se ricordo bene con la macchina
da presa a seguire in un lunghissimo, vistuosistico piano sequenza soprattutto
lei (e qui, BB strepitosissima e assolutamente godardienne): una scena che
distrugge ogni convenzione su come-si-racconta-una-coppia riportandola al
tempo, al ritmo della vita così com’è. In un’operazione che non è bieco
naturalismo, ma reimmissione del cinema nel flusso del reale (e viceversa)…
…Le sujet duMéprisest de regarder ce qui s'est passé
dans un couple, non pas pendant des années comme dans le cinéma des scénaristes
mais pendant un dixième de seconde, celui précisément où le décalage a lieu, où
la méprise s'est installée pour la première fois. Ce dixième de seconde, à
peine visible à l'œil nu, où les vitesses ont cessé d'être synchrones. Encore
une affaire de montage : revenir sur la coupe pour trouver l'accord ou le
désaccord. Et dans cette enquête sur un sentiment, il nous faudra revenir
plusieurs fois sur le lieu du crime sur cette scène sans drame où Camille monte
pour la première fois dans la voiture de Prokosch qui démarre d'abord lentement
comme au ralenti, puis d'un seul coup en trombe devant Paul qui en sait quelle
vitesse adopter. Et il ne faut pas s'étonner si cette enquête passe parL'Odysséequi est aussi une affaire de
trajectoire, de tours et de détours, de vitesses différentielles. La crise que
Paul traverse c'est celle de quelqu'un qui s'affole car il n'arrive pas à
trouver la bonne vitesse et qui se met à bouger par saccade dans tous les sens.
Le pathétique du personnage, c'est qu'il cherche à fixer des sentiments avec
des mots et que dans son affolement de ne pas arriver à comprendre (là où il
n'y a sans doute rien à comprendre avec des mots qui ne renvoient qu'à
eux-mêmes, mais tout à regarder, ce que Camille sait mieux faire que lui comme
le prouve ce dialogue où il lui demande : "pourquoi tu as l'air pensive
?" Et où elle lui répond : "c'est parce que je pense,
imagine-toi"), il se heurte précisément aux apparences, à la surface des
choses où il n'a pas la patience, ni la sagesse de chercher la vérité. Dans
cette précipitation à comprendre, il va se heurter à l'inertie de Camille qui
sait elle que l'amour passe par une attention à la surface, comme le montre la
fameuse scène d'ouverture aux masques et aux remparts dont s'entoure Jérémie
Prokosch et à la sagesse suprême de Fritz Lang qui est celle des dieux, à la
fois ironique et bienveillante, totalement réconciliée.
Comme le disait lui-même Jean-Luc Godard dans le
compte-rendu de son film dans les Cahiers du cinéma d'août 1963 :
"le Mépris est un film simple et sans mystère, film
aristotélicien, débarrassé des apparences, le Mépris prouve en149 plans (176
après montage) que, dans le cinéma comme dans la vie, il n'y a rien de
secret, rien à élucider, il n'y a qu'à vivre et à filmer"
Comment parler des choses les plus simples (l'émergence
d'un sentiment, les différences de comportement) en les incarnant dans des
images sublimes et définitives. Succession de plans magnifiques montés
musicalement, les saccades désordonnées de Piccoli, les accélérations de Jack
Palance et le rythme étale de Fritz Lang. D'une ligne à l'autre, il ne reste
plus que l'intensité sans la substance, la vitesse sans la masse, l'émotion
sans le pathos afin de saisir les différences de rythmes et de comportements
(la sublime inertie de Bardot)
Pourtant Godard a pris grand soin dans son scénario de
définir ses personnages :
Camille n'agit que deux ou trois fois dans le film. Et c'est
ce qui provoque les trois ou quatre rebondissements véritables du film, en même
temps que ce qui constitue le principal élément moteur.
Mais contrairement à son mari, qui agit toujours à la suite
d'une série de raisonnements compliqués, Camille agit non psychologiquement, si
l'on peut dire, par instinct, une sorte d'instinct vital comme une plante qui a
besoin d'eau pour continuer à vivre.
Le drame vital entre elle et Paul, son mari vient de ce
qu'elle existe sur un plan purement végétal, alors que lui vit sur un plan
animal.
