Ordet (La Parola) - Carl Theodor Dreyer

bisognerebbe vedere Ordet senza pre-giudizi, e restare a bocca aperta.

è un film d'impianto teatrale, girato quasi tutti un una casa, in poche stanze, in un bianco e nero perfetto.

sembra una storia come tante, due fidanzati che (come Romeo e Giulietta) sono ostacolati dalle famiglie, c'è uno fuori di testa, forse, famiglie in crisi, i patriarchi in difficoltà, e bambine e bambini che ancora conservano l'innocenza che gli altri hanno ormai perduto.

sembra che non succeda niente e succede tutto.

un film perfetto, Carl Theodor Dreyer è un maestro del cinema.

buona (indimenticabile) visione - Ismaele

 

 

 

QUI si può vedere il film, con sottotitoli in spagnolo

 

QUI si può vedere il film in italiano

 

 

 

Campagna danese ai primi del secolo. Due famiglie sono divise da diverse concezioni religiose. I due patriarchi, Borge e Peter, hanno lunghe discussioni sull'esistenza di Dio e sulle possibilità di rapporto fra gli umani e la fede e pensano al matrimonio fra i rispettivi figli. Borgen ha altri due figli: Mikkel, sposato, con una bambina, e Johannes, studente di teologia che, impazzito per il troppo impegno, finisce per credersi Gesù Cristo. Scoppia il dramma. La moglie di Mikkel partorisce un figlio morto poco prima di morire a sua volta. La bambina, rimasta senza la madre, cerca lo zio, convinta che sia davvero Gesù, e lo prega di resuscitare la mamma. Ma Johannes, sconvolto dalla morte della cognata, è tornato in sé. Dunque non può davvero deludere l'ingenua speranza della bambina. E così, in una scena di intensissima commozione, durante la veglia funebre, nel chiarore accecante dell'estate scandinava, Johannes ordina alla morta di uscire dalla bara. La donna riapre gli occhi. Di fronte alla fede della bambina Dio non ha potuto non intervenire. Per capire Dreyer occorre collocarlo in due quadri, di tempo e di luogo. Come tutti i nordici, a cominciare da Bergman, quando sono protestanti lo sono rigorosamente, e in profondità. Il problema di Dio è presente continuamente, soprattutto nell'arte. Dreyer si era fatto incantare dal dramma Ordet di Munk, lo scrittore ucciso dai nazisti, e dalla sua forza surreale e paradossale. Il regista era anche uno studioso di scienze e filosofia; conosceva la teoria della relatività di Einstein che descriveva altre realtà oltre le dimensioni a noi conosciute. Dalla relazione tra questa peoria e il problema Dio nascono scene come la resurrezione. La scienza serve per entrare nel soprannaturale. Dreyer è titolare di un rigore espressivo che non trova uguali in nessun autore di tutto il cinema. I temi di Dreyer, le sue paure, le sue soluzioni, e anche il suo stile, non fanno più parte del nostro tempo e delle nostre idee, tanto veloci nel manifestarsi quanto nel passare.

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For the ordinary filmgoer, and I include myself, “Ordet” is a difficult film to enter. But once you’re inside, it is impossible to escape. Lean, quiet, deeply serious, populated with odd religious obsessives, it takes place in winter in Denmark in 1925, in a rural district that has a cold austere beauty.

The film is one of only four major features by Carl Theodor Dreyer (1889-1968), who although he made many short films, was able to make only one feature each in the 1920s (“The Passion of Joan of Arc“), the 1940s (“Vampyr”), the 1950s (“Ordet”) and the 1960s (“Gertrud”). That was enough to place him first among all directors in the minds of such as Lars von Trier and the critic Jonathan Rosenbaum, and to make him (with Ozu and Bresson) the focus of Paul Schrader’s influential 1972 book Transcendental Style in Film. His “Joan of Arc” is often named among the 10 greatest films of all time.

