Cuori puri – Roberto de Paolis Maino

una ragazzina ruba un telefonino da un centro commerciale, un vigilante la rincorre e riesce a prenderla, e poi...

succedono certe piccole grandi cose nel film, con una corsa finale.

un gran bel film, opera prima del regista di Serpenti, da non perdere.

interpreti bravi, sceneggiatura senza eccessi.

buona (di corsa) visione - Ismaele

 

QUI si può vedere il film, su Raiplay

 

 

 

…Scritto benissimo (da ben quattro sceneggiatori come si usava una volta), con personaggi disegnati con cura e conoscenza delle situazioni (i Rom hanno collaborato alle riprese e addirittura alle scenografie, oltre a interpretare dei piccoli ruoli), dialoghi equilibrati e crudi (ad esempio quelli del sacerdote, eco dalle catechesi che si tengono a Roma), pieno di dolcezza e con validi caratteristi (Paolo Fresu e Edoardo Pesce gigioneggiano); la regia fa delle scelte coraggiose, stando addosso ai protagonisti fino ad omettere spesso il classico campo-controcampo nei dialoghi per privilegiare i loro piani di ascolto e sacrificare gli interlocutori lasciandone solo la voce fuori campo; la fotografia predilige la mdp a mano e azzarda spesso controluce e immagini abbacinanti – precisa scelta stilistica insieme al suono in presa diretta laido e spigoloso, carezzato dal valido commento sonoro.

Con Cuori puri la vita si (ri)affaccia sullo schermo. Enunciava Zavattini che “il tempo è maturo per buttare via i copioni e per pedinare gli uomini con la macchina da presa“, e De Paolis abbraccia questa teoria, schierandosi idealmente contro l’imperante commediola borghese da pay-tv, in un neo-neoralismo che ci regala un film che per una volta non è scritto spaparanzati sul divano con i programmi di writing, ma intenso e pieno di verità, con il pregio di raccontare l’eroismo degli ultimi.

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…Nonostante l’ambientazione e la nazionalità dell’autore, Cuori puri appare però meno accostabile alle esperienze neorealistiche nazionali e più vicino, invece, a quel realismo di stampo europeo i cui esponenti più noti e apprezzati sono i Dardenne e Loach, e che tra temi legati all’immigrazione e drammi sulla disoccupazione fa capolino sovente nei grandi festival internazionali.
De Paolis struttura il suo tranche de vie attorno a un racconto morale e di formazione che ha il suo nucleo propulsore in questioni pertinenti lavoro, casa e immigrazione, ed è veicolato da uno stile rigoroso, attento e generoso nei confronti dei suoi interpreti, ma pieno di incertezze sul percorso da intraprendere e sui suoi obiettivi.
Protagonisti sono la quasi diciottenne Agnese (Selene Caramazza) e il venticinquenne Stefano (Simone Liberati), il cui primo incontro è piuttosto burrascoso: lei ha appena rubato un cellulare da un centro commerciale e lui, che lì lavora come guardia giurata, la insegue, per poi lasciarla andare col suo bottino e finire dunque licenziato. I due si ritroveranno in un parcheggio di periferia: lui vi lavora come guardiano, lei invece è in visita con la madre all’adiacente campo nomadi, per ragioni di beneficienza. La ragazza e la madre (Barbora Bobulova) sono infatti due ferventi cattoliche, vivono sole, pregano insieme, frequentano la locale parrocchia animata dal giovane parroco (Stefano Fresi), il cui sermoni accattivanti e sfacciatamente moderni (dello stampo di: “Gesù è come un navigatore che vi riporta sempre a casa”) chiamano a raccolta un nutrito gruppo di giovani fedeli. Agnese e i suoi compari poi, sono prossimi a prestare il voto di castità, perlomeno fino al matrimonio. Nonostante le difficoltà del vivere quotidiano, tra Stefano e Agnese esploderà l’amore e il suo compimento sarà latore di tensioni intime, etiche e sociali…

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…Con i suoi personaggi, straordinari ma non meno reali, De Paolis recupera l’eterno scontro tra uomo e Dio come inevitabile scarto tra superficie e spirito. Se la purezza è attributo divino, non può essere vincolata a un fatto corporeo. Beati non saranno quelli che portano un bell'anello al dito simbolo di castità. Beati saranno invece i puri di cuore, quelli mossi dall'amore – massimo insegnamento cristiano –, un sentimento forse più grande degli uomini ma che proprio dall’essere umano scaturisce, dal Dio incarnato che ha rinunciato ad una condizione di divinità per i suoi propri figli. Puro, infatti, è chi, incurante di quanto l’ortodossia di una religione male interpretata ritiene giusto, è in grado di darsi all’altro.

