Santi Amodeo è amico e "complice" in qualche film con il più famoso Alberto Rodriguez. in questo film il ritmo è davvero sostenuto, si corre senza freni, in una storia un po' folle, e unica. una commedia degli equivoci, e dell'avidità umana, divertente quanto basta. e alla fine, per premio, scoprirete chi è Bambi buona visione - Ismaele
Cuando una comedia tiene partes sublimes, como le
ocurre a ¿Quién mató a Bambi?, especialmente en el entramado
narrativo (bien por Amodeo) y en sus intérpretes (Alterio, sensacional), uno se
queda más decepcionado con sus puntos flacos: ese inicio renqueante y más bien
bobo, y algún intermedio tan chirriante como innecesario: ¿qué hace ahí
Iniesta? La risa, su estallido, llega tarde. Pero llega. Y luego ya no cesa, y
así te instalas en un juego transgresor y gamberro.
…El peso de la película estará sostenido por las aventuras y
desventuras de las dos parejas de amigos/ socios que, con o sin quererlo,
tienen a un rehén en su coche. ¿Lograrán llevar al jefazo sano, salvo y vestido
a la fiesta? ¿Conseguirán el ansiado rescate que les libre de sus deudas? Las
adversidades para nuestros protagonistas sólo acaban de comenzar… desde ese
mismo momento la trama de ¿Quién mató a Bambi? se
desarrollará en una escala ascendente y surrealista de catastróficas desgracias
que, sin lugar a dudas, provocarán la carcajada en el espectador…
…De todas formas es cierto que es una película que no
promete otra cosa. ¿Quién Mató a Bambi? es
exactamente lo que podría esperarse de ella tras ver el tráiler, momentos locos
y actores que saben sacarles buen partido a los mismos. Actores que te levantan
cualquier gag por flojo que pueda resultar. Tampoco hay que desmerecer que
dentro de lo arbitrario que pueda ser todo, la película tiene un ritmo y tono
perfectamente medidos. Falla, por tanto, un guión al que, partiendo de la misma
idea, se le podría haber sacado más jugo.
Suficiente para pasar un rato divertido, que no es poco.
un film trascurato per molti anni, al fascismo non piacciono i film che non sono trionfalistici e patriottici, e che raccontano cose poco liete, segno che non tutto va bene. Fernando Fernan Gomez si ritaglia una parte di cattivo marito, cattivo padre, e dipendente dal gioco. ci sono tanti colpi di scena, in un mondo che sembra quello dell'ottocento, ma è appena degli anni sessanta del novecento. un film da non perdere, un piccolo capolavoro da vedere e rivedere, meglio in spagnolo - Ismaele
El mundo sigue, joya incontestable del cine español, es conocida por ser la
“película maldita” del reconocido director de culto Fernando Fernán Gómez.
Maltratada y olvidada en su limitadísimo estreno, ha tenido que pasar medio
siglo para poder verse ensalzada al lugar que merece dentro de nuestra
cinematografía. Una película que destaca ante todo por la valentía de poner
sobre la mesa una realidad imperante en la época y que, pese a lo que se
pudiera pensar, ha llegado maquillada hasta nuestros días.
Es lógico que suscitara
el recelo de los órganos censores del Franquismo, no solo por poner sobre la
mesa temas tan peliagudos como la violencia de género, el aborto, la ludopatía
o el abandono conyugal, sino por su fiel retrato de la miseria, una pobreza
económica y social que hace proliferar los más profundos y arcaicos de los
sentimientos: la envidia, el odio y el rencor. En una época donde el cine de
charanga y pandereta, que ensalzaba las glorias nacionales y dejaba a un lado
cualquier atisbo de crítica a la difícil situación imperante, llegó ‘El mundo
sigue’, intenso melodrama de corte costumbrista inspirado en una novela de Juan
Antonio Zunzunegui que retrata la historia de rivalidad entre dos hermanas que
buscan el ascenso económico y social…
…Fernán
Gómez consigue mezclar un cine amargo con el surrealismo de
Berlanga para enseñarnos las miserias de las personas, nos hace sentir
incomodos a la vez que comprobamos como se nos encoge el corazón.
Todas y cada una de las actuaciones son inolvidables, no hay un solo papel que
esté por debajo del resto, todos mantienen el tipo, nos emocionamos y odiamos
con los personajes.
Si hay que poner alguna pega a la película pondría la duración, unos 10 o 15
minutos de menos hubiera sido perfecto para una película prácticamente redonda.