But there are those who prefer “Ordet,” with its two families: those of Morten Borgen, patriarch of Borgensfarm, and those of Petersen, a nearby tailor. Morten is the bearded, stern father of three sons: The sincere Mikkel, married to Inger; the mad Johannes, who believes he is Jesus Christ, and the young Anders, a quiet youth who wants to marry the tailor’s daughter. The tailor, who works cross-legged sitting in his window, has a wife, Kirstin, and a daughter, Anne. The only other characters are Mikkel and Inger’s two young daughters, a pastor, a doctor, a midwife and a servant at Borgensfarm.

I take the time to name the characters because the movie takes time to establish them, to ground them all in the very fabric of the narrative. It does not dart from one to another. It gives each full weight. When they talk, it listens, and every word is measured, none glib or careless. It’s as if they’re talking for the record.

The early events seem ordinary enough. Inger is pregnant again. Anders has proposed to Anne. Morten is filled with pride in his farm, and his family is known by it: “The son of Borgensfarm,” etc. Anders confides to Inger that he wants to marry Anne, and Inger gently breaks this news to her father-in-law, but Morten will have none of it, because Peter the tailor is of the wrong religion. Both families are Christian, but Peter is of the fundamentalist belief, and Morten advocates a faith with more freedom and joy. In practice, both views translate to rigid dogmatism.

The unprepared audience member has long since grown a little restless, especially during the slow, mournful soliloquies of the mad Johannes, who regrets that the others do not follow him or heed his prophecies. There is a peculiar scene where the new pastor pays a call when only Johannes is at home, and listens to one of his dire monologues. When Morten returns, the pastor immediately shakes his hand and leaves. Why did he pay the call?

Doubt is expressed by Morten about the power of prayer, because his own could not save a loved one. He blames himself: “I did not truly believe.” Anders goes to Peter, asks for his daughter’s hand, and is turned down: “You are not a Christian.” Although Morten has refused to have his son marry the girl for exactly the same reason, the news that a son of Borgensfarm is not good enough for Peter’s daughter enrages him, and he sets off with Anders to the tailor’s house.

He interrupts the least cheerful prayer meeting I can imagine, with a small congregation hearing Peter’s confession that he is a sinner, now born again, and then joining in a doleful hymn. The congregation files out, the two old men sit down to discuss their differences and the futures of their children, and it is now, although we may not have noticed, that the film has taken its grip. We will not be able to look away again until the end, and we will think of nothing else.

Morten and Peter, played by Henrik Malberg and Ejnar Federspiel, sit side by side on a bench and brutally insult each other’s beliefs in deliberate, understated certainties. There is undeniable buried humor here. They have known each other for years. they know all of these disagreements already. Only at the end, when Peter goes too far, does Morten shake him by his shirt front.

These scenes are intercut with Inger going into labor back at the farm. The doctor, a tall, cool man, arrives to consult with the midwife. He intervenes to save Inger’s life. His work, shielded by a sheet, is so difficult that he bares his teeth in a grimace. This is the most painful scene of medical procedure I have ever experienced in a film, even though it is only suggested, not seen.

Now I will not tell you the rest of the story, at least not in so many words. Up to this point, I have practiced more description than “criticism,” because to closely observe this film is to criticize it, struggle with it, respond to it, understand it, and finally respect it. It is what it is, fearlessly, without compromise. Its characters lead their lives in their own ways, not for the convenience of the plot or the audience. They stand where they stand.

It turns out, after all, that some things are more important than others. That there are different kinds and depths of belief. That although all the adults except Johannes believe the Lord no longer works miracles, Morten may have been correct that a prayer must be believed to be successful. Dogma is meaningless without faith, but faith does not need dogma.

The lives of everyone in this film depend entirely on religion. It could be shown in any church in the world, with a few adjustments to the subtitles to supply other words than “Christian.” Yet I find from Rosenbaum that Dreyer was not a particularly religious man, and this film is not intended to proselytize. It simply intends to see.

