La tigre bianca - Ramin Bahrani

è da molto che seguo Ramin Bahrani, e diventa sempre più bravo.

è il quinto suo film che vedo e sono d'accordo con Roger Ebert, che qui scriveva: "Bahrani is the new great American director".

con La tigre bianca riesce ad arrivare al grande pubblico, via Netflix, e tutti potranno apprezzare questo film.

per chi ancora non lo sa, è tratto da un bel romanzo indiano ed è un film che ricorda sia The Millionaire, sia Parasite, ha molti elementi dell'uno e dell'altro, entrambi film memorabili.

come in Parasite la dialettica servo-padrone è in primo piano, è l'asse portante del film.

tutti gli attori sono bravissimi, ma Adarsh Gourav, il protagonista, più di tutti.

buona, imperdibile, visione - Ismaele

 

 

…Hoy me van a tolerar no hacer referencias cinéfilas, solo dos palabras, para entrar en un grupo más amplio de la colmena.

Balram (Adarsh Gourav), si digo magnífico me quedo corto, aunque sola sea por esa progresiva perdida de la inocencia, de la que casi el espectador no se da cuenta hasta que la tiene delante de sus ojos, en vidrio ensangrentado.

Y Pinky (Priyanka Chopra), cuanto con tan poco, magnifica en sus cortas intervenciones, revelándose contra un mundo que la abraza pero al que odia, ella ya perdió la inocencia, por eso se lo intenta hacer comprender a Balram.

El resto de la colmena es amplio.

El rico marido de Pinky, con menos personalidad que los Teletubbies y dispuesto a entrar en el juego de sus asesinos padre y hermano mayor.

La abuela de Balram, una víbora sin sentimientos que arrastra con ella a toda su familia.

La clase política corrupta y asquerosa, encarnada en el ejemplo de La gran socialista.

El gremio de chóferes, que viven en un aparcamiento subterráneo en la más absoluta de las miserias y encima se consideran con un cierto status social.

Y la miseria, maldita miseria que domina la cinta de principio a fin.

El Tigre blanco (The White Tiger) es solo una metáfora, que comprenderán ustedes perfectamente cuando visionen la cinta.

El director (Ramin Bahrani), director de cine y guionista estadounidense. Con varios éxitos y premios en el cine independiente.

Un café en cualquier esquina (2006), Chop Shop (2007), Goodbye Solo (2008) o las más reciente 99 Homes (2015).

Excelente en la dirección de actores, sobre todo en los dos indicados, le da a Tigre blanco (The White Tiger) un tono de tragicomedia y de amargor que casi se convierten en obsesión en toda la película.

Muy bien filmada y con mucho aporte emocional por su parte, aunque a veces nos podamos perder un poco entre el drama y la sátira, que tampoco es malo hacer que pensemos un poco.

Ramin no respeta a nada ni a nadie, toca todos los palos y por supuesto la cultura Occidental también tiene su dosis.

Consigue desde el primer segundo que su protagonista, su héroe, atrape y mantenga la empatía del espectador, cosa harto difícil en un largo sendero rodeado de todo tipo de giros y manipulaciones…

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…È caratterizzato da un montaggio rapido ed efficace – dal taglio decisamente hollywoodiano – questo La tigre bianca, da un ritmo narrativo vivace che non fa pesare i 125 minuti di durata, e da una scrittura attenta, che si concentra intelligentemente sulla figura del protagonista e ne descrive puntualmente l’evoluzione/trasformazione – aiutata dalla notevole prova attoriale di Adarsh Gourav. Il senso del titolo, spiegato in apertura, viene ribadito dall’ascesa sociale del protagonista con le sue caratteristiche di unicità, a trasmettere il senso di una positività (e di un paradossale ottimismo) che informa di sé tutto il racconto, compreso il finale meta-cinematografico. Il tutto si traduce in un lavoro accattivante per l’occhio e tematicamente di spessore, a cui si potrà forse contestare il carattere a volte esplicito e spesso sopra le righe del messaggio, ma di cui non si possono negare la lucidità e la buona tenuta spettacolare.

