In the Heart of the Machine - Martin Makariev

se esistesse una graduatoria dei film da galera, In the Heart of the Machine sarebbe nella parte alta della classifica.

tensione, violenza, prepotenza, speranza (poca) e dignità (tanta), nella storia ci sono tutti gli ingredienti giusti per un film da non dimenticare.

ottimi attori diretti da un regista che merita, ca va sans dire.

buona (volatile) visione.

 

 

 

Calore, ferro, polvere e odore di petrolio: quella che sembra un'altra tipica giornata lavorativa da detenuti nel carcere di massima sicurezza, si rivelerà in realtà fatale per tutti loro. I carcerati scovano qualcosa di straordinario all'interno di una delle macchine e un'inaspettata ondata di compassione spinge i prigionieri a prendere degli ostaggi e a bloccare l'ingresso dell'officina, rischiando la vita, perché a volte il desiderio di essere umani è più forte dell'istinto di sopravvivenza.

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In the Heart of the Machine is a prison drama with plenty of violence. It takes place in 1978, when Bulgaria was controlled by a repressive and brutal Communist regime. The protagonist, Boris Radulov, known as Bohemy (Alexander Sano) seems a bit different from the other murderers and rapists who surround him. Indeed, he has apparently been framed for murder because of his political beliefs. The warden (Hristo Shopov) calls him in and offers him early parole if Bohemy can put together a team that can double production at the local Kremikovtsy Steel Plant. Bohemy agrees, but only on the condition that he can add to his team a much-feared murderer who is on death row for having, in a drunken rage, hacked to death his father and his brother during the brother’s wedding. Bohemy  explains that this man, known as The Hatchet (Igor Angelov), understands lathes and is unusually strong.

The other members of the team are The Needle (Hristo Petkov), who stabbed to death a grandmother and her granddaughter; The Gypsy (Stoyan Doychev), also known by his real name, Krasni, who raped a 14-year-old girl; and The Teacher (Ivaylo Hristov), who serves as a sort of spiritual guide for the others…

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…Remarkably, it’s based on a true story – the film is dedicated to the real Bohemy. Well, almost true: the bird was a sparrow, not a pigeon, and less violence was involved in the resolution. While it certainly does not skimp on that when necessary, it has a lot to say about what it means to be human. The trapped bird is clearly a metaphor for the prisoners (the title could apply to both), and that’s perhaps why The Hatchet feels so strongly about its release, at the risk of his own life. Not everyone agrees with him; among the group of prisoners, some would like to seize the unexpected chance to escape, while others want to surrender at the first opportunity, and Bohemy is just trying  to get through the day. Some will not get what they want.

I loved the character work here in particular. No-one is portrayed as entirely evil; even Vekilsky has reasons for his behaviour, mostly rooted in an understandable fear of the prisoners. We gradually learn about the convicts’ backgrounds, as well as their aspirations – that a child-rapist can be made to seem almost likeable, says a lot about the excellent work put in by Makariev and his cast. By the end, you feel genuinely invested in the outcome for everyone, and it’s very much a bitter-sweet resolution. Albeit one which may leave you with a little bit more faith in humanity, than you had upon entry.

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Den røde kappe (The red mantle o Hagbard and Signe) - Gabriel Axel

la lotta senza quartiere di due clan, la pace ritrovata e poi persa ad opera di uno squallido e del suo sodale cieco che insinuano sospetti e minacce (oggi diremmo che si comportano come gli inglesi, dove passano loro scoppiano le guerre, si sa).

non ci sono castelli, solo stazzi dispersi nella campagna, e c'è anche la storia di Romeo e Giulietta (anche Shakespeare aveva letto quella storia islandese) e nella sua essenzialità e profondità il film lo possono capire in qualsiasi parte del mondo.

come nella storia di Ulisse (e come oggi, l'uomo non cambia mai) la fine è un bagno di sangue, e l'eroe vince, ma Signe muore.

un gioiellino senza tempo, promesso.

buona (vendicativa) visione - Ismaele

 

 