Si on se pose des questions sur elle, comme le fait Paul,
elle ne s'en pose aucune. Elle vit de sentiments pleins et simples, et
n'imagine pas de pouvoir les analyser. Une fois le mépris pour Paul entré en
elle, il n'en sortira pas, car ce mépris, encore une fois, n'est pas unsentiment psychologique né de la
réflexion, c'est un sentiment physique comme le froid ou la chaleur, rien de
plus, et contre lequel le vent et les marées ne peuvent rien changer ; et voilà
en fait pourquoi le Mépris est une tragédie.
Paul est d'un aspect un peu antipathique, dans le genre
gangster de film, mais d'une antipathie sympathique, si l'on peu dire,
secrètement attiré que l'on est par son côté renfermé, maussade, souvent
provocateur, qui cache une âme tourmentée, rêveuse, qui se cherche elle-même.
Avec l'argent qu'il gagnera, Paul espère pouvoir enfin se consacrer
tranquillement à la pièce de théâtre qu'il médite depuis longtemps mais en
est-il vraiment capable ? Son ambition change trop souvent de sens pour être
vraiment pure. Du moins il pense que Camille pense peu à peu ça de lui et que
c'est une raison supplémentaire qui alimente le mépris qu'elle a conçu pour
lui. Sur ce point Fritz Lang dans les discussions qui les oppose l'un à l'autre
au sujet des aventures d'Ulysse, lui fera la morale. La vérité s'opposera ainsi
au mensonge, la sagesse à l'esprit brouillon, un certain sourire grec, fait
d'intelligence et d'ironie, à un sourire moderne incertain, fait d'illusion et
de mépris. C'est l'insécurité perpétuelle de Paul qui doit être touchante, car
elle est néanmoins, malgré les apparences signe de candeur et de
non-méchanceté. Jérémie Prokosch américain du nord, né à Tulsa, il y a environ
37 ans. Il a sauvé Francesca à la fin de la guerre d'un camp de concentration
allemand et ne se prive pas de le lui faire sentir. Jérémie Prokosch est
producteur par orgueil bien plus que par intérêt, comme la majorité des
producteurs. Il a toujours dans sa poche ce que Francesca appelle sa bible, un
petit livre plein de maximes, dont il se sert quand il est pris de court dans
une discussion ; Jérémie Prokosch n'est ni homme ni dieu, amis comme tous les
grands producteurs, seulement un demi-dieu, ce qui est sa force et sa
faiblesse. Il voudrait comme Dieu, en effet, façonner les hommes à son image.
C'est oublier dira Lang que ce ne sont pas les dieux qui ont créé les hommes
mais les hommes qui ont créé les dieux !
Aujourd'hui, Fritz Lang, l'auteur de Mabuse, ressemble un
peu à un vieux sage indien, sage serein, qui a médité longtemps et enfin
compris le monde et qui abandonne les sentiers de la guerre aux jeunes et
turbulents poètes.
Francesca Vanini est une jeune femme italienne d'environ
25-26 ans les cheveux noirs, l'air un peu eurasienne, vive et jolie. Elle parle
quatre langues, le français, l'américain, l'allemand et l'italien
naturellement. Elle escorte Jérémie Prokosch jour et nuit, et lui sert autant
de secrétaire particulière que de chargée de presse pour ses firmes la
Compagnie Cinematografica Minerva et la Jérémie Prokosch and Associates. Le
film étant parlé en plusieurs langues, le rôle de Francesca sera de traduire
simultanément les conversations à deux, trois ou quatre langues, suivant les
nécessités du moment. Elle le fera de son propre chef, comme quelque chose
d'admis sans que personne même ne lui demande. Sa voix, ainsi sera comme un
violon supplémentaire qui paraphrase dans d'autres tons les mélodies des autres
violons du quatuor formé par Camille et Paul Javal, Fritz Lang et Jérémie
Prokosch
La deuxième partie du film se passe à Capri le seul décor
utilisé est celui de la villa Malaparte avec, aux alentours, les énormes et
grandioses blocs de rochers sauvages plongeant directement dans le royaume de
Poséïdon, lequel, ne l'oublions pas, est l'un des seuls dieux à ne pas aimer
Ulysse et à ne pas le protéger. C'est pour cette raison que la situation
géographique de la villa est importante. Seul face à la mer, elle renforcera
l'idée d'un monde odysséen, en lui donnant une réalité et une présence quasi
palpable. Toute la deuxième partie sera dominée du point de vue couleurs par le
bleu profond de la mer, le rouge de la villa et le jaune du soleil, on
retrouvera ainsi une certaine trichromie assez proche de celle de la statuaire
antique véritable. Dans tout le film, le décor ne doit être utilisé que pour
faire sentir la présence d'un autre monde que le monde moderne de Camille, Paul
et Jérémie Prokosch. Les scènes de l'Odyssée proprement dite, c'est à dire les
cènes que tournent Fritz Lang en tant que personnage, ne seront pas
photographiées de la même façon que celles du film lui-même. Les couleurs en
seront plus éclatantes plus violentes, plus vives, plus contrastées, plus
sévères aussi, quant à leur organisation. Disons qu'elles feront l'effet d'un
tableau de Matisse ou Braque au milieu d 'une composition de Fragonard ou d'un
plan d'Eisenstein dans un film de Rouch. Disons encore que d'un peint de vue
purement photographique, ces scènes seront tournées comme de l'anti-reportage.