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Killer of Sheep – Charles Burnett

film di fine corso della scuola di cinema di Charles Burnett è un film neorealista, girato a Los Angeles, quartiere di Watts, nel 1986.
Stan, lavoratore dei più umili, al mattatoio (da qui il titolo), vive una vita difficile, la moglie che gli sta affianco, attenta e stanca, i figli da tirare su, qualche lavoretto a casa, o fuori, qualche conoscente che lo vuole per una rapina, tutto in un bianco e nero bellissimo, il difficile mestiere di vivere di Stan e della famiglia.
film amato da Roger Ebert, e non solo, anch'io mi aggiungo alla folta schiera degli estimatori.
appena lo vedrete vi aggiungerete anche voi, sono sicuro.
buona visione - Ismaele

…You have to be prepared to see a film like this, or able to relax and allow it to unfold. It doesn't come, as most films do, with built-in instructions about how to view it. One scene follows another with no apparent pattern, reflecting how the lives of its family combine endless routine with the interruptions of random events. The day they all pile into a car to go to the races, for example, a lesser film would have had them winning or losing. In this film, they have a flat tire, and no spare. Thus does poverty become your companion on every journey.

The lives of the adults are intercut with shots of the children at play. One brilliant sequence shows a kid's head darting out from behind a plywood shield -- once, twice, six times. The camera pulls back to show that two groups of kids are playing at war in a rubbish-strewn wasteland, throwing rocks at one another from behind barriers. A boy gets hit and bleeds and cries. The others forget war and gather around. He's not too badly hurt, and so they idly drift over to railroad tracks and throw rocks at a passing train. All of the scenes of children at play were unrehearsed; Burnett just filmed them…

…What he captures above all in "Killer of Sheep" is the deadening ennui of hot, empty summer days, the dusty passage of time when windows and screen doors stood open, and the way the breathless day crawls past. And he pays attention to the heroic efforts of this man and wife to make a good home for their children. Poverty in the ghetto is not the guns and drugs we see on TV. It is more often like life in this movie: Good, honest, hard-working people trying to get by, keep up their hopes, love their children and get a little sleep.

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…It won the Critics' Award at the Berlin Festival in 1981, and in 1990 it was placed on the Library of Congress' National Film Registry. If it reminds one of Italian neo-realism films, it should be of the ones that are more akin to films shot with conviction like Visconti's Rocco and His Brothers than to De Sica's more conventional and faux take on poverty in The Bicycle Thief. Burnett shows that the hard life sucks the hope out of both the adults and the children in the blighted community that is filled with stretches of bombed-out homes and despair, which makes it a much tougher challenge to survive here than in many other parts of America--as Burnett implies that such a hard life is not to be merely ennobled (which he does) but to be understood as unacceptable.

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…La forme mosaïque du récit est aussi celle d'une bande originale qui compte un nombre impressionnant de morceaux racontant, à leur manière, l'histoire des Afro-Américains. On va ainsi de Louis Armstrong à Earth, Wind and Fire, en passant par Howlin' Wolf ou encore Scott Joplin ou Gershwin, ce qui n'a pas été sans poser quelques problèmes pour la distribution, les seuls droits des morceaux coûtant plus de dix fois le coût du film (150 000 dollars pour 10 000 de budget !). « Killer of Sheep » reste ainsi longtemps dans les cartons avant que l'UCLA ne paye officiellement les droits. Ce petit film d'études tourné en 16mm et en noir et blanc fera finalement partie des cinquante films conservés à la Bibliothèque du Congrès et il est, à ce titre, considéré comme trésor national. Étrange et heureux destin qui en dit long sur l'importance historique de ce film, de sa place à part dans le paysage du cinéma américain. A découvrir absolument.

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I'd heard many great things about Killer Of Sheep before I finally managed to see it (the film has been effectively out of circulation for a couple of decades). and while I don't think it's any great masterpiece, I can see why it's regarded as a major landmark in American cinema. Burnett used the format of the "art movie" to chronicle everyday life among the poor, black residents of a Los Angeles ghetto – concentrating on one particular family and their acquaintances – with results that are often powerful and poetic, if at times a little self-conscious and over-oblique in their experimentalism…

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…Dans une terre déshumanisée, cette banlieue US baigne dans les non-dits et l’absence flagrante de communication, de rapports humains. Stan ne se défend plus quand les autres l’assaillent mais sa femme vient à la rescousse. Ce soutien fort et indéfectible est la seule chose qui les garde immergés. Le couple sombre lentement mais s’accroche à ses sentiments. Une simple scène de danse brille de par une beauté simple. Un air lancinant où les deux amoureux se tiennent tendrement comme un aparté salvateur.