Sin duda El Mundo Sigue es una de las mejores películas españolas de todos los
tiempos, quien no se emocione viendo está película es que no es de este
planeta. Esperemos que este reestreno ponga al film donde se merece.
…Digámoslo claro: El mundo sigue es la más feroz y
menos domesticable expresión de una España tenebrosa, violenta, ruin, machista,
ignorante y empobrecida; en definitiva, la España que el Nuevo Cine Español de
los años sesenta nunca llegó a retratar con tan descarnados perfiles, la España
que el desarrollismo franquista pretendía ocultar bajo la engañosa alfombra del
turismo. No es una película de humor negro, pero sí es la radiografía más negra
que existe de aquella España. Y tampoco es un esperpento valleinclanesco, pero
la exacerbación deformante de su naturalismo genera el más atroz y sombrío de
los esperpentos que cabe imaginar.
Su recuperación nos recuerda de dónde venimos y vuelve a echar
vinagre en algunas de las lacras más hirientes que todavía sangran entre
nosotros (la violencia de género, la explotación de los humildes, la
humillación clasista). Nos recuerda que el mundo sigue, que nada se para, que
nos queda mucho camino por recorrer y que aún tenemos muchas asignaturas
pendientes.
…es una regresión vista casi desde una mirada
actual de la realidad de un tiempo marcada por las miserias de la necesidad
unidas al desgaste moral y a la búsqueda incesante de una salida. La envidia,
la obcecación, el machismo o la impotencia serán algunas de las pasiones
humanas más malsanas con las que tendrán que convivir unos personajes
atormentados por un tiempo convulso y que Fernán Gómez sabrá materializar
mediante un uso magistral de las claves del melodrama unido a un guión cargado
de humor en un contexto neorrealista que catapultan a “El mundo sigue” al
Olimpo del cine clásico español. Inadmisible dejar pasar la ocasión de
disfrutar de esta obra hasta ahora casi perdida.
a proposito di giovani, dopo Harry Dean Stanton e Robert Redford torna il vecchio Clint, in una storia di droga e di buoni sentimenti. Earl deve anche fare i conti con la sua vita e i suoi familiari e questo rende il film adatto a ogni spettatore, tutti capiscono. e siccome vedere il film è meglio che farselo raccontare, il cinema vi aspetta. buon viaggio, su quella macchina nera - Ismaele
Clint Eastwood non delude mai, è impossibile. A quasi novant'anni,
torna sullo schermo come regista e come attore e dà vita a un gioiellino
drammatico che, seppur non al livello dei suoi capolavori, è assolutamente
apprezzabile. C'è una certa tendenza ad assecondare i miti più abusati della
cinematografia americana (su tutti, l'amore per famiglia da mettere al primo
posto) ma Clint ha una narrazione così poetica e delicata da farci scordare
ogni possibile difetto. La sua regia è carezzevole, la sua interpretazione è
straordinariamente umana e credibile e genera un'empatia solidissima con lo
spettatore, gli attori secondari funzionano benissimo e non manca qualche
sequenza ricca di pathos e di tensione.
Per quanto il contesto in cui il film è ambientato sia negativo,
Clint sembra volerci mostrare che anche gli uomini 'peggiori' possono avere
un'anima e sono spesso vittime di circostanze più grandi di loro. E come il
magnifico finale ci mostra, anche in un carcere possono sbocciare dei fiori.
E' un'altra piccola grande opera del maestro Clint Eastwood.
…Ieratico e catartico come non mai, Eastwood regala con
"The mule" una parabola struggente, un analisi della società liquida
dell'oggi, tra smartphone e iperconnessioni il vecchio Earl rincorre il tempo
perduto, tra rancori famigliari mai sopiti , inseguendo la (ri)lettura di temi
a lui cari.Patria, famiglia e morte, letteratura da cinema classico qui
inserita in un contesto puramente americano. Come in "Gran Torino" è la
catarsi dell'uomo che conta, non importa se egli è sceso a compromessi con la
propria morale, lui è lì per compiere il suo dovere sino in fondo. L' umanità è
tutta nei compromessi e nelle contraddizioni di Earl Stone, e nel suo
amore per la vita."The Mule" è un opera classica e morale di
altissimo livello, una lezione di vita che un grande autore ci legge ad alta
voce. Eastwood a differenza di "Gran Torino" dipinge un personaggio
che mantiene dei tratti conservatori,
mantenendo comunque un personaggio umano, godereccio e amante delle belle donne
che suscita tanta simpatia…
…Insomma, pregiudizi che dettano il
nostro agire, decadenza di una società, i capricci dell'io, la nostra
dimensione umana. Argomenti leggerini a cui il regista aggiunge infine il
carico da novanta: la famiglia e lo Stato. Il messaggio è semplice, ma qui vive
della drammatizzazione toccante più che della raffinatezza dei concetti: The
Mule non è un film che lavora di fino, al contrario, affastella
argomentazioni per sostenere tesi semplici, ma che pur capendo molti faticano a
mettere in pratica.