QUI si può vedere il film completo, con sottotitoli in inglese

 

 

…The picture is fascinating. It is Romeo and Juliet drama performed in Swedish by a small cast. It was co-produced by a Swedish-Danish-Icelandic company, and photographed in magnificent natural colors against the bleak spendor of an Icelandic mountainside.As a tender love drama of two youngsters that surges and explodes with the hate and vengeance of two warring clans, the story unfolds awash in a flow of crimson. Some of the mayhem—two decapitations and continual skewerings—is horrifying.Yet the context of the film and the integration of its components make for such simple affecting unity and visual impact, that no one should miss it…

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…The storyline has the familiarity of a classic archetype but director Axel makes it fresh and engaging with a visual approach that emphasizes the volcanic landscapes of Iceland (where it was filmed) and the physical actions and behavior of the main characters. Dialogue is used sparingly and the sound design is particularly evocative of another time with its mixture of clattering swords and armor, horses snorting and galloping, the crashing surf and discordant musical cues that utilize horns, a solo piano and male and female choruses…

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scrive Roger Ebert:

“Hagbard and Signe” is a beautiful, lean, spare film, which reaches back into the legends of the past to find its strength. I think it must be reckoned the sleeper of the year; I had not heard of it previously, either under the present title or as “The Red Mantle” (its title as the Danish entry at Cannes).

Director Gabriel Axel set his story in the year 1100 and shot entirely on location in Iceland to find the virgin landscapes of the middle ages. His experiment was a splendid success: From scenes of conflict, the camera often looks up to unbroken panoramas of mountains, ice, mist and tough green vegetation.

The plot has the simplicity of legend, as if it had been retold for many years until only the most important contours remained. The film involves three brothers who come to avenge their father’s death.

They fight the king’s three sons with sword and spear, but the match is a standoff, and at day’s end the king declares a truce. The brothers spend the night at his castle. One of them, Hagbard, falls in love with the king’s daughter, Signe, and she with him.

What follows has its roots in a dozen folk tales from as many lands; I would rather praise the marvelous craft of this film. There is a battle scene halfway through that is among the most perfect and brutal I have ever seen; it ranks with the battle in Orson Welles’ “Falstaff.”

In most battle scenes, we become aware that we are shown first one swordsman, then the other, but never both actually chopping at each other. Here, however, we are drawn right in to the heart of battle. Then there are the horses; enormous, muscular, slow, strong war-horses. Not since the short “Dreams of the Wild Horses” have horses been shown with such effect in film.

The actors are more than accomplished. The king and queen are played by Gunner Bjornstrand and Eva Dahlbeck, two veteran members of Ingmar Bergman’s repertory company. The young lovers are physically and spiritually lovely: Gitte Haenning (Signe) is a greater beauty, in my eyes, than Pia Degermark of “Elvira Madigan.”

Two more things need to be said. The dialog is rare and sparse; for long passages, we hear nothing but natural sounds, and when the characters do speak they say only what is necessary. This helps to establish the film as legend; talking too much would only get us bogged down. The other thing that must be mentioned is the photography by Henning Bentsen. He places us so firmly in the breathtaking lonely vastness of Iceland that we can believe only heroes could inhabit this land.

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Oratorium pro Prahu - Jan Němec

 

Mere rosii (Mele Rosse) – Alexandru Tatos

nel 1976, nella Romania di Ceausescu, un piccolo dottore lotta per poter fare il medico, in un mondo corrotto, Ippocrate sarebbe orgoglioso di lui.

un gioiellino da non perdere, se lo trovate.

buona (ippocratica) visione- Ismaele

QUI il film completo, in romeno

a film who reflects his need to escape from the rules web of political command. a surprising film in the context of period. a splendid role by Mircea Diaconu. and a courageous pledge for the honesty and passion as the best manner to define yourself and to change the reality. a pamphlet, it is precise analysis of the social sins. the arguments of young doctor. the cold suspicion, selfish protective circles of the hospital director. the love stories. and the atmosphere who impress for a film from "70's. because it is more than social criticism. it represents a precise portrait of a sick system, not very different by the Romanian medical system from 2016. the importance of film - expose the credo of the director. in direct manner. reflecting the crisis of a cruel perception about the weakness who defines a community.