That it does astonishingly well. The rude, simple sets have the solidity of a universe. The outdoor shots, of searches for the runaway Johannes on the moors, or a buggy ride across the horizon, are almost abstractly beautiful. Much is offscreen: The Borgensfarm sow that has had piglets is much watched, never seen. Peter’s house has only a sign and a doorway. The doctor’s car is established only by its headlights. The grim reaper is seen only by Johannes.

The camera movements have an almost godlike quality. At several points, such as during the prayer meeting, they pan back and forth slowly, relentlessly, hypnotically. There are a few movements of astonishing complexity, beginning in the foreground, somehow arriving at the background, but they flow so naturally you may not even notice them. The lighting, in black and white, is celestial — not in a joyous but in a detached way. The climactic scene could have been handled in countless conventional ways, but the film has prepared us for it, and it has a grave, startling power.

When the film was over, I had plans. I could not carry them out. I went to bed. Not to sleep. To feel. To puzzle about what had happened to me. I had started by viewing a film that initially bored me. It had found its way into my soul. Even after the first half hour, I had little idea what power awaited me, but now I could see how those opening minutes had to be as they were.

I have books about Dreyer on the shelf. I did not take them down. I taught a class based on the Schrader book, although I did not include “Ordet.” I did not open it to see what he had to say. Rosenbaum has written often about Dreyer, but when I quote him here, it is only things he has said to me. I did not want secondary information, analysis, context. The film stands utterly and fearlessly alone. Many viewers will turn away from it. Persevere. Go to it. It will not come to you.

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Girato in un bellissimo bianco e nero, Ordet è uno dei film migliori della filmografia di Dreyer, caratterizzata da grande essenzialità visiva ed un forte sentimento religioso. A tal proposito, del regista non possiamo non ricordare il possente La passione di Giovanna D’Arco e il bellissimo Dies Irae, opere estremamente attuali e magistrali.

Il film di Dreyer è quasi tutto girato in interno, con la ripresa a tre pareti, tipica delle sitcom americane moderne, mostrando palesemente la natura teatrale del racconto da cui è tratto.

Ordet racconta di come spesso, nella spiritualità, i meno credenti nella forza divina siano i devoti stessi che, con la loro mentalità ristretta, non riescono a chiedere a Dio tutto ciò che lui veramente potrebbe fare per i mortali.

L’opera di Dreyer, però, non parla solo di questo, è un film complesso, ma non pesante, ricco di sottotesti che ognuno di noi può leggere tra le righe e guardando il film. E’, anche, un film dall’immenso potere filmico in cui racchiude scene girate magistralmente, tipiche dello stile di Dreyer.

Per chi ama il cinema, per chi non lo ama, per chi da un film chiede qualcosa di più del semplice intrattenimento, Ordet è una pellicola da non perdere e da guardare con la mente pulita e gli occhi spalancati.

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…l’ironico sorriso beffardo di Dreyer lo si evincerà per tutto il resto della visione, dalle continue preghiere ai versi mal riportati fino allo stesso utilizzo bonario e inaccettabile del miracolo come immediata soluzione materiale ad ogni problema (tra l’altro per mano di un folle in tutto e per tutto somigliante al Messia). Una sorta di satira che, ben lungi dal perdere il proprio spirito profondamente mistico e riflessivo, punta al contrario a mantenerlo il più possibile attraverso uno stile autoriale rigido ed inflessibile. Qui più che mai infatti Dreyer si affida ai lunghi silenzi, all’immensità degli scenari e ad inquadrature meticolosamente studiate come dipinti su tela, suggellando alcune tra le più sensazionali sequenze della storia del Cinema di meditazione, al quale questa pellicola fa indubbiamente riferimento.