Giustizia, libertà, bene e male sono, alla fine, concetti relativi.

L'errore è ammesso, è concesso a tutti. Perché, malgrado la costante aspirazione dell'uomo alla perfezione, l'umanità ha sempre la meglio.

Ma il divino, "come un GPS, ricalcola il percorso" e lo riporta a casa, in una corsa senza fiato. Come quella di Agnese che impara a seguire una sola direzione, quella giusta, verso l'altro, e che culmina in un abbraccio, un incontro di due cuori, diversi, puri.

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“F come falso” di Orson Welles. Sono un bugiardo di professione - Federico Greco

 

La rimpatriata - Damiano Damiani

un gruppo di amici si ritrova dopo molti anni, ma non sono più quelli di allora.

si illudono che il tempo non sia passato, sono sposati, ma ognuno ha una vita della quale non è soddisfatto. 

il film inizia come una commedia, ma presto diventa tragico, il boom economico è un'illusione, come la loro amicizia.

Walter Chiari è straordinario, in una piccolissima parte Gastone Moschin eccelle, e tutti sono bravissimi.

un gioiellino da non perdere, promesso.

buona (amichevole, ma non troppo) visione - Ismaele

 

QUI si può vedere il film completo

 

 

…Non è dato sapere se questo film abbia in qualche modo influenzato, come il già citato Amici miei, ma sicuramente sembra anticipare delle tematiche che sarebbero state ulteriormente esplorate persino nel decennio successivo con il bellissimo Regalo di Natale, con il quale ha in comune sostanziale tradimento del sentimento dell’amicizia, così come Compagni di scuola di cui sembra anticipare la constatazione della solitudine del protagonista. Notevole prova di Walter Chiari che sviluppa coraggiosamente questo personaggio dallo sguardo da eterno ragazzo, privo di malizia. Purtroppo Chiari, nonostante un talento indiscutibile non riuscì ad affermarsi al cinema rispetto a quando fece in teatro o in tv, difatti l’anno successivo fu protagonista de Il giovedì di Dino Risi, in cui il protagonista ha diversi aspetti in comune con Cesarino e che fu uno dei film più amati dello stesso regista (ma anche di Monicelli) ma che non ebbe riscontro significativo tra il pubblico, forse proprio per la scelta di Chiari. Tra gli aspetti più sorprendenti del film, si osserva una libertà di linguaggio e di contenuti inusitata per l'epoca, che appunto sembra aver procurato qualche noia con la censura.

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… Tutta la storia mostrerà il divario che separa Cesarino dai suoi vecchi amici, sia nel successo sociale che in una nobiltà di carattere mai sbiadita. Quando il gruppo decide di intraprendere una escursione in ricordo dei bei tempi andati, la differenza sarà più marchiata, anche a causa di un certo malessere che vive in quegli uomini e che ha l’ombra della misoginia. Infatti, l’accento polemico del regista, che influisce in un cambio di tono del film, trasforma la commedia ridanciana in una critica sociale molto amara. Ed in questo, se c’era un attore capace di esprimere malinconia, Walter Chiari era insuperabile e che il cinema non abbia sfruttato le sue grandi qualità è stato sempre un rammarico per tutti. Famoso come grande affabulatore, era potenzialmente anche un attore superlativo. Che morì in solitudine. E attorno a Cesarino, irresponsabile ma illuso e innocente, ruota una serie di personaggi più o meno consapevoli, ipocriti e volgari che pensano a una cosa sola. Quella lì…

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…Emerge su tutti il personaggio di Cesarino, bigamo conclamato ma non pago, tirato in mezzo dagli amici per un'ultima notte di follie, e tuttavia privo di quella cattiveria che ognuno degli altri protagonisti sembra portare indelebilmente con sè. Il film, in alcuni punti abbastanza esplicito per il periodo (cosa che gli procurò anche qualche grana con la censura) oltre ad essere una delle più efficaci pellicole sullo spaesamento generazionale nell'ingresso nell'età adulta, è anche un'ottima occasione per rivedere Walter Chiari, attore forse un pò troppo facilmente dimenticato rispetto ad altri contemporanei, ma non privo di un suo indubbio talento.