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courageous, honest, good acting, clever solutions against political command, direct irony against the social sins. and one of beautiful roles of Mircea Diaconu, a lovely performance by Carmen Galin. more than story, clear definition of Alexandru Tatos credo. a film about the duty and the moral victory, about the sacrifice and life as more than convention chain or show. the sensitivity, the touching pieces who defines the lead character are the pillars of it. and the delicate air of freedom. a courageous film for Romania of yesterday and tomorrow. because it remember, in a Balcanica society who believes all has its price than the real values are, always, the axis for define you and the other.

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Anche i boia muoiono – Fritz Lang

a Praga, nel 1942 ammazzano Reinhard Heydrich, un boia nazista.

il film racconta la caccia all'assassino e l'eroismo dei cittadini di Praga che non fanno i delatori, nonostante tutti i prevedibili tipi di minacce.

alla sceneggiatura anche un certo Bertholt Brecht.

un gioiellino da non perdere, promesso. 

buona (antinazista) visione - Ismaele

 

 

 

QUI il film completo con sottotitoli in inglese

QUI il film completo con sottotitoli in spagnolo

 

 

C’è lo spirito di Bertholt Brecht dietro questo poco conosciuto gioiello del cinema degli anni Quaranta, anche se il drammaturgo viennese litigò con Lang e ritirò la firma. Ma c’è anche tanto dell’animo dello stesso Lang, che da sempre ha avuto cari i temi della solidarietà umana che si traduce in una solidità indistruttibile da alcuna repressione, minaccia o violenza. “Anche i boia muoiono” è una straordinaria riflessione sulla forza della comunità contrapposta alla debolezza e alla meschinità del singolo, spesso arroccato su interessi e privilegi, e temibile traditore di se stesso. Costruendo la vicenda come un poliziesco classico, in cui sino alla fine si segue l’investigazione dei nazisti per vedere se questi scopriranno il colpevole, da subito noto allo spettatore, Lang realizza un film pregevole e coinvolgente, sull’autoritarismo, sulla guerra e sulle pulsioni dell’uomo, animale sociale e solidale e, al tempo, lupo per gli altri uomini; tracciando, con illuminante lucidità, un percorso verso la fraternità e il reciproco supporto come unica via per superare la barbarie. È solo in una condizione di cooperazione attiva e privazione del singolo che l’essere umano potrà divenire “superuomo”, elevandosi a specie migliore ed emancipandosi dai suoi orrori. Notazione speciale per il modo in cui il regista tedesco adopera luci e, soprattutto, ombre: più di un’inquadratura (specialmente degli interrogatori) è da brividi sulla schiena per intensità e forza morale.

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Robusto, e foschissimo, film del Fritz Lang americano. Che nell’anno 1943, mentre il paese in cui abita e lavora è in guerra contro il suo paese d’origine (lasciato dieci anni prima), realizza questo Anche i boia muoiono che può essere visto come un’opera di propaganda assai tipica del periodo. Propaganda antitedesca, of course. Ma Lang piega il genere alle sue ossessioni per mettere in scena come sempre, e anche di più, il suo teatro del male pieno di ombre, e di crimini e misfatti. Il boia del titolo è il davvero terribile Reinhard Heydrich, uno dei gerarchi nazisti più spietati, sempre che si possa stabilire in quel contesto una scala di ferocia. Fu lui a dirigere la conferenza di Wansee del 1942 in cui si pianificò con teutonica precisione lo sterminio degli Ebrei d’Europa, l’organizzazione dei campi e dei trasporti ferroviari. Come s’è visto nel film Conspiracy del 2001, dove a interpretarlo era un eccellente Kenneth Branagh. Dopo quel famigerato vertice Heydrich diventa governatore del protettorato di Boemia e Moravia, dove mostra subito la sua inflessibilità. Verrà ucciso pochi mesi dopo, nel giugno 1942, in un attentato dei resistenti cecoslovacchi. Uno dei casi più clamorosi della guerra clandestina contro il nazismo. Il film di Fritz Lang ricostruisce, romanzando e avventurando abbastanza, l’uccisione di Heydrich, ed è l’occasione per il gran regista di confrontarsi con i demoni del suo paese, con i propri fantasmi di esule e la propria identità ebraica. Angosciosissimo, già anticipando quei film resistenziali e anche postespressionisti del cinema polacco e centroeuropeo anni Cinquanta-Sessanta (Cenere e diamanti, I dannati di Varsavia ecc.). A rendere ancora più irrinunciabile Anche i buoia muoiono è la collaborazione allo script di Bertolt Brecht, pure lui a quel tempo rifugiato in America, e le musiche sono del brechtiano Hans Eisler. Il film di culto è pronto. Con Brian Donlevy e Walter Brennan.