Encore une fois les enfants se retrouvent dans une situation similaire à leurs ainés. Il y a un désœuvrement total dans la famille mais l’amour – plus fort – perce de temps à autre donnant lieu à un massage en apparence simple mais tellement important.

Que ce soit par son budget ou par ses prétentions, Burnett joue la carte de la simplicité et les acteurs amateurs – pas tous parfaits – font de leur mieux pour faire transpirer un message simple, celui du dernier rempart contre le désespoir, les proches. Ceux-ci et leur amour sont les clés qui donnent un maigre espoir à ces quartiers.

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…La película de Burnett, en un blanco y negro impresionante, mira detrás de los estereotipos raciales y nos muestra a personas. Y lo hace modestamente, sin grandes fastos, sin hacer ruido, sin querer abrumar con imágenes impactantes, giros inesperados o dramas lacrimógenos. La cámara es un testigo, y da la impresión de que lo que se ha rodado es la vida cotidiana de una familia, a través de la pared de su casa, y que en cualquier momento la cámara podría saltar a la casa de al lado, habitada por blancos o por negros, y las cosas serían más o menos similares. Tras ver esta película, y por si hubiera alguna duda, uno se da cuenta de lo estúpidos que son quienes minusvaloran a otros por detalles tan absurdos como el color de la piel o cualquier otro rasgo físico.

La historia de esta película, sin embargo, es más larga. A pesar de deslumbrar a los críticos, su circuito de distribución jamás pasó de los cines de arte y ensayo y nunca llegó al gran público. Aquí se reproduce un artículo de Bárbara Celis, del diario El País, publicado el 8 de abril, en el que habla de los años que han transcurrido hasta poder estrenar comercialmente la película. Tengo que agraceder a nuestra querida nómada Marta que me hiciera llegar esta noticia que es el colofón de oro a una película cuyo visionado tendría que formar parte de los planes de estudios de las escuelas norteamericanas (y de las españolas). Y tiene su mérito que me lo haya cedido, tratando la película sobre un señor que trabaja en un matadero de animales…

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Atanarjuat (The Fast Runner) - Zacharias Kunuk

grazie a Roger Ebert scopro che esiste questo film, lo guardo ed è davvero straordinario.
la tragedia greca e Shakespeare sembrano le fonti di questo film, in realtà si tratta di racconti tramandati dagli anziani.
interpreti perfetti, ambienti per noi inospitali, una regia e una sceneggiatura che non fanno una grinza.
dentro il film c'è tutta l'umanità, eterna: la viltà, il coraggio, la vendetta, il tradimento, l'amore, la lealtà, la famiglia, la vita, la morte, la natura spesso matrigna.
a Omero e Shakespeare questo film sarebbe piaciuto, un capolavoro quasi sconosciuto, voi cercatelo, non ve ne pentirete - Ismaele

We could begin with the facts about "The Fast Runner." It is the first film shot in Inuktitut, the language of the Inuit peoples who live within the Arctic Circle. It was made with an Inuit cast, and a 90-percent Inuit crew. It is based on a story that is at least 1,000 years old. It records a way of life that still existed within living memory…

…At the end of the film, over the closing titles, there are credit cookies showing the production of the film, and we realize with a little shock that the film was made now, by living people, with new technology. There is a way in which the intimacy of the production and the 172-minute running time lull us into accepting the film as a documentary of real life. The actors, many of them professional Inuit performers, are without affect or guile: They seem sincere, honest, revealing, as real people might, and although the story involves elements of melodrama and even soap opera, the production seems as real as a frozen fish.

I am not surprised that "The Fast Runner" has been a box office hit in its opening engagements. It is unlike anything most audiences will ever have seen, and yet it tells a universal story. What's unique is the patience it has with its characters: The willingness to watch and listen as they reveal themselves, instead of pushing them to the front like little puppets and having them dance through the story. "The Fast Runner" is passion, filtered through ritual and memory.