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Il boom economico è stato un’illusione, così come lo è l’amicizia eterna a cui si crede da giovani. Sono entrambe illusioni di gioventù, a ben vedere. L’Italia del dopoguerra è un paese di freschi natali, che vede la luce sull’onda entusiastica della ricostruzione postbellica e della democrazia repubblicana. È un Paese dal viso giovane, fin dal sorriso di Anna Iberti che sfonda la prima pagina del Corriere della Sera annunciando la vittoria della Repubblica al referendum del 2 giugno 1946. Nell’arco di un quindicennio l’Italia assiste a una strabiliante crescita economica, che cambia letteralmente volto architettonico e geo-antropologico all’intero paese. La trasformazione da paese agricolo a industriale è rapida e feroce. Prodotto dalla gloriosa 22 dicembre di Ermanno Olmi e Tullio Kezich, realtà purtroppo di vita breve, La rimpatriata (Damiano Damiani, 1963) si apre esattamente su questa suggestione. L’Alberto che ritorna a Milano dopo qualche anno si aggira sui titoli di testa in mezzo a enormi palazzi in costruzione. «Lì una volta c’era la mia scuola» dice malinconicamente. Si è cambiati anche dentro, ed è un cambiamento insieme individuale e sociale. Il mutare dell’età comporta inevitabili mutamenti esistenziali, ma c’è anche qualcos’altro, intimamente legato alle trasformazioni antropologiche in corso. Con finissima nota, Alberto vede da lontano un caro amico di un tempo, e sul momento finge di non vederlo. È già subentrato un senso di estraneità in luogo della spontanea complicità che anni prima li teneva uniti. Crescere dà vita a inediti imbarazzi. Nonostante l’iniziale tentativo di sottrarsi all’incontro, Alberto e Sandro poi si salutano e convocano altri amici storici per passare una serata insieme come ai vecchi tempi. Si ricostituisce un quartetto di maschi più o meno affermati, che sul momento non hanno intenzione di coinvolgere un quinto componente del gruppo dal destino decisamente diverso. È Cesarino, tanto entusiasta e vincente con le donne quanto immaturo e trasognato, protagonista di una vita privata quanto mai aggrovigliata. Fra una chiacchiera maschilista e l’altra sempre intorno a donne e sesso, alla fine i quattro decidono di ritrovare anche Cesarino per vedere se riesce ancora a procurare loro facili conquiste femminili. Nella lunga notte che li vede protagonisti emerge un’apparente solidità di rapporti che in realtà non nasconde neanche troppo una reciproca indifferenza. Trascorrere un’intera nottata a rievocare le gesta del passato in mezzo alle risate è abbastanza facile. Ma la sorprendente generosità di Cesarino, che sembra mettere al primo posto la felicità altrui, non è più commovente come una volta. Adesso è accolta dagli altri amici con uno sguardo cinico e pietistico, e al fondo si agita una malcelata invidia di indecifrabile natura…

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…Disincantata e quasi sconosciuta opera di Damiano Damiani, che propone un argomento ripreso con alterni risultati da vari autori: l’incontro – a distanza d’anni – tra alcuni amici di gioventù come triste occasione per constatare i propri fallimenti e le proprie meschinità, che il divertimento e l’allegria forzata, patetici tentativi di nascondersi che l’età verde è finita per sempre, non riescono a nascondere. Il regista friulano mette in risalto la complessità e le contraddizioni dei personaggi, soprattutto il “puro” Cesarino, il melanconico Alberto (esaltati dalle interpretazioni di Chiari e Rabal) e le donne, che dimostrano più maturità degli uomini. Ad acuire l’amarezza che si percepisce per tutto il film contribuisce la canzone di Sergio Endrigo che lo introduce e lo conclude: La rosa bianca, un malinconico inno all’amicizia tratto da una poesia del cubano Josè Martì. Film da riscoprire anche come sguardo disincantato sull’Italia del boom economico, che proprio attorno al 1963 cominciò a rallentare e a mostrare le sue ombre.