Binomio, quest’ultimo, ironia-riflessione che definisce un’opera completa e coerente con se stessa a trecentosessanta gradi; un epico saggio morale sull’uomo e sul proprio rapporto col divino. Tra i lavori più rappresentativi della Storia del Cinema novecentesco, ‘Ordet’ è un lucido affresco di vita passata che non perde nulla del proprio valore e del proprio significato, anche a più di sessant’anni dalla propria nascita.

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…Tra i grandi capolavori di Dreyer, uno dei registi più grandi in assoluto della storia del cinema, Ordet è forse l’opera più alta e compiuta. Nei film di Dreyer è costante la sobrietà dello stile associata ad una messinscena in cui tutto è predisposto con cura per illustrare il senso della vicenda. Questa perfezione è marcata dal ritmo pacato (non mi piace definirlo con “lento”, parola che implica difficoltà) che è anche in perfetta armonia con la realtà dei tempi in cui si svolge l’azione, in altre parole questo incedere austero è necessario per l’equilibrio stilistico e per il realismo della rappresentazione. 

Dreyer usa la fotografia esaltando la capacità del bianconero a caratterizzare l’atmosfera usando toni morbidi per situazioni rilassate e contrasti netti per le scene drammatiche; sono molto suggestive nei rari esterni le inquadrature di piante ondeggianti al vento (elemento pittografico già utilizzato da Dovženko) e il cielo che da terso e luminoso diventa più scuro e nuvoloso con l’intensificarsi del dramma. Questa capacità di Dreyer di esprimersi con grande efficacia direttamente con le immagini, è condivisa con gli altri grandi registi che hanno iniziato all’epoca del muto (e anche dell’espressionismo) come Lang, Buñuel, Ejzenštejn, Mizoguchi, Ozu, Ford.

In Ordet i personaggi sono rappresentativi di diversi atteggiamenti nei confronti della fede religiosa e della possibilità dei miracoli e il pathos è costruito sulla dialettica fra la sincera ricerca individuale di Dio (volta ad accettare anche l’assurdo) contrapposta alla fredda astrattezza e razionalità della teologia e alla supina partecipazione ai riti. In realtà credo che le grandi opere di Dreyer, non solo Ordet, abbiano come sottofondo una rilettura del pensiero di Kierkegaard (non a caso citato come causa della follia di Johannes) e la sua messa in pratica nei casi concreti…

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…il bellissimo finale del film (che, per quanto celebre, non rivelo, almeno del tutto), indicato come uno dei più intensi della storia del cinema (è certamente uno dei più struggenti che mi sia capitato di vedere), dove la rappresentazione in forma solenne di uno dei principali misteri della fede e fatta in modo da essere accolta indipendentemente dalla convinzioni che si hanno a riguardo. Perchè è cinema allo stato puro, col coraggio di confrontarsi coi grandi temi dell'umanità proponendone delle risposte possibili e con gli strumenti stilistici che gli sono propri portati ad altissimi livelli di espressione formale. E' come la Cappella degli Scrovegni di Giotto : la bellezza non ha religioni. Capolavoro.

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…L'austerità delle ambientazioni, l'indeterminatezza dello spazio e del luogo conferisce all'opera un aspetto più solenne che si porta avanti fino ad un finale molto emotivo (quasi insolito per Dreyer abituato ad un rigore stroardinario anche nei sentimenti) in cui la sacralità e la materialità si fondono, dove l'amore divino e quello terreno si uniscono. Il miracolo non è la resurrezione ma la possibilità di ritrovare se stessi attraverso la candidezza dei gesti, e sopratutto vivere in pace con gli altri. La vita è preziosa ma anche troppo fragile per poterla sprecare nella complessità delle macchinazioni della mente umana. Lo spirito come il cuore sono due entità molto più semplici di quanto si immagini e devono essere la base di una vita serena e capace di risconoscere la bellezza delle cose che ci sono state donate.