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The film Atanarjuat: The Fast Runner by Nunavut director Zacharias Kunuk is the number 1 Canadian film of all time, according to the fourth edition of Canada's All-Time Top Ten List.

Atanarjuat replaced the 1971 film Mon Oncle Antoine, which had been the long-standing favourite. Previous lists were released in 1984, 1993 and 2004.

The Toronto International Film Festival asked film insiders and academics from around the world what they think is the most memorable Canadian film ever.

Atanarjuat, which was shot in Nunavut and is entirely in Inuktitut, won the Camera D'Or prize for best first feature film at the Cannes International Film Festival when it was released in 2001…

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Trumbo (L'ultima parola - La vera storia di Dalton Trumbo) - Jay Roach

Trumbo è apparso come una meteora in un pugno di sale per qualche giorno, nel febbraio 2016.
per fortuna tutto (anzi, solo molto) si può recuperare.
il film è incentrato sulla storia di Dalton Trumbo, uno sceneggiatore leggendario, il più famoso di quelli privati del diritto di lavorare, o almeno di mettere il proprio nome ai loro lavori, a causa del maccartismo.
regista di un unico e immenso film, ecco qui qualcosa su Dalton, per chi non lo conosce.
era il più grande sceneggiatore dei suoi tempi, e tutti lo sapevano.
attori bravissimi, tutti e non solo il protagonista (Bryan Cranston, candidato all'Oscar).
una storia di tempi bui, di caccia alle streghe, e galera, per chi non faceva il delatore, mancava solo il rogo, tempi di miserie umane, ma anche di grandezza.
alcune scene memorabili rendono il film da non perdere, Kirk Douglas e Otto Preminger riportano Trumbo al posto che gli spettava.
peccato però non averlo visto al cinema - Ismaele

QUI una bellissima intervista di Roger Ebert a Dalton Trumbo, nel 1971

…Trumbo è un film prevalentemente attoriale, interamente basato sulle performance di chi è riuscito a riportare sullo schermo, con una sensibilità incredibile, tutti i protagonisti di questa storia "senza vincenti". Bryan Cranston in primis meriterebbe l'Oscar perché il suo Dalton Trumbo è perfetto: in primo luogo, per l'aderenza a quello vero, come si può evincere da uno stralcio d'intervista riportato durante i titoli di coda, secondariamente per l'intensità messa nell'interpretazione, tanto che spesso ci si commuove davanti a quest'uomo che rifiuta, cocciutamente, di venire messo in ginocchio da un sistema sbagliato. Persino le figure più "banali" (mi si passi il termine) o più caricate risultano realistiche, questo vale sia per la figlia Nikola, interpretata da una Elle Fanning che ormai ha surclassato la sorella Dakota (a proposito, che fine ha fatto??), sia per l'enorme Frank King, incarnato da un John Goodman in stato di grazia; a queste persone magari poco conosciute si aggiungono le magistrali rappresentazioni di miti viventi quali John Wayne, Kirk Douglas, un esilarante Otto Preminger e la stronzissima "regina del gossip" Hedda Hopper, ennesimo ruolo capace di confermare la grandezza di una Helen Mirren che non sbaglia un colpo, che Dio la benedica.  L'ultima parola - La vera storia di Dalton Trumbo è un film che ha cuore, una pellicola interessantissima e capace di causare nello spettatore l'insana voglia di saperne di più non solo sullo sfortunato Dalton Trumbo ma anche e soprattutto su un periodo nerissimo della storia di Hollywood in particolare e dell'America in generale. Ecco perché in Italia lo hanno distribuito solo in una cinquantina di sale, bravi!!

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…Il marpione Jay Roach fa la cosa giusta, assemblando un prodotto di sicuro successo, divertente e coinvolgente, che ruota tutto attorno al suo protagonista incontrastato, il volto eterno di Walter White di Breaking Bad; è lui a vestire i panni (e a sfilarseli, pure) di Dalton Trumbo, e a correre (per quanto ce ne freghi) verso l’Oscar. Roach e lo sceneggiatore John McNamara fanno la cosa giustissima, usando le stesse identiche armi di Dalton Trumbo, confezionando cioè un prodotto d’intrattenimento pop e mainstream – piegando la realtà, semplificando e inventando personaggi di contorno – per raccontare una storia e schierarsi nella maniera più schietta e sincera possibile dalla parte giusta…