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L’estranea – Paolo Strippoli

sembra una storia di Stephen King, ed è un complimento.

l'estranea è una specie moderna di Mefistofele, che fa patti con Anna, novella Faust, vite in cambio di vite.

una famiglia di successo a Bari viene colpita da una maledizione da cui è impossibile fuggire.

attrici e attori bravi (forse l'estranea è un po' troppo fuori di testa, ma va bene lo stesso).

Romana Maggiora Vergano (Alice, la figlia) è una grande sorpresa, ha un'aria di Tecla Insolia, ha una bella carriera di fronte.

la storia è convincente, una storia circolare, alla fine bisogna pagare il conto all'estranea, una storia d'orrore.

e il regista è sempre più bravo.

un film da non perdere, al cinema.

buona (circolare) visione - Ismaele

 

…Jasmine Trinca è perfetta nel rendere Anna una figura tragica, suscitando tanta irritazione quanta empatia, ed evita di misurare il rischio misoginia che si annida dietro ogni storia conflittuale di madri e figlie. L'estranea è diviso in quattro capitoli più un epilogo, e il capitolo più breve è dedicato alla Madre, non solo perché è quello conclusivo, ma perché di fatto per Anna non c'è spazio, anche se è apparentemente sempre al centro della scena. La sua irrequietezza è tenuta a freno, ma si intravvede in una sigaretta fumata in chiesa di soppiatto o in una liquirizia srotolata furtivamente.

Accanto a lei Adriano Giannini è un marito del sud tracotante e fragile e Romana Maggiora Vergano un'Alice insicura e determinata (Mariandrea Cesari, che la intrepreta da adolescente, è altrettanto efficace), mentre fra i tre giovani attori che interpretano Tobia nel corso del tempo colpisce soprattutto l'adolescente Andrea Rossini. Ma la parte del leone spetta alla magistrale Valeria Bruni Tedeschi, un'estranea che si fa carico anche della piega ironica del film, che come ogni horror (e melodramma) che scelga (coraggiosamente) di mantenersi frontale ha bisogno di un occasionale comic relief per non prendersi troppo sul serio e per neutralizzare il pericolo di suscitare una comicità involontaria.

L'estranea pesca probabilmente in un vulnus famigliare del regista, che firma anche la sceneggiatura insieme a Salvatore De Chirico, come radice della sua cifra autoriale. Il lavoro sulle immagini (il direttore della fotografia è Cristiano Di Nicola, il montatore Federico Palmerini), ma anche sul sonoro e sul commento musicale (le musiche originali sono di Rob, gli effetti sonori di Marc Bastien), allestisce simmetrie che poi demolisce come costruzioni di Lego, entra nel dolore adolescenziale come in quello femminile da bambino che appoggia la lente al formicaio (come quello del film, dove le formiche si muovono in circolo, come una girella), chiude ombrelli che dovrebbero riparare dalla pioggia (che "a volte sei tu") e invece non lo fanno - del resto l'acqua è elemento centrale nel cinema di Strippoli - e domanda "chi si prenderà il Male del mondo", ben sapendo che a volte la vita non ha senso né intenzione di fare danno.

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…Presente e passato si alternano in questa storia che di essenziale ha solo la premessa e che indaga nel cuore e nelle fondamenta della famiglia borghese “tradizionale”, come specchio della società e come unità che ha nel suo stesso impianto il seme per la sua distruzione. Con un linguaggio ibrido che si muove in equilibrio tra il thriller psicologico e il dramma nel senso greco del termine, Strippoli mette in scena un’analisi lucida della famiglia tradizionale attraverso le figure di Anna e Walter (i genitori, interpretati rispettivamente da Trinca e Adriano Giannini) e Alice e Tobia (i figli, che hanno il volto di Maggiora Vergano e Andrea Genovese).