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…Ordet  è un'opera di straordinaria bellezza a livello di immagine, e di notevole potenza nella rappresentazione. Tratto da un'opera teatrale del pastore protestante fucilato dai nazisti Kaj Munk e caratterizzato da un ritmo lento, ma senza mai risultare noioso, il film si affida al Verbo della liturgia cristiana (la Parola del titolo originale, da intendere in un senso evangelico) per risolvere le contraddizioni di un credo religioso che non riesce più a comunicare al cuore della gente, nonché di un pensiero razionale ormai sterile, che non può nulla di fronte alla tragedia della Morte. Lo stile di Dreyer risulta certamente austero ed impegnativo, ma non cede praticamente mai al ricatto del teatro filmato nonostante l'ambientazione sia tutta concentrata nella fattoria della famiglia Borgen, come risulta anche dai lenti movimenti di macchina, spesso in piano-sequenza, e dall'intelligenza delle scelte di illuminazione e della composizione visiva.

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Visto oggi, nel 2006, questo film mantiene inalterata una purezza cristallina, classica. E' un film che non parla solo del tema della morte: tratta della fede, ad esempio, quella piena di dubbi e quella farisaica. Ma soprattutto tratta dell'innocenza: sono gli innocenti (la bimba e Johannes), a cui il razionalismo saccente degli uomini "per bene" non presta attenzione proprio perchè inaffidabili, a salvare il mondo (in questo caso a resuscitare).
Siamo davanti a un film che turba le coscienze, che scava dentro di noi fino a farci male. La risposta potrebbe sembrare banale, velleitaria, semplicistica: quella cioè di darci a Dio incondizionatamente, senza mediazioni razionalistiche. E' dura da digerire, per noi che viviamo immersi nelle certezze o pseudo-certezze tecnologiche e scientifiche.
Un film che fa discutere ma che soprattutto commuove e muove.

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forse DIES IRAE e' piu' perfetto; ma questo Ordet e' registicamente piu' ricco e evoluto. Il grande regista danese utilizza a fondo i mezzi offerti dal linguaggio cinematografico (piani sequenza, composizione dell'inquadratura, movimenti di macchina, uso della profondita', montaggio alternato...)per strutturare lo struggente e complesso apologo secondo una solennita' liturgica, con la macchina da presa impeccabilmente al servizio delle psicologie e dei comportamenti dei personaggi. Commovente il momento in cui, nel finale, la nipotina va da Joannes e gli dice: "DAI! SBRIGATI!" VOTO: OTTIMO!!!

Su Carl Theodor Dreyer

Dreyer era sempre in anticipo sui tempi; la sua grandezza stava nell'aver saputo fare del cinema "alto" sia nei contenuti, sia nelle forme. E i suoi temi, come il suo stile, sono, a ben vedere, di grande attualita'