Les acteurs y seront très maquillés. La lumière du monde antique tranchera
ainsi par sa dureté par sa netteté de celle du monde moderne où s'agitent nos
héros (ou plutôt nos pantins- car les héros ce sont Ulysse et ses compagnons
Contrairement au roman, le temps n'est pas fragmenté en une
série de petites scènes s'étalant sur plusieurs moins, mais composé de quelques
longues scènes s'espaçant sur une durée de quelques jours. Il s'agit, dans le
film, de raconter l'histoire à la fois du point du vue de chaque personnage,
surtout Paul et Camille et d'un point de vue extérieur à eux et c'est ici que
le personnage de Fritz Lang prend toute sa valeur.
un gruppo di uomini su uno yacht, per una vacanza. solo uomini, alcuni servi, altri privilegiati. si tratta di gente potente, uomini affermati, con mille debolezze, che non accettano. le donne sono qualcosa di lontano, che esistono solo perché possono essere utili, in qualche modo, ma sono inferiori, si capisce. per passare il tempo fanno giochi da deficienti, come si fanno nel mondo, e gareggiano per scoprire chi è il migliore, anzi per capire ed evidenziare i meno forti, in qualsiasi cosa. sono degli infelici, questi potenti impotenti, in certi momenti il film di Athina Tsangari sembra essere una specie di Perfetti sconosciuti, con più tragedia e meno commedia. c'è anche una voce inquietante, che guida lo yacht, una specie di deus ex machina, un capitano in carne e ossa o un pilota automatico-computer, chissà. un film che non lascia tranquilli, una specie di apologo tristissimo sullo stato del genere umano maschio, non è una passeggiata e c'è poco da ridere, ma merita - Ismaele
…Quello di oggi è un film dalla
trama inattesa e intrigante. Ci fa sorridere per le tante situazioni che
sorgono e per gli inevitabili infantilismi che emergono, e ci inquieta per le
assurde tensioni che scoppiano sullo yacht a dimostrazione che anche un banale
gioco sia in grado di scardinare vecchi (e giocosi) equilibri e tramutarli in
una gara senza esclusione di colpi, potenzialmente rischiosa. Quando le
preferenze e le abitudini iniziano ad essere esaminate al microscopio, una
sorta d’istinto animale, un riflesso incondizionato esplode e dà il via ad una
serie di piccole catastrofi.
CHEVALIER è una bella esplorazione
del maschio del nuovo millennio (probabilmente involontaria) ed è sicuramente
un’istantanea delle invidie e debolezze insite in tutti noi. Tra una
sottile battuta e l’altra, nessuno uscirà indenne da quello che ben presto si
rivelerà essere un gioco al massacro senza un vero vincitore.
Ancora una volta il cinema ellenico
si è dimostrato una bella sorpresa. L’opera è gradevole e coinvolgente, ha un
buon passo e i dialoghi attingono al reale. Peccato non aver sfruttato lo
spazio ridotto per spingere su claustrofobia e suspense, ne sarebbe uscito un
film esplosivo. In definitiva: imperfetto ma da vedere.