A fare da cardine vi è il tema del controllo, una tematica che il regista pugliese sente particolarmente nelle sue corde, specie nell’accezione della perdita di esso. Anna è disposta a tutto pur di mantenere il controllo, anche a costo di arrivare al punto di affidare il destino della sua famiglia a una misteriosa estranea (il cui ruolo si rivela solo nel finale) in cambio di un prezzo via via sempre più caro. Vi è una bella circolarità nel film di Strippoli, una struttura a spirale che ricorre in tutto il film, anche attraverso una serie di brillanti riferimenti visivi disseminati in tutto il corso della storia…

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…Il centro emotivo del film è il confine sempre più incerto tra amore e controllo. I personaggi agiscono spesso convinti di proteggere qualcuno, di fare ciò che è necessario o persino di compiere un sacrificio. Ma la buona intenzione non cancella il danno provocato: il desiderio di preservare un legame può diventare una giustificazione per limitare la libertà altrui, imporre la propria volontà e negare la realtà. È qui che L’estranea trova la sua dimensione più inquietante. La famiglia non è descritta attraverso una contrapposizione semplice tra buoni e cattivi, ma come un sistema in cui le responsabilità si intrecciano e le ferite vengono tramandate. La paura più grande non è soltanto scoprire che qualcuno può farci del male, ma riconoscere quanto facilmente il male possa essere commesso da chi sostiene di amarci…

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…L’estranea è la sua opera più matura, quella più rotonda e compatta, dove il genere horror fa più volte capolino configurandosi, come sempre, come specchio della contemporaneità. In un presente in cui pretendiamo di avere il controllo su tutto, la protagonista entra in un vortice (evocato dal simbolo della spirale più volte presente, dalle girelle di liquirizia al cartello segnaletico dell’idrante) mefistofelico dove ogni nuovo patto siglato dalle due protagoniste produce conseguenze imprevedibili e devastanti…

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…Se c’è un elemento che emerge con evidenza è la padronanza tecnica della regia. Paolo Strippoli dimostra una conoscenza approfondita della cinematografia contemporanea e delle dinamiche che caratterizzano il cinema di genere capace di dialogare con il grande pubblico. Ogni ambiente viene utilizzato per alimentare una sensazione di inquietudine crescente, senza mai rinunciare alla dimensione umana dei personaggi.

Anche la ricostruzione della fine degli anni Novanta risulta credibile e funzionale al racconto, senza trasformarsi in semplice esercizio nostalgico. Tra le sequenze più riuscite spicca il party di Ferragosto organizzato nel giardino della casa dei Colonna. È una scena che riesce a condensare perfettamente il senso dell’intero film: la bellezza della superficie e la presenza di qualcosa che lentamente la corrode dall’interno.

In quel momento convivono leggerezza, sospetto e malinconia, restituendo una fotografia molto efficace della famiglia prima della frattura definitiva. Anche la sceneggiatura mostra qualità importanti. Molte dinamiche familiari sono descritte con precisione e autenticità, e il modo in cui vengono rappresentate le relazioni tra genitori e figli contribuisce a rendere credibile il contesto nel quale prende forma la vicenda…

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…ho trovato lo humour nero de L'Estranea tremendamente divertente, e lo considero uno dei suoi meriti principali. E' un film che non si prende mai così sul serio da dimenticare che il cinema, prima di tutto, deve sapere coinvolgere il suo pubblico. E qui la tensione funziona, le svolte arrivano con il giusto ritmo, il grottesco strappa più di un sorriso e il risultato d'insieme ha la capacità di trascinarti dentro la storia senza mai guardare l'orologio. E' un valore aggiunto non secondario, soprattutto per una pellicola che affronta temi così cupi e che avrebbe potuto facilmente diventare pesante o troppo cerebrale…

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La stanza del Vescovo - Dino Risi

Ugo Tognazzi trombeur de femmes in un altro film ambientato sul lago Maggiore, insieme a Venga a prendere il caffè da noi, entrambi i film trasposizioni di romanzi di Piero Chiara.