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Godetevi la cura meticolosa per ogni minimo dettaglio, il perfezionismo estetico di Lang, la sua tecnica superlativa. Fin dalle prime battute è chiaro dove si schieri il regista austriaco: l'effemminato gerarca nazista, il gioco di sguardi, movimenti, fluttuazioni che Lang disegna sullo schermo a beneficio dello spettatore, mostrano un universo inevitabilmente polarizzato, coi nazisti oscenamente sadici e stupidi e i cechi animati da un forte spirito patriottico e di sacrificio. È probabilmente anche l'unico difetto di questa pellicola, l'unico aspetto prevedibile, per il resto lo sviluppo lascia spazio a più alternative, la tensione psicologica è sempre alta, la tecnica e la fotografia ottime, gli attori ben calati nella parte. Lang, al riparo in terra americana, tira una stilettata al cuore del nazismo, senza sconti. Gran film.

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Maigret tend un piège (Il commissario Maigret) - Jean Delannoy

Jean Gabin, Annie Girardot e Jean Desailly sono gli ottimi protagonisti di questa storia di Maigret, ottimi dialoghi di Michael Audiard, appare in un piccolo ruolo anche Lino Ventura.

niente è fuori posto, tutto torna, Jean Delannoy è bravissimo a dirigere il film.

un piccolo gioiellino da non perdere, promesso.

buona (simenoniana) visione - Ismaele

 

QUI si può vedere il film in francese

QUI si può vedere il film in francese con sottotitoli in inglese

La prima volta sul grande schermo del Maigret forse più famoso,quello impersonato dal mai dimenticato Jean Gabin.Scelta approvata dallo stesso Simenon che vedeva in Gabin la perfetta visualizzazione dell'ostentata normalità dell'uomo Maigret. Gabin aderisce anima e corpo al personaggio di un commissario abituato ad usare il buon senso, con uno spiccato senso dell'umanità ma assolutamente ligio e rigoroso nell'applicazione della legge Preferisce il ragionamento all'azione, risolve il caso con la sua intelligenza e non con un azione di forza (che anzi fallisce).Maigret è il figlio un po'pigro di una Parigi buia qui inquadrata dalla sua prospettiva peggiore, quella delle strade malfamate e malfrequentate. Il caso del serial killer di prostitute viene risolto grazie alla capacità deduttiva del commissario e al suo spirito d'osservazione oltre che da errori sesquipedali da parte dei sospettati. Con un confronto finale tra nuora e suocera di rara intensità drammatica....