…Chevalierha parecchio del nuovo cinema di
Atene, l’impassibilità con cui si osservano i personaggi – insetti da
laboratorio entomologico -, l’esplorazioni di microcosmi in cui la normalità
trascolora nel patologico e vi si confonde. Un gruppo di amici decide di
imbarcarsi su uno yacht per una partita di pesca e immersioni nell’Egeo. Solo
uomini. A bordo anche il maggiordomo-chef e il suo assistente. Per ammazzare il
tempo si inventerà un gioco, quello di assegnare dei punti non solo alle
abilità (sportive, mentali ecc.) di ciascuno, ma anche ai suoi comportamenti,
alle sue eventuali manie, lacune, ossessioni. Non ci vuol molto perché
l’apparente armonia si spezzi e faccia emergere rivalità distruttive, apra
linee di faglia all’interno del gruppo. Tutto è lecito pur di accumulare punti
e farne invece perdere gli avversari. Si penetra di notte nella loro cabine a
scoprire segreti ben celati, si impone che le telefonate siano pubbliche in
modo da poterne giudicare il tono e l’efficacia…
…Chevalierè un film piatto e di una crudeltà precotta,
che manca totalmente di coraggio, di velleità umane, di qualsivoglia intento
eversivo. Mentre i protagonisti costantemente si giudicano con tanto di blocco
degli appunti, l’unica idea che riesce a emergere è quella di un cinema
insincero che, con la spocchia di chi si sente senza peccato, pontifica
opinabili verità dal proprio palco sopraelevato. Una distanza quasi fisica,
dalla quale osservare la marcescenza degli uomini senza rischiare che una sola
goccia del loro sangue osi sporcare la macchina da presa, né chi la muove. Una
concezione profondamente reazionaria del mezzo che, per noi cresciuti con la
simpatetica, onesta e straziante umanità diAlberto
Grifi, risulta semplicemente insopportabile e oltraggiosa. Perché all’origine
dell’occhio sta sempre una lacrima, ma lo sguardo di Athina Rachel Tsangari si
rivela glaciale, alieno, arido. Disonesto, e per questo da rifiutare.
… La realizadora helena usa la cámara
como si fuera un bisturí, para ir mostrándonos los comportamientos básicos de
un hombre cualquiera de mediana edad. Su mirada es incisiva, irónica, y sobre
todo, muy divertida. Todo con el sano objetivo de poner en relevancia la
estupidez del género masculino. Crea imágenes de gran belleza, con precisos
encuadres, que ponen de relevancia su pesimista visión, porque para ella los
varones no tenemos solución, y lo comparto plenamente. Es un mundo cargado de
rivalidad y testosterona, donde se antepone la violencia a la negociación. Los
seis personajes irán al límite para poder ganar. Para ello no dudarán en usar
la violencia psicológica, la física, la manipulación o la traición. En la
naturaleza del varón está ser competitivo. A ello debemos sumar otro pequeño
detalle, que al varón se le educa para que no admita públicamente sus
inseguridades psicológicas, profesionales o personales. De ahí la necesidad del
reconocimiento social.
Finalmente, le da un giro de complejidad al guion para pasar de la
crítica social a la política. De tal forma que introduce tres personajes más
que encarnarían la clase proletaria, frente a la burguesa encarnada por los
seis jugadores. Ahí es donde el discurso se vuelve más pesimista. Por todos
estos motivos os recomendamos esta genialidad de la cinematografía griega.
… Symbole de
richesse et de pouvoir, le yacht permet un huis-clos que les scénaristes
rendent pourtant physiquement caduc en amarrant le bateau à Athènes.
L’absolutisme, aveugle, de l’engagement des personnages à terminer le jeu est
alors le révélateur d’une névrose sclérosant la société dans son ensemble.
Forte de témoigner de l’infantilisme des hommes (de l’homme), la réalisatrice
joue habilement avec la notion même de masculinité qu’elle confronte à
d’indépassables tabous : l’impuissance, l’infertilité et, certainement la
pire de toute, la contraception féminine. Au-delà, elle met en scène la
promiscuité entre les personnages en s’en jouant avec délice, flirtant avec
l’homoérotisme et s’amusant d’une homophobie latente.