E allora c'è la famiglia,
trascurata per il lavoro, per le donne, per il successo, per ogni capriccio
possibile e immaginabile. Serve la morte per portare a maturazione un padre
inadeguato come Earl. Non dico altro. E alla fine arriva pure lo Stato, tanto
aspramente criticato da Eastwood. Non è fatto di leggi, non è fatto di giudici
e avvocati: è fatto di uomini, più o meno meschini, più o meno forti, coi
coglioni di ferro o le palle mosce, più o meno onesti, responsabili e obiettivi
di fronte ai propri errori. Il cittadino perfetto condanna se stesso per ciò
che ha fatto. Non è un mostro perché ha commesso dei crimini, anzi, è sollevato
quasi perché abbraccia serenamente la necessità di essere punito.
Nel suo percorso di redenzione
Earl-Clint traccia la strada verso un “mondo perfetto”, il suo mondo perfetto.
A volte è bacchettone, sbaglia tantissimo, quasi tutto, ma a novantanni arriva
a capire. Ha voluto dircelo, rivelarcelo con un film, per darci una mano a
vivere.
…La vera meraviglia in Il corriere – The Mule non proviene dalla
riuscita o meno del film né dal suo presunto (ci auguriamo) status di
opera-testamento, bensì dall’esistenza, fuori e dentro la scena, di una
creatura testimoniale, incarnazione di un frammento di storia del suo paese,
del cinema, americano e italiano, e in ultima istanza dalla sua disponibilità a
mostrarci gli effetti del trascorrere degli anni sul suo volto e sul suo corpo.
Non lo abbiamo coltivato noi, come i fiori di Earl, ma certo desideriamo,
egoisticamente e proprio come i narcotrafficanti del film, che non si fermi,
continui a viaggiare, che viva, ci intrattenga ancora, riecheggi epoche che non
abbiamo vissuto, costi quel che costi.
Nathalie e "Killer" sono persone senza troppa importanza, Nathalie non riesce più a convivere col marito, è anche incinta, sa cosa non vuole, ma ancora non sa cosa vuolo, Killer era una giovane promessa del football americano, adesso è solo un ritardato nel mondo impietoso degli adulti, è come un bambino, preso in giro e sfruttato da tutti, tranne che da Nathalie. i due si affezionano, senza un motivo particolare, se non che l'uno/a sente di dover proteggere l'altro/a. Roger Ebert vede nel film una storia come quella di Easy rider, a partire da Huckleberry Finn. un piccolo capolavoro, imperfetto, secondo alcuni, con grandi attori nelle mani di un grandissimo Francis Ford Coppola. non perdetevelo - Ismaele
…TheRainPeople (questo il titolo originale) è un viaggio prima interiore che
reale anche se l'incontro con un ex giocatore di football universitario ora
mezzo ritardato condizionerà parecchio le sue scelte. Pur sapendo che è
meglio abbandonarlo non riesce a staccarsene. Empatia,affetto materno, sindrome
del buon samaritano. Il perchè della
loro vicinanza affettiva non è svelato neanche nell'ultimo disperato pianto di
Natalie. Coppola più che ai luoghi,più che fotografare l'America che si srotola
pigramente nei finestrini della macchina sembra interessato a Natalie e al suo
processo di emancipazione,al suo tormento. Se vogliamo
è un punto di vista radicalmente opposto a quello assunto da Spielberg in Sugarland Express in cui i finestrini dell'auto erano occhi aperti sul
mondo...