Orimbelli (Ugo Tognazzi) è sposato con una donna ricca, proprietaria di Villla Cleofe, ma non la sopporta.

scappa appena può, trova uno skipper che gira con la sua barca sul lago, e gli si incolla.

in fondo, anche se si ride, è una storia tragica, con tanti infelici.

un film che merita.

buona (lacustre) visione - Ismaele

  

 

 

QUI si può vedere il film completo, in italiano

 

 

«[...] Tornato in buona forma dopo un paio di prove sfocate, Dino Risi ci dà con "La stanza del vescovo" [...] un film riuscito. Merito anche della sceneggiatura di Leo Benvenuti e Piero De Bernardi, che ce la fanno a rispettare il libro e a riproporlo in un'impaginazione diversa [...]. Nella schiera dei migliori personaggi di Tognazzi, in sintonia con il mondo di Chiara fin da "Venga a prendere il caffé... da noi", entrerà certo questo ambiguo femminiere in sahariana, ribaldo, spregevole e simpatico. [...]».
	Tullio Kezich, La Repubblica, Roma, 19 marzo 1977.
	«[...] Una "commedia all'italiana", forse più sostenuta di tono rispetto ad altri recenti esemplari, ma non indenne da accentuazioni plateali di quanto, nel libro, era suggerito tra le righe, con pungente garbo. Così anche la rozzezza, l'esibizionismo virile, la sbruffoneria dell'Orimbelli sono spinti al limite della macchietta, sebbene poi il bravo Ugo Tognazzi riesca a conferire al protagonista una sorta di squallida dignità, raggiunta per vie oscure, nel tragico finale. [...]».
	Ag. Sa. [Aggeo Savioli], L'Unità, Roma, 19 marzo 1977.
	«[...] La tessitura narrativa [...] risulta semplificata in modo eccessivo, i personaggi faticano a rendere credibili e logici i loro moventi, e i caratteri, schematizzati al massimo, perdono abbastanza di sapore, in atmosfere troppo smorte per essere drammatiche e troppo statiche per essere comiche. Dino Risi, per esorcizzare queste pecche, ha fatto leva sulla figura dell'Orimbelli, spostando su quella tutto l'asse del racconto [...]. Il risultato [...] convince soprattutto per merito di Ugo Tognazzi, in sagace equilibrio tra verità e menzogna, cinismo e passione, decoro e bassezza; con una misura sommessa che anche quando gli esibizionismi del personaggio lo portano a colorire e ad accentuare, lo trattiene poi sempre al momento dovuto: senza una nota di troppo. [...]».
	Gian Luigi Rondi, II Tempo, Roma, 19 marzo 1977.

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.La prova di Tognazzi è semplicemente mostruosa, intrisa di una vena patetica difficile da dimenticare così come resta fisso nella memoria lo sguardo della Muti in una delle sue prove migliori e la prova anche del bravo Dewaere. Il film è un ritratto d'epoca(l'Italia del dopoguerra)in cui gli aristocratici sono come vecchi dinosauri a svernare sulle rive del lago, come se vivessero in un mondo a sé. L'ambientazione è di notevole impatto, la torbida relazione tra i vari personaggi è svelata lentamente in modo da accrescere la tensione del film fino a un finale di durezza adamantina....

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…Curiosità: Ornella Muti avrebbe dovuto recitare un film con Luigi Comencini, ma Risi gliela soffiò e i due registi vennero quasi alle mani. Risi ha poi raccontato di aver scelto apposta il cognome Berlusconi per mettere in scena Angelo, il marito di Matilde, che torna castrato dall’Etiopia e che, per questo particolare, il cavaliere mandava in onda il suo film sulle reti Mediaset solo ad orari impossibili.