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...Il meglio di questo film, tutto sommato convenzionale, di quelli artigianalmente ben fatti ma senza guizzi di stile, linguaggio, messinscena, sta nel suo tono non lagnoso. Nel suo essere inaspettatamente comedy oltre che drama. Nel presentarci e raccontarci storia, vita e opere – manifeste e clandestine – del più famoso dei dieci blacklisted di Hollywood, lo sceneggiatore – ma diciamo pure, e meglio, scrittore di cinema – Dalton Trumbo senza troppi piagnistei né lagne. Anzi restituendoci del suo protagonista non solo le sofferenze patite e il senso di umiliazione e sconfitta, ma pure lo smagliante charme intellettuale, il dandysmo beffardo, il coraggio irridente e sardonico di chi va con allegrezza e sfacciataggine a sfidare i mulini a vento, in questo caso i cacciatori di comunisti (presunti) infiltrati nella capitale del cinema. Se Trumbo fu un martire, grazie a Dio questo film, che pure ne ricostruisce fedelmente tutte le traversie – un anno di galera compreso -, non adotta lo stile compunto della agiografie e il tono plumbeo dei martirologi. Fin qui, i pregi. Per il resto, non aspettatevi sorprese…

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...Forte di un’interpretazione d’insieme maiuscola e di una ricostruzione convincente, il film – basato sulla biografia Dalton Trumbo scritta da Bruce Cook nel 1977 (ora in Italia con Rizzoli) e sulle testimonianze delle due figlie di Trumbo, Niki e Mitzi – offre non solo un ulteriore sguardo generale sul contesto pubblico, ma anche un interessante dietro le quinte della quotidianità del celebre scrittore e sceneggiatore, le sue fisime (era solito scrivere a macchina dentro la vasca da bagno), le sue “assenze” in quanto marito e padre, contrapposte ai momenti di grande affetto e scambio all’interno della famiglia.
Non c’è la volontà di farne un santino, insomma, piuttosto di ergerne la figura a paradigma di uomo mai venuto meno ai suoi ideali, per i quali preferì rinunciare al proprio nome piuttosto che “vendere” quello di altri colleghi e/o amici.

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…El acertado casting de Trumbo es un punto a favor. No es poca cosa. Un biopic que depende de tantas caras conocidas podría haberse ido a pique por un mal casting, como le ocurrió a Leonardo di Caprio interpretando a J. Edgar Hoover en J Edgar, o a Val Kilmer con Jim Morrison en The Doors. La fórmula pasa por dos partes de parecido físico y una muy generosa de talento, bien mezclado, para que nos creamos a los falsos Edward G. Robinson (Michael Stuhlbarg), Kirk Douglas (Dean O'Gorman) o John Wayne (David James Elliott), que pueblan el filme. Pero los aciertos más redondos son, sin duda, los de Bryan Cranston y Helen Mirren. Es un auténtico goce ver a la actriz británica (tan elegante, tan sexy a los 70 años) como la pérfida Hedda Hopper, poderosa columnista de cotilleos. Y qué decir de la estrella de Breaking Bad, Bryan Cranston, como Dalton Trumbo, confirmando lo que ya vimos en televisión: que es un actor complejo y sólido. Cranston y Mirren son lo mejor de este tributo a uno de los genios de Hollywood, homenaje necesario y entretenido a ratos, pero decepcionante.

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…Bryan Cranston was nominated for an Oscar for the title role and I can tell you flat-out that the nomination was richly deserved – in fact I like his performance better than winner Leonardo di Caprio’s. He captures a lot of the real Dalton Trumbo’s mannerisms from the clipped speech, the hunched over posture and the witticisms along with the look; his trademark moustache and cigarette holder. He looks the part and quite frankly, he dominates the screen here.