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Parlare di capolavoro, nel caso di questo film di Dreyer, è perfino limitativo. E viene semmai da pensare a quanto merito sia del regista e quanto del dramma (di Kaj Munk, un pastore protestante ucciso nel 1944 dai nazisti che occupavano la Danimarca) che sta all'origine di questo film eccezionale per rigore morale e cinematografico, che riesce a colpire nel profondo con le tematiche religiose che hanno segnato per sempre Morten Borgen e i suoi tre figli: Mikkel, il più grande, sposato, ormai privo della fede; Johannes che, mandato a studiare teologia, è rimasto colpito da Kierkegaard ed è impazzito, credendosi la reincarnazione di Gesù Cristo; Anders, il più giovane, innamorato di una ragazza che gli viene negata perché di un'altra confessione religiosa. Ci sono due o tre cose che colpiscono più delle altre. La prima è il paragone, che non può che nascere spontaneo, con i film di Ingmar Bergman: mi sembra che "Ordet" abbia una maggiore forza nel penetrare nel cuore dello spettatore, mentre i film del regista svedese sono più cerebrali, anche se al fondo c'è lo stesso interrogativo, ed infatti Mikkel, colpito dal dolore, esclama «che senso ha tutto questo?». Si deve poi sottolineare il legame che corre tra Johannes, che preannuncia sventure ma anche miracoli, Inger, che già ad inizio film ribatte al marito che anche oggi (il film si svolge nel 1925) sono possibili i miracoli, purché ci si creda, e la piccola Maren, che spera nel miracolo con animo puro, come se si trattasse di un gioco. Infine l'interpretazione degli attori che danno vita ai personaggi centrali del film: il vecchio Malberg nella parte di Morten e Lerdorff Rye nella parte di questo nuovo Messia (come non pensare che Mike Leigh non si sia ispirato a questo Johannes nel tratteggiare il suo Johnny, interpretato da David Thewlis in "Naked" del 1993?), che parla con andamento cantilenante e sguardo perso nel vuoto da vero profeta. Da tutto questo sgorga felicemente un film denso, vitale, molto dialogato, a tratti ironico (si veda l'incontro di Johannes con il pastore) e con un finale intensamente emozionante (che avrei forse tagliato un paio di minuti prima), di quelli che non si dimentica facilmente.

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I figli della scimmia - Tommaso Landucci

un padre, Dario, con un figlio disabile, Enrico, ha un nipote, Giacomo, che tratta come un figlio.

e poi perde il senso della realtà, Giacomo diventa il figlio che avrebbe voluto avere.

il film lascia intendere tutto, ma tocca a chi guarda saper capire.

Dario è un ottimo Riccardo Scamarcio, in una delle sue migliori interpretazioni, non parla molto, ma dice tutto. 

il film finisce come è cominciato, in mezzo succedono tante piccole grandi cose che cambiano la vita.

un film da non trascurare, purtroppo solo in un centinaio di sale, non ci sono supereroi, solo eroi normali.

buona (sorprendente) visione - Ismaele

 

Commento del regista

Il titolo di questo film trae ispirazione da una fiaba di Esopo: la storia di una scimmia che aveva due cuccioli ma amava e nutriva soltanto il preferito, trascurando l’altro. A differenza della fiaba, però, qui si parla di un genitore chiamato a dividersi fra due “figli”: quello reale e quello ideale. È il racconto di un conflitto intimo, inevitabile, che mette continuamente in discussione il fragile equilibrio fra generosità ed egoismo, amore e desiderio, accettazione e rimpianto. C’è un tabù, un “impossibile da dire”, che mi ha affascinato perché riguarda l’esperienza più profonda e intima della genitorialità: nessun padre e nessuna madre desidera avere un figlio con una disabilità. Questo non mette in discussione l’amore che i genitori di persone con disabilità provano per i propri figli, ma, seppure un figlio stravolga la vita a prescindere, nel loro caso l’esistenza prende una direzione alla quale nessuno può essere preparato.
Parlando con alcuni di loro, mi ha colpito scoprire che spesso, prima del dolore per un figlio nato con una disabilità, arriva quello di una perdita: il lutto per “l’altro figlio”, quello immaginato e atteso durante la gravidanza, al quale devono dire addio prima ancora di averlo incontrato. E allora mi sono chiesto: cosa accade a un padre se poi quel figlio compare? Se si trova improvvisamente davanti al figlio che aveva sempre immaginato e desiderato avere?

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…Il personaggio di Scamarcio è attraversato da una contraddizione che non viene mai semplificata: ama il proprio figlio, se ne prende cura e gli è profondamente legato, ma contemporaneamente subisce il fascino di ciò che il nipote rappresenta. Una possibilità diversa, forse più vicina a quella che aveva immaginato per sé e per la propria famiglia. Il film trova la sua dimensione più dolorosa proprio nel momento in cui queste due realtà finiscono per convivere.