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…Con una sicurezza da film giallo Risi ripercorre piuttosto fedelmente la vicenda narrata nelle pagine scritte da Chiara. Tognazzi non si tira indietro verso nessuna performance spregevole: malizioso, goloso (soprattutto di maionese) ed impenitente, Orimbelli è l'incarnazione perfetta di un personaggio meschino e schiavo della ricerca di continui piaceri; persino una volta ottenuto il cospicuo patrimonio ereditato da Cleofe, aver coronato il matrimonio con la splendida Matilde, egli si sente insofferente tanto quanto prima. E di nuovo cerca in Marco un alleato per evadere dalla consuetudine. Estremamente toccante, nel sua bassezza, la scena finale in cui viene aperto il baule di Mario con i "reperti" provenienti dalle sue scorrerie in Africa. Ottimi anche Patrick Dewaere ed Ornella Muti in ruoli sotto le righe ma molto incisivi. La villa Cleofe in cui è ambientato il film si trova a Stresa, ormai in uno stato di totale abbandono e divorata ampiamente dalla natura, proprio di fronte all'Isola Bella.

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Netanyahu vuole processare i 24 testimoni del film Naza – Lavinia Marchetti

 

Il problema, evidentemente, è il reato di mancata omertà in genocidio

Netanyahu ha ordinato al capo dell'esercito, ai servizi segreti interni e alla procuratrice generale israeliana di identificare e perseguire i militari che hanno testimoniato nel documentario NAZA, diretto da Yuval Abraham e Rachel Szor, premiato alla Mostra del cinema di Venezia.

Una faccenda piuttosto seria, direi. Tanto che Netanyahu ha ritenuto necessario mobilitare gli apparati dello Stato per scoprire chi abbia avuto l'ardire di raccontarla. Secondo il premier, le testimonianze danneggiano la reputazione internazionale di Israele e potrebbero costituire gravi violazioni della sicurezza nazionale. Il sospetto che a danneggiare quella reputazione possano essere state le condotte descritte dai militari non gli è passato neanche per l'anticamera di quel che resta delle sue sinapsi.

Il Guardian, che ha prodotto il film, riferisce di avere verificato le testimonianze anche attraverso documenti riservati e fonti indipendenti, dopo anni d'inchiesta. L'esercito israeliano ha contestato il contenuto dell'opera in una risposta di diciassette pagine, ammettendo di essersi basato sulla visione di un proprio rappresentante a una proiezione pubblica e sulle dichiarazioni degli autori, poiché gli era stata rifiutata una copia del film. Diciassette pagine per contestare la ricostruzione di un'opera che l'istituzione aveva potuto esaminare soltanto indirettamente. Confesso una certa ammirazione per tanta produttività polemica. Insomma hanno criticato un film senza averlo visto.

La decisione di Netanyahu comunque è politicamente molto più pericolosa della sua evidente goffaggine. Chiaramente usare i servizi segreti per identificare persone alle quali era stato promesso l'anonimato va a colpire il rapporto fiduciario che permette al giornalismo d'inchiesta di raccogliere testimonianze su possibili crimini di Stato e lancia una minaccia non da poco. Il prossimo militare che conosca fatti analoghi dovrà considerare il rischio di essere individuato attraverso i servizi segreti del proprio paese. Un po' film americano un po' DDR. Una prospettiva che potrebbe sottrarre alla conoscenza pubblica informazioni decisive anche per future indagini giudiziarie internazionali. Sia chiaro che non provo pena per quei soldati.

Vorrei soffermarmi su queste considerazioni, vorrei che ci soffermassimo soprattutto in Europa dove continuiamo a ricevere lezioni sulla democrazia israeliana. Qui abbiamo davanti un governo accusato di genocidio da ogni ONG che sia andata in Palestina, dall'ONU, dalle stesse organizzazioni israeliane, e che ha un processo per genocidio in corso alla CPI, se tale governo fosse "innocente" come si proclama dovrebbe avere tutto l'interesse a favorire accertamenti indipendenti. Netanyahu ha scelto invece di chiedere allo Shin Bet l'identificazione delle fonti di un'inchiesta giornalistica.

Comunque più Israele si contorce contro NAZA, più NAZA, continua a circolare, dopo il premio veneziano e le proiezioni internazionali. L'iniziativa del premier aggiunge una nuova notizia a quelle contenute nel film e offre al pubblico un motivo ulteriore per andare al cinema a vederlo. Chissà se qualcuno, fra i naziconsiglieri di Netanyahu, abbia avuto il coraggio di spiegargli che adesso mezzo mondo vorrà vedere proprio quel documentario.

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I Am From Palestine - Iman Zawahry