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A Parigi, nel quartiere del Marais, qualcuno si è messo a uccidere donne sole al calar della notte. Il commissario Maigret pensa che l’assassino stia cercando di provocarlo. Decide quindi di tendere una trappola al suo sanguinario avversario, ma gli darà del filo da torcere.
Jean Gabin è il settimo commissario Maigret della storia dopo Abel Tarride in Le Chien jaune diretto dal figlio di Tarride, Jean; Pierre Renoir in La Nuit du carrefour diretto dal fratello minore Jean Renoir; Harry Baur in Il delitto della villa di Julien Duvivier; Albert Préjean in tre film girati sotto l’occupazione; Picpus e Les Caves du Majestic di Richard Pottier; Cécile est morte di Maurice Tourneur… Prima di lui c’erano stati anche Charles Laughton in L’uomo della Torre Eiffel di Burgess Meredith e infine Michel Simon nell’episodio Les Témoignages d’un enfant de cœur in Brelan d’as di Henri Verneuil.
Tra tutti i Maigret del grande schermo Gabin fu però il più popolare. Più familiare di Harry Baur o Pierre Renoir, più uomo comune di Michel Simon, più autorevole di Albert Préjean… Girò del resto altri due Maigret, uno nel 1959 nuovamente con Delannoy, Maigret e il caso Saint-Fiacre (buono quasi quanto Maigret tend un piège) e l’ultimo nel 1963 con Gilles Grangier, Maigret e i gangsters.
La sceneggiatura di Maigret tend un piège è scritta a più mani da Delannoy, Michel Audiard, dialoghista molto celebre e molto apprezzato da Gabin, e Rodolphe-Maurice Arlaud, critico e giornalista ginevrino che collaborò più volte con Delannoy e Granier-Deferre.
Annie Girardot è eccellente in uno dei suoi primi grandi ruoli; due anni dopo lavorerà con Luchino Visconti in Rocco e i suoi fratelli, in seguito con Mario Monicelli in I compagni, poi con Marco Ferreri in La donna scimmia, ecc. Nel ruolo di un ispettore incrociamo anche Lino Ventura, amico di Gabin dai tempi di Grisbì.

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…il film non brilla per originalità registica e gli esterni girati in studio appaiono assai datati. In compenso, la sceneggiatura è quasi ovviamente di ferro, Jean Gabin ci mette la griffe da par suo e i dialoghi di Michel Audiard rendono cinematograficamente impeccabile un testo letterario, quindi diverso dal linguaggio della Settima Arte e bisognoso di una vera e propria “traduzione”. All’ottima trasformazione del romanzo contribuiscono attori di gran classe come Jean Desailly, Annie Girardot e, nell’indovinato ruolo di poliziotto della squadra Maigret, un giovane ma già imponente Lino Ventura, che recita al fianco di un idolo della sua adolescenza. Chi si fa notare maggiormente, comunque, è Jean Desailly, assassino psicopatico morbosamente attaccato all’altrettanto schiodata madre. La sua tirata finale, quando crolla inchiodato dalla ricostruzione del commissario Maigret, è un pezzo di bravura, che non può non rimandare ad un certo Norman Bates... "Cinéma de papa" quanto si vuole, ma il talento di Jean Desailly non sfuggì a François Truffaut, che lo volle nel suo splendido "La peau douce" nel 1964…

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Anima persa – Dino Risi

un film con un immenso Vittorio Gassman, e una bravissima Catherine Deneuve.

raccontarlo è un crimine, guardatelo e godetene tutti.

buona (inattesa) visione - Ismaele

QUI si può vedere il film su Raiplay

QUI si può vedere il film online

 

 

…Il film segue l’arrivo del diciannovenne Tino (Danilo Mattei) a Venezia, ospitato nel palazzo nobiliare ormai decadente degli zii, Fabio e Elisa Stolz, con lo scopo di seguire gli studi d’arte. Fabio Stolz (interpretato da Vittorio Gassman) si presenta come un personaggio ossessivo e dalla grande morale, mentre la zia Elisa Stolz (interpretata da Catherine Deneuve) che vive nell’ombra del marito, è legata da un segreto indicibile. I misteri ruotano attorno a rumori e risate infantili che il giovane ospite sente provenire dalla soffitta del palazzo residente. Una volta che lo zio Fabio confessa al nipote che vi abita il suo stesso fratello ormai infermo di mente, la storia sembra prendere una piega strana e si rivela più inquietante e stratificata di quanto appaia in superficie…

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…Per scrivere la sceneggiatura viene chiamato stavolta Bernardino Zapponi, altro professionista di chiara fama noto per i lavori con Mauro Bolognini, Federico Fellini e lo stesso Risi, ma mai abbastanza ricordato per il fondamentale contributo offerto all’innovativo “congegno” col quale Dario Argento un paio di anni prima aveva “scardinato” le regole del thriller (stiamo parlando naturalmente di Profondo Rosso); ed è una “ventata” che Zapponi porta anche in questo copione, rimodellando all’uopo la materia arpiniana.