La dynamique
de cadrage et le sensationnel travail sur le son participent à la mise en place
d’un climat qui renforce l’impression de huis-clos tout en en soulignant le
paradoxe. Parallèlement Athina Rachel Tsangari observe l’arène, nous fondant à
son regard d’anthropologue. La musique rythme le film au fil d’une partition
magnétique, tantôt hypnotisante tantôt invraisemblable – et dès lors
fascinante. Aux résonances de Patrick Cowley répondent celles de Marilena
Orfanou tandis que Tchaikovsky côtoie Petula Clark dont le titre « Let it
be me » est utilisé avec brio. Notons encore que la réalisatrice nous offre
la scène de playback la plus savoureuse qui soit en employant superbement
« Loving You » par Minnie Ripperton. Enfin l’ensemble du casting,
nous confrontant à la folie de l’ordinaire, est remarquable.
…Con il suo ultimo lungometraggio Athina Tsangari mette in
scena un universo maschile tetanizzato dal panico da prestazione, dalla
necessità di essere sempre “il migliore”. L’unica cosa che conta è vincere, sempre
e comunque.
Le sfide lanciate possono essere apparentemente banali
(montare nel minor tempo possibile una libreria Ikea) oppure indecentemente
intime (chi avrà la miglior erezione?), sorta di barometro dell’ipotetica
“coolitudine” umana.Chevalierpropone un universo fatto di assurdità
senza freni, di situazioni al limite dell’assurdo che diventano però, grazie
allo sguardo acuto e irriverente di Athina improvvisamente razionali e logiche.
I comportamenti sociopatici e a tratti patetici dei nostri
eroi del Mar Egeo si dissolvono nell’universo finzionale della nostra regista
greca fino a diventare limpidamente verosimili. Lo spettatore è totalmente
libero di interpretare gli atteggiamenti dei protagonosti che possono apparire
al contempo: irritanti, commoventi o osceni. Il legame che li unisce rimane un
altro grande mistero del film, così come il motivo che li ha spinti a partire
in vacanza insieme. Tutto è deliziosamente sfuocato e permeabile, sorta di
universo parallelo fatto a bivi dove il finale rimane aperto.
Un film terribilmente realista dallo humor irresistibile.
…Premessa
e ambientazione sono tutto. Forza, schiavitù e dannazione del film. In questo
yacht e da questo gioco non c'è scampo, nè possibilità di fuga o deviazione.
Nasce come demolizione dell'uomo, della sua competitività e del suo orgoglio e
finisce a demolizione e ridicolizzazione concluse. Non proprio un gioco al
massacro, non c'è la giusta crudeltà. La forza che si poteva percepire
inizialmente data dai peggiori istinti che emergono per via della competizione
e del giudicare liberamente gli altri si stempera nella comicità pura, in
percorsi inspiegabilmente tutti uguali, tutti ugualmente diretti al
dissolvimento, lasciati andare in quell'unica direzione come se la regia
non ne avesse il controllo. Ed è un peccato. Perché in gran parte, oltre
alla comicità, funziona anche il gioco psicologico, l'addentrarsi nelle
dinamiche del confronto a carte scoperte con l'altro. Le diverse personalità
sono delineate con chiarezza e si accostano l'una all'altra creando a volte
un'atmosfera incerta e sospesa in cui anche la chiacchierata più informale
sulla ricetta di un'insalata risulta un'indecifrabile combinazione di
manifestazioni vere e studiate, del mettere in mostra le proprie competenze o
anche del farsi vedere a proprio agio davanti a ciò che non si conosce. Allo
stesso modo anche i gesti più umani, le rassicurazioni di amicizia e la
sportività dimostrate durante le gare si tingono per buona parte dell'opera di
questo apprezzabile dubbio. Poi però, come dicevo , si sceglie la
ridicolizzazione completa e il dubbio sparisce, ma sparisce con lui anche la
forza dei personaggi e del loro percorso, in buona sostanza lasciato
andare alla deriva…
film del 1969, che sembra arrivare da un altro mondo. in un poverissimo villaggio dimenticato da dio e dal mondo, ma non dai banditi, che sono una presenza inquietante, sembra che l'unica ricchezza e gioia sia una vacca, che aspetta un figlio. Hassan la tratta meglio di qualsiasi essere umano, la cura più della moglie, quella vacca è la ragione della sua vita. quando la uccidono impazzisce. sembra un film girato da Ernesto De Martino, o un suo discepolo. ma chi ha ucciso l'animale? un bianco e nero bellissimo, una storia che non ti dimentichi, un piccolo grande capolavoro - Ismaele
…Not
only is Dariush Mehrjui’sThe
Cowa great film, it is one
of the most important one’s in Iranian history. It was made during the Iranian
Revolution, obviously a time of great political turmoil in Iran. The only
reason why it was even distributed was because Ayatollah Khomeini was reported
to have liked it, thereby allowing it to be shown in theaters. But even then,
it had to be smuggled out of the country in order for it to be shown at the
1971 Venice Film Festival. But from that moment on, the face of Iranian cinema
would be forever changed. Many believe that it sparked the Iranian New Wave.