The script captures the paranoia and despair of the time. The conversations between Trumbo and Arlen Hird are really the heart of the picture, setting up the dichotomy between capitalism and socialism (again, Trumbo wasn’t really a true communist) and questioning the motives of his crusade. A speech near the end of the film is an emotional moment that underlines the true cost of the blacklist and of other events like it…

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…Qualche collega, nella prima metà del film, fa in effetti notare a Trumbo che sta finendo per concentrarsi su un obiettivo meramente individualista (riavere la possibilità di lavorare prima e di firmare i copioni con il suo nome poi), ma questa pulce viene ben presto estirpata per lasciare spazio alle scenette con Kirk Douglas e con Otto Preminger, che saranno i fautori della sua riammissione nell’alveo dei grandi (perché gli permisero di firmare con il suo nome sia Spartacus che Exodus). E a quel punto delle sue idee politiche non sembra fregargliene più nulla: l’importante è avere di nuovo il rispetto della propria famiglia!
Perciò, per ritrovare l’autentica dimensione di una figura come Trumbo, forse è meglio andarsi a rivedere quel capolavoro di crudele retorica antimilitarista che è la sua unica regia cinematografica: E Johnny prese il fucile.

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3 gennaio 1934: appare «L'Atalante» di Jean Vigo

Tutti conoscono questo film per una scena, con musica e voce di Patti Smith (“Because the night” è il titolo della canzone), sigla di Fuoriorario una delle trasmissioni più belle e importanti della RAI.

Il regista è un genio di nome Jean Vigo, morto a 29 anni( avete letto bene, a 29 anni anni), di setticemia, pochi mesi dopo la presentazione de “L’Atalante” (tra l’altro con attori grandissimi).

Ci ha lavorato anche Boris Kaufman (fratello minore di Dziga Vertov), come direttore della fotografia e altro, un grande uomo di cinema, che Sidney Lumet ha voluto per i suoi film.

Per me dico solo che è un capolavoro assoluto, senza se e senza ma.

Vi lascio alle parole di recensioni più ampie delle mie, con parole belle e profonde, e dopo averle lette, non prima, non imbrogliate, potete vedere il film.

Visione non consigliabile a chi non riesce a sopportare la bellezza.

Per Ondacinema è una pietra miliare:

…Almeno per una fetta cinefila italiana, quella dura e pura, intraprendente e nottambula, oppure collezionista di vecchie vhs che strabordano nei propri scantinati fino a soffocarli dolcemente, la celeberrima sequenza subacquea del film è, per forza di cose, quella più vista di tutta la storia del cinema. Chi si approccia a questa microvisione - di colossale spessore - raccoglie la porzione surrealista del film che, fuori dal contesto dell'opera, si fa straniante: ci si tuffa inconsapevolmente in queste acque nemmeno tanto splendenti ma, al contrario, fin sporche, e in questo azzurro-bianco/nero-grigio l'inconsapevolezza approda al sorriso della sposa finanche inquietante, in un volto, quello di Dita Parlo, che sembra di porcellana, che ci invita ad una visione in effetti più variegata e complessa di quella che una singola sequenza può suggerire. Eppure quella scena contiene già tutta l'inafferrabilità della materia. Quella apparente semplicità (almeno della sceneggiatura) che conserva una magia che al contempo regna le nostre giornate, ma le trascende perché riesce a catturare una purezza di sguardo invisibile ai nostri stanchi occhi…

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L’Atalante fut tourné lors de l’hiver 1933. Un hiver précoce, rude, agressif, tenace… un hiver qui poussait les individus à l’excès. Jean Vigo, notamment. Il lui restait moins d’un an à vivre. Un an, c’est si court… surtout lorsqu’on sait qu’il vient juste d’avoir 28 ans. Bien sûr, il n’était pas question d’attendre le prochain hiver pour tourner un premier (et unique) long-métrage… ni le printemps, ni l’été… Non, il fallait faire ce film maintenant… tout de suite ! Vif, entreprenant, convaincant, sans doute pressé par une Urgence trop vicieuse, attendu bientôt par la Mort, Jean Vigo créa L’Atalante de toutes pièces. A l’origine, L’Atalanteétait un scénario écrit par un homme, " Jean Guinée " en littérature, Roger de Guichen à la ville. Cet homme, qui n’avait rien à voir de près ou de loin avec le cinéma, poursuivit une honorable carrière bancaire. Le renom qui s’attache au film qu’il a jadis écrit et la gloire de Jean Vigo semblent toujours l’avoir étonné. Toujours est-il qu’il est, cependant, le premier à penser que L’Atalante est un film de Jean Vigo. Exclusivement !...