Tanto per cominciare, come teatro dei fatti viene scelta, in luogo di Torino, una Venezia più lugubre che mai, la “vecchia dall’alito cattivo” che non ha nulla da invidiare, quanto a putridume, a quelle filmate da Aldo Lado in Chi L’Ha Vista Morire o da Nicolas Roeg in Don’t Look Now; in secondo luogo, Zapponi modifica sensibilmente i caratteri dei personaggi principali: l’ingegnere (ribattezzato Fabio Stolz) perde la mitezza della pagina letteraria per trasformarsi in un uomo coltissimo, austero, sottilmente dispotico, di una pedanteria a tratti ossessiva ed attraversato da un malessere interiore indecifrabile, un prussiano dai modi e dalle concezioni di vita d’altri tempi (la cui figura sembra vagamente ispirata a quella del grande poeta romantico Friedrich Hölderlin) che tiene sostanzialmente reclusa la più giovane moglie Elisa, sottomessa e cagionevole di salute (la Galla di Arpino era invece una donna di carattere più fermo), con la quale intrattiene una sorta di sadico gioco psicologico al gatto col topo (valore aggiunto sono i magnifici dialoghi, in bilico tra amaro esistenzialismo, tagliente sarcasmo e nonsense); l’introduzione poi del personaggio di Beba, fantomatica figlia di primo letto di quest’ultima morta appena decenne in circostanze non chiare, assente nel romanzo e vero e proprio altro “elefante nella stanza” alla pari del misterioso gemello, contribuisce ad alzare ulteriormente il livello di morbosità dell’insieme, conducendo lo spaesato Tino, e insieme a lui noi spettatori, attraverso un viaggio nelle tenebre di due menti malate che si concluderà, con un finale ad effetto, addirittura evocando echi di pedofilia…

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…In questo spazio ci soffermeremo su Giovanni Arpino, autore nel 1966 del romanzo Un’anima persa. Dino Risi e lo sceneggiatore Bernardino Zapponi utilizzeranno questo soggetto di Arpino (autore che Risi già utilizzò per Profumo di donna) ma ambienteranno la vicenda a Venezia anziché a Torino. Risi affermò infatti la modifica del testo originale: “il romanzo lo abbiamo modificato e dilatato…Neppure Arpino è stato informato di questa aggiunta, ma dopo Profumo di donna credo si fidi di me”. La scelta della città veneta è riconducibile al tono enigmatico che si è voluto imprimere alla vicenda: non esiste altra città al mondo (città labirinto fu ribattezzata dal regista in un’intervista coeva all’uscita del film) in cui la natura umana può essere mascherata in modo migliore che non a Venezia.

L’anima – o meglio le anime – sono quelle di Fabio Stolz (Vittorio Gassman) ed Elisa (Catherine Deneuve), zii di Tino (Danilo Tommasi), ospite in laguna per cominciare i suoi studi in pittura. Con il passare dei giorni il giovane si accorgerà che nella dimora veneziana degli Stolz si nascondono le tracce di un passato che non andrebbe riportato a galla…

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…Una delle più grandi interpretazioni di un Gassman a due facce assolutamente inquietante nel ruolo del pazzo recluso che sa però nascondere bene il fuoco sotto la cenere dello zio Fabio per poi sprigionarlo con il giusto dosaggio nel progredire del racconto fino al bellissimo monologo finale ma è chiaro che anche i meno scaltri all'urlo della parola "Eufrasio" e osservando bene la sequenza della notte brava in locali e casinò di Tino e zio Fabio potranno captare l'inghippo.