…Nathalie e "Killer" sono due
inadatti (Killer porta la sua disabilità in giro come una specie di pietra di
paragone di coloro che gli si accostano). Sono inadatti alla vita in generale e alla vita che la
società o il caso hanno preparato per loro. La fuga di Nathalie corre attraverso l'America rurale, che
dagli anni 60 in poi non era già più l'autentico paradigma dell'American way of
life ma - vero o no che fosse (e c'è ovviamente del pregiudizio nei registi di
quegli anni) - un territorio già fin troppo esplorato e allo stesso tempo non
(più) conosciuto, ostile. E' una fuga senza scopo perchè, appunto, la frontiera non c'è
più e gli spazi che si aprono davanti ai due non sono più pieni di promesse e
di speranze…
…Basically the search
is the same no matter how you undertake it. The young wife (Shirley Knight) In "The Rain People" and the
Peter Fonda character in "Easy Rider" are lineal descendants of the
most typical American searcher of them all, Huckleberry Finn. The rules of the
game say these searches are always undertaken by two companions: a
sophisticate, and an innocent. So Huck Finn takes along the slave, Jim. And
Peter Fonda takes along the pothead (played by Dennis Hopper). And Shirley Knight picks up a
hitchhiker (James Caan) who was a college football player until he
got banged on the head and that made him an innocent.
The function of innocents is to be
satisfied and ask obvious questions. They dig things. They like catfish (Jim)
and getting stoned (Hopper) and they love a parade (Caan). And they can't
understand why their companion on the quest doesn't just settle down and take
it easy…
…Coppola a adopté un rythme lent,
soutenu par une ballade mélancolique dont il n’abuse pas, mais le film recèle
des scènes marquantes dans lesquelles il sait instaurer un malaise persistant :
que ce soit dans l’hôtel où Natalie joue à « Jacques a dit » avec
Killer, jusqu’à l’humilier (magnifique plan-séquence vue dans un triple miroir)
ou dans la rencontre avec Ellen, l’ex-petite amie de Killer qui le rejette
violemment, le spectateur ne peut qu’être troublé par des jeux de pouvoir
brutaux. Même si les raisons du départ de Natalie restent confuses, le
scénario prend soin de la définir par des caractéristiques récurrentes, comme
le fait de parler d’elle à la troisième personne. Mais son départ sonne surtout
comme le symbole d’un mal-être, qui imprègne toute une génération ; il
n’est d’ailleurs pas indifférent que la même année, Dennis Hopper tourne Easy rider et que, au
détour d’un plan, on voie le titre Bonnie and Clyde :
consciemment ou pas, Coppola s’inscrit dans ce qui va devenir le « Nouvel
Hollywood » et remet en cause, le temps d’un beau film, aussi bien la
morale traditionnelle que la mise en scène classique. Il se lancera ensuite
dans l’opulence opératique triomphante avec les Parrain ou Apocalypse now, mais sa veine
intimiste ne mérite ni dédain ni condescendance : Les gens de la pluie est un grand
film.
tratto da un libro (qui) di Bertha Thompson, il film racconta una storia e la Storia in tempi in cui la vita, degli altri, aveva poco valore (e ci stiamo riavvicinando a quei tempi fascisti, con altri nomi). Bertha e i suoi compagni vivono una vita al limite, combattendo per i diritti dei lavoratori, in tanti modi, e subendone il prezzo. attori straordinari, nelle mani di un regista che ha girato film indimenticabili, si chiama Martin Scorsese. cercatelo, non ve ne pentirete - Ismaele
… I rinnegati ed amori che come vengono vanno, un ritratto a tinte
forti, una fotografia dell’America che non si guarda alle spalle e che tende a
dimenticarsi di tutto ciò che non gli fa comodo.
Scandaloso per i tempi, ma ancora oggi è parecchio libertino, effetti
spicci (vedi incidente iniziale), vezzi estemporanei nelle soggettive, scene di
sesso curate e tanto sangue.
Tutto sotto una direzione d’eccellenza, segno che se nessuno si può
inventare miracoli, è ancor più vero che non servono grandi palcoscenici per
manifestare un talento e che quando c’è è facile muoversi; la gavetta rimane
pur sempre un passaggio che non si dimentica, anche per l’autore stesso ma
ancor di più per lo spettatore che può assaporare un’ulteriore sfumatura di
quello che ormai è un mito assodato (Martin Scorsese of
course, non l’avevo ancora nominato).
Decisamente valido anche il cast, Barbara Hershey segna nettamente la visione,
ma anche il resto dei protagonisti è di gran livello con David e John Carradine sugli
scudi.
Il “resto” (virgolettato, perché poi fa la differenza, in
positivo) lo fa il finale, violento, feroce e doloroso, un addio che giocoforza
ci accompagna a lungo; così Martin Scorsese lascia
il primo segno che conta e saprà accrescersi successivamente.