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…L'Atalante est en rupture totale avec la majeure partie du cinéma français des années trente, cinéma de prose dur et réaliste, parfois cynique, ne tolérant la poésie qu'à dose homéopathique. Fragile et souvent balbutiant, L'Atalante n'est au contraire que poésie, traversée de quelques éclairs surréalistes (la séquence sous-marine). Ses caractéristiques : dédramatisation extrême, refus du psychologisme, accent mis sur des instants privilégiés, sur des détails infimes ou curieux, sur des personnages (le camelot Margaritis) qui peuvent surgir de n'importe où et disparaître comme ils sont venus.

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To live happily ever after with the one you love, you must be able to live with them at all. It is not that simple. Little problems must be worked out. She does not like cats on the table while she is eating. He has a closet filled with a year's dirty laundry. She treasures their private moments together. He treasures his best friend, who is bearded and garrulous and arrives at meals in an undershirt. She wants to see Paris. He worries about his work. You see how it is.

Jean Vigo's "L'Atalante" (1934) tells such a love story. It is on many lists of the greatest films, a distinction that obscures how down to earth it is, how direct in its story of a new marriage off to a shaky start. The French director Francois Truffaut fell in love with it one Saturday afternoon in 1946, when he was 14: "When I entered the theater, I didn't even know who Jean Vigo was. I was immediately overwhelmed with wild enthusiasm for his work." Hearing a critic attack another movie because "it smells like dirty feet," Truffaut considered that a compliment, and thought of Vigo and the pungent life he evoked on a French canal barge.

Truffaut saw Vigo's life work that afternoon in Paris; it added up to less than 200 minutes. Legends swirled around the director, who died of tuberculosis at 29, just a few months after the premiere. Already famous for "Zero for Conduct" (1933), he was so ill when he made "L'Atalante" during an unusually cold winter that sometimes he directed from a stretcher: "It is easy to conclude that he was in a kind of fever while he worked," Truffaut wrote, and when a friend advised him to guard his health, Vigo replied that "he lacked the time and had to give everything right away."…

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L'atalante (1934) from quartopotere on Vimeo.

La costa del sole (Sunshine State) – John Sayles

il solito John Sayles  fa un film che, pur non essendo un capolavoro, non annoia mai.
la storia è quella di una speculazione edilizia, e gli abitanti quasi non se ne accorgono.
il vecchio dottore (un bravo Bill Cobbs, da non confondere con Bill Cosby, si assomigliano molto) è un po' la memoria storica e prova a convincere gli abitanti a non cedere,.
come sempre gli attori di John Sayles sono convincenti e sono così bravi, nelle mani del regista, da sembrare "veri", non attori.
forse dovrebbe essere sempre così, ma non tutti i registi sono come John Sayles.
dice James Berardinelli (secondo Roger Ebert il migliore dei critici che scrivono in Internet) che questo film non è il migliore di John Sayles, ma che è necessario dire che un film medio di John Sayles spesso è migliore dei "capolavori" di tanti registi.
parole sante, come non essere d'accordo?
provare per credere, cercatelo e vi farete un idea. 
per me da non perdere, come tutti i film di John Sayles - Ismaele

Sunshine State does not represent John Sayles at his best, but it is imperative to note that middle-of-the-road Sayles is often better than the top-of-the-line product from many other filmmakers. The reason is simple: Sayles takes the time to investigate the humanity of his characters. For him, easy labels like "hero" and "villain" do not apply, and plot is typically secondary to the development of his protagonists - a means to flesh them out and move them forward. This is very much true of Sunshine State, the story of a small group of characters set during a late spring weekend in the Florida community of Plantation Island…

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John Sayles' "Sunshine State" looks at first like the story of clashes between social and economic groups: between developers and small landowners, between black and white, between the powerful and their workers, between the chamber of commerce and local reality. It's set on a Florida resort island, long stuck in its ways, that has been targeted by a big development company. But this is not quite the story the setup seems to predict…

…"Sunshine State" is not a radical attack on racism and big business, not a defense of the environment, not a hymn in favor of small communities over conglomerates. It is about the next generation of those issues and the people they involve. Racism has faded to the point where Eunice's proud home on Lincoln Beach no longer makes the same statement. Big business is not monolithic but bumbling. The little motel is an eyesore. The young people who got out, like Desiree, have prospered. Those who stayed, like Marly, have been trapped. And the last scene of the film tells us, I think, that we should hesitate to embrace the future in this nation until we have sufficiently considered the past.