But what we do know is that it inspired such legendary directors as Abbas
Kiarostami. Mehrjui’s use of realism and symbolism would become defining
characteristics of Iranian cinema. And all of these influences can be seen inThe Cow. It’s amazing how such
a simple story can spark such a great cultural uprising. Like the death of
Hassan’s cow, the release of The Cow would create a personal redefinition of
its viewer’s sensibilities. Thankfully, instead of driving them insane, it made
them realize that Iran had the potential to become one of world cinema’s most
powerful voices.
…The distressing factor of the film is not just Hassan’s
descent into madness; it lies in how the village community reacts to it. As
they repeatedly find themselves in a situation unable to address (or find
solution to) Hassan’s mental illness, the community slowly seem to give in to
his illusion. As the man is stripped off his identity, the villagers overstep
their boundaries to reach for some kind of resolution. At the end, the
rebelling man/animal becomes a just a burden to be abolished. This disturbing
notion is sharply expressed in the climax when Islam loses his senses to treat
stubborn Hassan as an animal (‘get going you
beast!’, he shouts). The movie’s success also belongs to the
stupendous performance of Ezzatolah Entezami in the central character.
“The Cow”aka“Gaav”(100 minutes) is a seminal work of Iranian cinema which
served as the precursor to the nation’s post-revolutionary cinema of Mohsen
Makhmalbaf, Abbas Kiarostami, etc. The film could serve both as a touching
cinematic experience and contemplated deeply from a philosophical point of
view.
…The
film does not require subtitles. It's visual. It's simple. The story is set in
a remote Iranian village, where owning a cow for subsistence is a sign of
prosperity. The barren landscape (true of a large part of Iran) reminds you of
Grigory Kozintsev's film landscapes as inKorol
Lir(the RussianKing Lear) where the landscape
becomes a character of the story. The sudden unnatural death of the cow unsettles the village. Hassan, the owner
of the cow, who nursed it as his own child, is away and would be shocked on his
return. Eslam, the smartest among the villagers, devise a plan to bury the cow
and not tell the poor man the truth. Hassan returns home and is soon so shocked
that he loses his senses. He first imagines that the cow is still there and
ultimately his sickness deteriorates as he imagines himself to be the cow, eats
hay, and says "Hassan" his master will protect him from marauding
Bolouris (bandits from another village). Eslam realizes that Hassan needs
medical attention and decides to take him to the nearest hospital. He is
dragged out like a cow. "Hassan" is beaten as an animal as he is not
cooperative to the shock of some humanistic villagers. The demented Hassan,
with the force of an animal breaks free, to seek his only freedom from
reality--death.
un film che non ti immagini, attori bravissimi e convincenti, mai sopra le
righe, neanche Benoît Poelvoorde.
una storia di sfigati con l'anima un po' chapliniana, che tentano il colpo
grosso, ma le cose non finiscono come nei film, o forse sì.
un film che merita, divertente con un retrogusto amaro, o viceversa.