Il colpo di scena finale è tutto sommato imprevedibile ma neanche troppo digeribile tanto che se non sbaglio non proviene dal romanzo ma è una trovata di sceneggiatura.

Algida e passiva la Deneuve fa bene il suo personaggio senza strafare, adeguato al ruolo Danilo Mattei ma si poteva trovare di meglio mentre è un piacere rivedere Anice Alvina nel ruolo di Lucia la modella pittorica che scatena le prime pulsioni in Tino e l'amarezza dei ricordi in zio Fabio: ha come sempre un sex appeal transalpino tutto suo che favorisce fortemente la sua caratterizzazione che si impenna appena entrata in scena con un nudo integrale disinvolto e stuzzicante per poi stemperarsi al saluto finale in cima al ponte.

Musica di Francis Lai.

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…Il tono gotico, malsano ed ambiguo della pellicola si sposa alla perfezione con l'atmosfera putrida e decadente della città lagunare (“Venezia è una vecchia signora dall'alito cattivo”), ripresa da Tonino Delli Colli con una fotografia livida e funerea . Molto suggestiva la scelta delle ambientazioni, tra le calli ed i canali meno turistici, l'isola-cimitero quella manicomio e la dimora aristocratica degli zii, splendida ma in gran parte fatiscente, fantasma di uno passato splendore.

Anima Persa è quindi un film sulla decadenza inarrestabile di un'umanità dall'apparenza falsamente rispettabile, sulla perversione e la follia, segregate in soffitta per metterle al riparo da occhi indiscreti, e spiate al massimo attraverso uno spioncino, ma che finiscono per avviluppare un'intera famiglia con le loro malsane spire. Un film amaro sul male di vivere, sull'angoscia e l'inquietudine esistenziale che possono spalancare l'abisso della pazzia…

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Saltimbancos - Manuel Guimarães

e poi incontri Saltimbancos, un film da cui non riesci a staccarti.

è la storia di un circo povero, che si muove di paese in paese, nel povero Portogallo, pochi artisti poveri, un asino e un cavallo, due pagliacci, un paio di trapezisti, tutti spinti a lavorare per passione o per qualche soldo.

ricorda un po' i film del grande Chaplin, e come i film del maestro anche Saltimbancos è un capolavoro.

non perdetevelo, se lo trovate.

buona (triste e circense) visione - Ismaele  

Valkoinen peura (Il bianco pastore di renne) - Erik Blomberg

per una stregoneria Pirita viene trasformata in una renna bianca.

in quella comunità lappone, costantemente immersa nella neve, popolo di allevatori di renne, il loro sostentamento.

Pirita (interpretata da Mirjami Kuosmanen) è eccezionale, e il film è un grande film corale, con pochi paragoni.

un film da non perdere, promesso.

buona (renna) visione - Ismaele

ps: un altro straordinario e imperdibile film nella neve è Atanarjuat.

 

QUI il film completo con sottotitoli in inglese

 

70 anni prima che Ari Aster, col suo straordinario “Midsommar – Il villaggio dei dannati” (2019), ci facesse apprezzare la più limpida luce diurna come perfetto paesaggio dell’orrore, la Lapponia di Erik Blomberg proponeva un classico senza tempo, dalla narrazione delirante, che eccede tutti gli obblighi del cinema occidentale: “Il bianco pastore di renne” (1952), traduzione errata di “Valkoinen peura”, “la renna bianca”…

…Uno degli elementi che più colpiscono lo spettatore è il colore dominante della scena. Le bianchissime distese della Lapponia sono infatti teatro, sempre luminoso, di atrocità inaudite, che raccolgono gli spunti centrali del folklore sui vampiri e sui lupi mannari senza ammantarle nel buio delle notti gotiche. La fotografia è limpida, splendida nei suoi contrasti talvolta invertiti, nelle sue inquadrature fatte di palchi e ossa disseminati nella neve, di mandrie di renne che fluiscono come sangue su una tela e di falò che sparpagliano galassie di scintille nel cielo della notte.