Scamarcio sostiene con grande intensità il peso emotivo del film, evitando di trasformare Dario in una figura monolitica. Il suo è un personaggio che spesso comunica più attraverso ciò che trattiene che attraverso ciò che dice. Accanto a lui, Fausto Russo Alesi costruisce una presenza altrettanto significativa: il suo personaggio, oltre a essere il fratello di Dario, diventa una sorta di termine di paragone attraverso cui affiorano tensioni, gelosie e dinamiche irrisolte all’interno della famiglia.

Molto convincente anche Andrea Aggio nei panni del nipote, un adolescente che non viene mai ridotto allo stereotipo del ragazzo problematico o ribelle. La sua inconsapevolezza rispetto al ruolo che Dario gli attribuisce rende ancora più dolorosa la situazione: il ragazzo si trova al centro di una dinamica emotiva che non ha scelto e che non comprende fino in fondo.

Lidiya Liberman e Cristina Odasso completano un cast capace di lavorare soprattutto per sottrazione. I loro personaggi non vengono utilizzati come semplici strumenti per alimentare il conflitto, ma contribuiscono a restituire la complessità di un ambiente familiare nel quale ogni scelta produce conseguenze sugli altri. Anche nelle figure apparentemente laterali, Landucci dimostra una particolare attenzione alla costruzione psicologica…

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…Uno dei principali meriti dell’opera è il modo in cui affronta la disabilità fisica e cognitiva. Nel cinema contemporaneo questo tema viene spesso piegato a due estremi opposti: la spettacolarizzazione del dolore oppure l’edulcorazione della realtà. I figli della scimmia evita entrambe le strade. La condizione del figlio di Dario non diventa mai il centro assoluto della narrazione. È una presenza concreta, quotidiana, parte integrante della vita familiare.

Landucci dimostra una sensibilità notevole nell’osservare la normalità di una situazione che richiede attenzioni straordinarie. I piccoli gesti, le routine, le rinunce e gli affetti vengono raccontati con naturalezza, senza bisogno di sottolineature. È forse qui che si avverte il motivo per cui il film abbia conquistato il Premio Orizzonti per la miglior sceneggiatura dopo un percorso iniziato con la vittoria del Premio Solinas. La scrittura non cerca la frase ad effetto ma la credibilità dei comportamenti…

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…Uno dei meriti maggiori del film è il modo in cui affronta la disabilità senza trasformarla in un semplice dispositivo narrativo finalizzato a commuovere lo spettatore. La quotidianità di Dario ed Enrico è fatta soprattutto di gesti concreti: lavarlo, prepararlo, accompagnarlo, occuparsi delle sue necessità e affrontare le conseguenze di una condizione che può modificarsi senza offrire certezze.
Il discorso sulla possibile PEG, legato alle difficoltà di Enrico nel deglutire, introduce una dimensione medica che non viene sfruttata per costruire artificialmente il dramma. Al contrario, serve a mostrare quanto la vita della famiglia sia continuamente condizionata da decisioni sulle quali non esistono risposte semplici. Il futuro può peggiorare, oppure rimanere invariato, e l’incertezza diventa una componente permanente dell’esistenza.
Landucci è particolarmente efficace quando mette questa realtà in contrasto con i momenti di leggerezza vissuti da Dario e Giacomo. La gara di trial, la moto, gli stivali, le conversazioni e il rapporto quasi cameratesco tra zio e nipote costruiscono una dimensione parallela nella quale Dario può semplicemente essere un adulto insieme a un adolescente, senza che ogni gesto debba necessariamente passare attraverso una necessità assistenziale. La cura è amore, ma è anche responsabilità; è una scelta affettiva, ma anche un obbligo quotidiano dal quale non ci si può sottrarre. Il film non giudica Dario per questa ambivalenza. Al contrario, prova a renderla comprensibile. Ed è probabilmente proprio questa sospensione del giudizio il suo approccio più maturo…