buona visione - Ismaele
…La scommessa di Beauvois è proprio quella
di raccontare questa vicenda coi toni chapliniani di una favola moderna dove
prevale il candore dei personaggi. Le loro azioni che sconfinano
nell'illegalità hanno un nobile scopo e, pur sbagliando, non potranno che
meritarsi un bel happy end come nei più grandi successi del regista inglese. La
recitazione di Poelvoorde, molto fisica, inventa gag da cinema muto (come
quella dell'antenna della televisione) e la regia di Beauvois esalta questa
visone "chapliniana" con riprese quasi sempre fisse e frontali. Il risultato è tutt'altro che scontato: un film
che si fa volere bene proprio per questa semplicità lontana da qualsiasi
intellettualismo. Il tutto è impreziosito da una serie di comprimari ben
caratterizzati e in parte (come il personaggio di Peter Coyote) e da una
colonna sonora trionfale e squillante che si diverte ad arrangiare le musiche
de "Il monello" e "Luci della ribalta". Il finale con l'apparizione del circo (Chiara
Mastroianni) è la conferma che la visione della vita gioiosa e spensierata di
Eddy ha avuto la meglio.
…Non so quanto Beauvois ci abbia pensato, ma
quel che viene fuori è un film come ormai se ne vedono pochi. Intendo, un film
sanamente e solidamente tradizionale, senza fanfaluche e fuffe
avanguardistiche, con uso di campo e controcampo e qualche piccola carrellata
solo quando serve, senza narcisismi autoriali, e niente uso smodato e
incontinente della camera a mano. Una storia buona, e scritta come Dio comanda,
una regia senza frilli che si mette al servizio della narrazione. Poi, gli
attori. Perfettamenti scelti, benissimo diretti. Perché il cinema, come
sapevano bene i tycoon della Golden Age di Hollywood, è fatto in primis di una
buona storia e di buoni interpreti. La rançon de la gloire fila
via dritto come un fuso per le sue due ore, c’è solo qualche incertezza da
parte di Beauvois dopo che il colpo, chiamiamolo così, è stato eseguito, ma il
film vien rimesso subito in pista con gran mestiere. Si vede che il regista ama
quello che ci racconta, ama i suoi due protagonisti poveri e parecchio
sprovveduti, ama quella loro marginalità che è anche, in qualche modo e
pasolinianamente, innocenza, ama la loro goffaggine da povericristi alle prese
con qualcosa di troppo grosso per loro. Fa del cinema nel cinema, mostra
Chaplin e progressivamente conforma il suo film sul modello chapliniano, in
un’operazione linguisticamente alquanto sofisticata, ma senza metterla giù
dura,senza darlo troppo a vedere, senza atteggiarsi a Grande Autore…
…Ben sostenuto dai sempre bravi Poelvoorde e Zem, La rançon de la gloire presenta alcune gag davvero riuscite ma anche dei personaggi
secondari buttati via o ridotti a macchietta. E se qualche risata la strappa
senza fatica, di certo non riesce a suscitare alcuna riflessione. Ma forse è un
film che non aveva realmente altre pretese se non intrattenere, forse ciò che
dà l’impressione di poter essere non interessava davvero gli autori. E allora
non si può dire che sia riuscito male, né che guardarlo sia tempo perso. Di
certo, però, non ci si deve aspettare qualcosa di memorabile.
…Il film non ha
particolari exploit, ma si dimostra molto equilibrato, sia nel delineare i due
amici, che non potendosi concedere il lusso di avere finanziamenti dalle
banche (come desidererebbe Osman per curare la moglie a far studiare la
figlia) e di potersi riscattare in modi semplici e onesti, decidono di fare il
grande passo del rapimento con il maldestro riscatto, tralasciando le
inevitabili conseguenze di arresto, gestite più dal maggiordomo della famiglia
Chaplin, che non dagli investigatori svizzeri.
L’equilibrio riguarda
anche il modo di proporre al pubblico un film del genere; è tra il lugubre e il
cinico, tra la punta di ironia e la speranza di una nuova vita.
Questo film molto blando, da anche la possibilità di un riscatto; i giudici
cercano di capire i veri motivi che hanno spinto i due a compiere tale gesto,
quando la figura di Charlie Chaplin affascina ancora il pubblico,
e provoca nostalgia.
In una pellicola, che
contiene al suo interno lunghi silenzi (anche troppi, sembra che non sapevano
come occupare il tempo per certi versi) a volte occupati dalla colonna sonora
incalzante, si rivela una piacevole visione senza impegno, che vede
protagonisti Benoît Poelvoorde, Roschdy Zem, Séli Gmach,Chiara Mastroianni, e Nadine Labaki.