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Sayles è indignato dal progressivo snaturamento della cultura e dalla sua omogeneizzazione, ed è troppo intelligente per rappresentare il mondo di oggi come un luogo ideale e autentico. Perciò, nel ricostruire i movimenti e i moventi delle due protagoniste (la bianca Edie Falco e la nera Angela Bassett) e dei loro amici e parenti, sottolinea quanto di fasullo ci sia in realtà in quelle che credevamo fossero le nostre vere radici, e di quanti equivoci e compromessi sia inevitabilmente lastricata la nostra vita. Qui, forse, non ci sono più giuste cause per le quali schierarsi; la stanchezza segna i gesti e i rapporti dei personaggi e rappresenta la misura etica e narrativa della pellicola: la nostra dignità è l'unica certezza che ci è rimasta, sembra dire Sayles, facciamola valere. Pur nelle sue lungaggini e nei suoi accenni moralistici, _La costa del sole_ è un film giusto e raro, concentrato sugli esseri umani.

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…I want to emphasize that, though Sayles is a political storyteller and does not shy away from the current events implicit in his story, he somehow manages not to beat us over the head with them, or continually congratulate himself for being so timely and important.

Instead, he gives us a town heading toward inevitable change. He gives us its people -- different sizes, shapes and colors. He shows them working, complaining about the heat, drinking, worrying and fading away. Sunshine State is a movie that both feels and thinks. It's a must-see.

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…Ne La costa del sole gli abitanti sono smarriti, come un’ eco lontana di un qualcosa che non c’è più (il film è ambientato nella storica Lincoln Beach): difendere quel luogo, quel paesaggio culturale, ora per loro è impossibile. Solo qualche vecchio, testimone di un tempo, lo fa. Ma neanche quest’ultimo può nulla contro l’avanzare delle multinazionali edili per il turismo: a mettere i paletti tra le ruote (simbolicamente?), in definitiva, saranno i resti, le ossa, di abitanti antichi, gli unici custodi di quel paesaggio culturale. E i “cattivi” (che così cattivi non sono poi), se ne vanno a suon di musica rock – interpretata da Chris Cote – verso altri edificabili “paradisi”. John Sayles è un gran regista, rigorosamente indipendente, capace di una scrittura ed una messa in scena quasi esemplari: il luogo – per quanto vicino all’Atlantico – è raccontato senza incanti, come i personaggi. A definirli sullo schermo un gruppo di attori pressoché perfetti. A partire dalla pluripremiata per il ruolo Edie Falco, ma bella figura fanno anche Angela Bassett, Timothy Hutton, Bill Cobbs e specialmente il premio Oscar Mary Steenburgen.

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parole di Roger Ebert

ricordo di Roger Ebert

un grande critico e recensore di film, lascia un'assenza grande.
spesso ho letto le sue recensioni e spesso ero d'accordo e quando non lo ero capivo bene le sue ragioni - Ismaele

Roger Ebert loved movies.
Except for those he hated.
For a film with a daring director, a talented cast, a captivating plot or, ideally, all three, there could be no better advocate than Roger Ebert  who passionately celebrated and promoted excellence in film while deflating the awful, the derivative, or the merely mediocre with an observant eye, a sharp wit and a depth of knowledge that delighted his millions of readers and viewers.

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…L'ultimo post che Roger ci ha lasciato suona così:"A questo punto della mia vita, oltre che parlare di film, potrei scrivere della lotta quotidiana con le malattie e dei limiti fisici che la perdita della salute comporta. E' terribile che il cancro sia ritornato e che io abbia dovuto passare troppi giorni in ospedale. Così nei giorni brutti potrei scrivere della debolezza che accompagna le malattie e nelle giornate positive potrei concentrarmi su un film così bello da farmi dimenticare la mia sofferenza. Alla fine riuscirò a fare ciò che ho sempre sognato: recensire solo i film di cui desidero parlare".

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i migliori 10 film di sempre secondo Roger Ebert