…Lo
scontro tra le due Americhe, egualmente profonde e per questo costantemente a
rischio di giungere a un conflitto “civile”, non è mai diretto, perché
l’America del “capitale” usa come vettori della normalizzazione i poliziotti,
ossia esclusi che hanno indossato la divisa. Si irride, quindi, la definizione
classica secondo cui gli Stati Uniti rappresenterebbero la culla della
democrazia o, ancor meno, della libertà, descrivendo semmai una più realistica
visione di uno Stato oligarchico che garantisce la difesa delle elite
attraverso il ricorso all’apartheid. Simbolica, a questo proposito, la scena,
che poi sfocia in tragedia, in cui lo sceriffo locale decide di fare pestare
Big Billy Shelley in carcere, dopo che quest’ultimo ha solidarizzato con un
nero. Scorsese così coglie il carattere fondamentale dell’apartheid, che è il
modo in cui il potere affronta le crisi sociali e governa, come è ben evidente
oggi in Italia, perché consapevole del fatto che la propria sopravvivenza
dipende dalla separazione dei simili e dalla esacerbazione di differenze
superficiali tra di essi.
Girato
nel 1972, ossia nell’anno del pieno trionfo della presidenza Nixon ma nel periodo
di più radicale contestazione della società americana da parte delle sue
avanguardie sociali, il film riflette il contesto storico in cui è stato
pensato, lanciando una amara parola di speranza, esemplificata dalla splendida
scena finale. In anni in cui era normale farlo, Scorsese elabora una bella e
sensata critica del sistema capitalistico americano, anche se a volte l’opera
subisce dei cali di ritmo che tuttavia sono poco rilevanti a fronte di una
quasi opera prima che annuncia già il talento e la brillantezza di uno dei più
grandi, e sofferti, autori contemporanei.
…The movie is set in a murky Southern territory of sweat and
violence, and gives us Bertha as a forthright young girl who a gets involved in
violence almost by accident. She falls in love with a certain Big Bill Shelley
(David Carradine), who seems loosely modeled on the
anarchist organizer Big Bill Haywood. The two of them meet other friends: Rake
Brown, a slick young gambler with a yellow streak, and Von Morton, a sturdy
black who wields harmonica and shotgun.
And then their gang is complete and their first murder just sort of
happens when Bertha shoots a gambler who is about to shoot Rake. The movie's
progression from young love to the most-wanted list reminds us of "Bonnie and Clyde," and I suppose it was meant to.
But there's a lot more going on than a remake or rip-off.
I have the notion that Roger Corman, American-International's most successful
producer of exploitation films, sent his actors and crew South with the hope of
getting a nice, simple, sexy, violent movie for the summer trade. What he got
is something else, and something better. Director Martin Scorsese has gone for mood and atmosphere
more than for action, and his violence is always blunt and unpleasant -- never
liberating and exhilarating, as the New Violence is supposed to be. We get the
feeling we're inhabiting the dark night of a soul…
…America 1929 segue le peripezie della vagabonda Bertha
Thompson e dei suoi tre complici, un baro, un sindacalista “bolscevico” e un
“negro” lungo le ferrovie del sud degli Stati Uniti tra razzismo, intolleranza
e Grande Depressione. I protagonisti dunque non sono i classici gangster che
agiscono nella disperata rincorsa dell’effimero sogno americano, bensì
emarginati che inaugurano l’ampia galleria di outsider scorsesiani. Per ragioni
diverse, dovute a sesso, stile di vita, ideologia o razza questi antieroi sono
mossi dal bisogno di essere accettati da una società che invece li respinge,
additandoli come minacce per il proprio equilibrio ora minato ed incrinato
dalla crisi del 1929. Schegge involontariamente deviate dall’ordine prestabilito
e vittime di violente repressioni, la loro è una lotta per la sopravvivenza,
dove il furto è obbligato dalla fame e dalla necessità di spingersi più in là,
verso un nuovo posto da chiamare – provvisoriamente – casa. La forte simbologia
che permea questa sorta di Easy Rider anni
Trenta (in particolare nel finale) ne fa metafora dell’allora attuale
situazione politica interna, in cui le lotte sociali cercavano di dare voce a
un’America nuova in via d’affermazione. Una vena politica insolitamente diretta
per una produzione di Corman, attraverso cui l’allora trentenne Scorsese
dimostrava già le sue potenzialità, tra cui la matura capacità di realizzare un
prodotto per il pubblico senza tradire la propria vocazione artistica e
ideologica. Primi passi concreti di una carriera in divenire…