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…I figli della scimmia riesce a catturare con precisione uno stato d’animo fatto di rabbia e insoddisfazione. E lo mostra sottilmente, senza ribadirlo, senza insistere. Lo mostra, quasi paradossalmente, nella sua assenza. E, in questo senso, torna a essere fondamentale l’interpretazione di Scamarcio, che a Venezia, nella sezione Orizzonti, ha vinto il premio come Miglior attore. La regia di Landucci, che è al suo primo lungometraggio di finzione, è matura e consapevole; sa gestire perfettamente il tema del racconto. Per certi versi, I figli della scimmia non sembra nemmeno un esordio. È privo di incertezze, di sbavature e di approssimazioni stilistiche. Il merito è indubbiamente di Landucci, ma è anche della scrittura, firmata a quattro mani con Damiano Femfert e premiata sempre a Venezia, nella sezione Orizzonti, con il riconoscimento per la Migliore sceneggiatura. 

I figli della scimmia si muove in uno spazio e in un tempo precisi, a loro modo familiari: siamo al Nord, nel torinese; i colori sono grigi, a volte immersi nella luce, decisamente invernali. Il lavoro è una costante, non una cornice. Ed è un dettaglio che dà uno spessore ulteriore ai personaggi. Il cast, in questo film, è perfetto. Non ci sono ruoli più o meno secondari. Ogni attore, a modo suo, contribuisce alla costruzione di questa dimensione concreta, densa, fatta di realtà e realismo. A parte Scamarcio, Aggio, Russo Alesi e Naldini, vanno citati anche Lidiya Liberman, Cristina Odasso e Luigi Diberti. Landucci vuole fotografare la famiglia, sia per come appare che per le sue contraddizioni, e ci riesce...

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il colonialismo del cinema a stelle e strisce

oggi 24 settembre 2026 entro sul sito di mymovies, e cerco i film in programmazione a Cagliari.

per ogni film mymovies segnala le sale che proiettano quel film in tutt'Italia.

ho fatto due conti e il cinema targato USA è in 2303 sale, quello italiano in 377 sale (di cui 273 per il film Ultimo), il resto del mondo (due film) in 121 sale.

la quota di occupazione Usa sul totale supera l'80%, togliendo Ultimo (che è un evento a parte) la quota di occupazione Usa sul totale arriva al 90%.

se questo non è colonialismo (o peggio)...

Class Trip - Jonatan Etzler

 

ricordo di Patricio Guzmán

QUI si può vedere Il primo anno

 

QUI  si può vedere Mi pais imaginario

 

 

due film nel blog:

https://markx7.blogspot.com/2016/06/el-boton-de-nacar-la-memoria-dellacqua.html

https://markx7.blogspot.com/2015/05/nostalgia-de-la-luz-patricio-guzman.html

Bara en mor (Solo una madre) - Alf Sjöberg

nella Svezia poverissime degli operai e operaie agricole una storia di poverissimi che cercano di sopravvivere, protagonista una donna, Maria (interpretata da una bravissima Eva Dahlbeck) che sta al fondo della scala sociale, che lotta per sè e per i suoi figli.

un film che colpisce, in un storia svedese universale, tutti la possono capire.

buona (materna) visione - Ismaele 

QUI si può vedere il film

…Magnífica película de Alf Sjöberg, que yo no conocía, dura, directa, sin contemplaciones y en muchos momentos estremecedora, sobrecogedora la escena de la ordeñadora mayor quejándose del ordeño y que no puede evitar el continuo movimiento del brazo. Excelente la interpretación de Eva Dahlbeck y Ragnar Falck. En un pequeño papel el gran Max von Sydow que se esrenaba en la gran pantalla. Adecuada y bonita música de Dag Wirén y excelente fotografía en B/N de Martin Bodin. Imprescindible ver y disfrutar de buen cine.

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Il cinema “chiagne e fotte” di Christopher Nolan - Federico Greco