Il personaggio femminile di Pirita, con costanti primi piani sul volto della Kuosmanen che anticipano di una decina d’anni le magnetiche inquadrature baviane del viso della Steele, risulta sempre esposto nelle sue manifestazioni angeliche e ferine. In questo senso, il trattamento è analogo a quello che Jacques Tourneur aveva riservato, nel 1942, a Simone Simon ne “Il bacio della pantera”, capolavoro (e capostipite) di quel modo antispettacolare di fare horror che ne consacrò il produttore Val Lewton a paladino del fuori scena. Ma, laddove Tourneur pone l’ombra, simbolo dell’ambiguità tra realtà e pazzia, Blomberg riempie l’immagine col candore abbacinante della mitologia. Non c’è spazio per il dubbio: la magia esiste, ed è la fibra della nostra esistenza.

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…Il bianco pastore di renne, girato in un potente bianco e nero, colpisce non tanto per il soggetto, tutto sommato piuttosto semplice (la sceneggiatura è dello stesso Erik Blomberg e della protagonista Mirjami Kuosmanen, che di Blomberg è stata la moglie). Rendono il film particolarmente interessante il contrasto fra gli immacolati paesaggi nordici e l’oscuro dramma che lì vi si compie. L’apparente quiete del Grande Nord, sottolineata efficacemente dalle riprese in campo lungo o lunghissimo, in cui la vita è scandita dal ritmo delle stagioni, viene rotta dallo scatenarsi della furia della creatura vampiro, mezza donna e mezzo animale.

L’uso sapiente della fotografia (diretta dallo stesso regista), nei momenti di massima tensione gioca sui contrasti del bianco e nero – con giochi di ombre che possono rimandare, in alcune scene, all’espressionismo tedesco – accentuando il climax della vicenda.

La Kuosmanen, inoltre, fornisce una prova di notevole bravura, offrendo il suo bel volto alla macchina da presa che, con intensi primi piani, ne coglie tutta la dolente intensità nei momenti di passaggio da donna profondamente innamorata del proprio uomo alla condizione di belva assetata di sangue.

Il film dura poco più di un’ora, ma si tratta di sessanta minuti di grande cinema che ci permettono di scoprire – o riscoprire – un regista dimenticato, qui alla sua opera prima.

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…Essendo un prodotto girato all’inizio degli anni cinquanta, “Il Bianco Pastore Di Renne” risente non poco del tempo trascorso: non a caso si tratta di un film invecchiato male, dove la colonna sonora orchestrale (curata da Einar Englund) si rivela fin troppo invasiva rispetto al necessario. Per giunta la pellicola si dimostra relativamente lucida quando si tratta di penetrare nel contesto antropologico del popolo Sámi (qui viene sempre utilizzata la lingua finlandese, a discapito proprio dell’idioma autoctono, una scelta comprensibile ma poco plausibile). Eppure “Il Bianco Pastore Di Renne” ha tante frecce al suo arco, a cominciare da una storia di indubbio fascino che affonda le sue radici nella mitologia pre-cristiana e nelle pratiche sciamaniche dei Sámi. Un prototipo di chiara matrice folk-horror, nel quale la figura del vampiro prende doverosamente le distanze dal precedente modello espressionista. Dopotutto quella del regista Erik Blomberg è un’immersione nel bianco della neve, una luce accecante dove uomini, animali, slitte e cumuli di ossa compongono un paesaggio spoglio ma altamente suggestivo.
Ormai siamo prossimi al settantennale di “Valkoinen Peura”, un film importante che non può mancare nella collezione di ogni appassionato di folk-horror o di chiunque voglia rivolgere uno sguardo alle usanze dei Sámi, il cui animismo ha avuto una certa influenza su tutto l’immaginario nordico (già Hans Christian Andersen, nella sua celebre fiaba “La Regina Delle Nevi”, aveva percepito la componente magico-misteriosa di queste popolazioni). Un’esperienza unica, al di là del misero budget e dei tanti anni sul groppone.

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