Nessun dolore – Gianni Amelio

un pò fiaba, un po' incubo, per qualche istante potrebbe essere come Miracolo a Le Havre, ma è tutta un'altra cosa.

Davide (Alessandro Borghi) vende libri in una bancarella a Roma, visitato qualche volta da Elsa (Valeria Golino), una professoressa, e poi c'è Michele (Valerio Mastandrea), che lavora all'obitorio e custodisce i corpi dei morti non richiesti.

e poi ci sono un bambino senza nome e tanti altri senza nome, a parte Amina.

Davide è un po' Lazzaro felice, un po' uno dei francescani pazzarielli del film di Rossellini, preda di non troppo astratti furori.

altri protagonisti del film sono i libri, che contengono storie avvincenti.

in certi momenti il film inquieta, Davide sembra portare sulle spalle una parte del male del mondo.

e poi compie finalmente il rito della sepoltura, e quel bambino sarà sempre con lui.

un film forse non perfetto, ma merita molto.

buona (sorprendente) visione - Ismaele

 

scrive il regista:

Nessun dolore nasce da un bisogno lontano: andare oltre il racconto dell’esodo in Lamerica, un mio film di trent’anni fa, con il finale sospeso su una nave in mezzo all’Adriatico. Che cosa è cambiato da allora, chi è “l’immigrato”? Qualcuno da accogliere, o da respingere? Un nuovo amico, o un estraneo pericoloso? Negli ultimi decenni il nodo non si è sciolto, anzi il problema si è esasperato, non si vede in prospettiva una ragionevole soluzione.
Ma forse la “soluzione” non c’è, o non la si vuole cercare. Forse va trovata nella ragione e nel cuore di ciascuno di noi. Se non abbiamo già perduto, tra le tante occasioni, quella di riconoscerci come esseri umani: cosa difficile e rischiosa.

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…Perché il personaggio che Alessandro Borghi interpreta con le giuste variazioni di atteggiamento è di quelli di cui si vorrebbe venire più spesso a conoscenza. Non è inizialmente schierato su un versante pro o contro (anche se la tendenza è quella di immergersi nel proprio mondo di venditore di parole su carta lasciando il mondo fuori) ma si trova a compiere un percorso inizialmente obbligato e progressivamente sempre più consapevole. In uno dei fil rouge del film si avverte come un'affinità con 3/19 di Silvio Soldini ma qui l'urgenza è diversa e si concretizza in un senso di colpa che sente la necessità di gesti di riparazione.

L'avvertenza di apertura va tenuta sempre presente perché altrimenti si rischia (e non è da pensare che Amelio lo voglia) l'idealizzazione dei migranti che finirebbe con il risultare altrettanto dannosa della loro (purtroppo indotta) demonizzazione in questi tempi in cui si è coniato l'orrido neologismo di 'remigrazione'. Così come potrebbero avere buon gioco coloro che parlano di assenza di volontà di integrazione di fronte a queste persone che non possiedono nel loro lessico neppure un vocabolo italiano di uso quotidiano. Peraltro in un film in cui si sottolinea il valore della parola scritta come fonte di trasmissione di pensiero.

Se Alessandro Borghi carica il suo personaggio di un senso di responsabilità che si trasmuta in una forma di respirazione che sottolinea quanto vive, è Valerio Mastandrea che, con il suo addetto alla ricezione di cadaveri di ignoti o comunque di persone di cui nessuno richiede le spoglie, finisce con il sintetizzare il pensiero di Amelio.

È una 'brava persona', diversa da quelle che si nascondono dietro alle 'leggi' o gettano brutalmente fuori dalla sala di attesa di un pronto soccorso una giovane donna incinta immigrata che vi cercava riparo. Nella sua quieta esistenza sa compiere le scelte giuste, come padre e come essere umano. È a costoro che questo racconto immaginario e per immagini si rivolge, auspicando la persistenza di quell'umana pietas che è sempre più essenziale conservare.

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…In Lamerica, l'esodo degli albanesi verso la terra promessa italiana ricordava quella dei nostri connazionali poveri ed emarginati verso le terre d’oltreoceano. Davide in Nessun dolore, come il cinico Gino in Lamerica, scopre nella cura dell’estraneo il senso della solidarietà. Non si tratta solo di uno sradicamento geografico, ma di un impulso affettivo in cui una nuova casa trasforma l'accoglienza nell'unica vera "patria" possibile in cui trovare rifugio.

Nessun dolore si sofferma su quale sia il prezzo della generosità, sottolineando che la pretesa di anestetizzare la sofferenza costituisce soltanto una fragile illusione. È un’indagine a suo modo cristologica, in cui alla fine uno straordinario Alessandro Borghi è il vero portatore della Croce. Appassionante.

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… Il Davide di Nessun dolore è una sorta di Albanese/Antonio Pane di L’intrepido fuso nel poetico dissolvimento esistenziale del carabiniere Lo Verso di Il ladro di bambini, là dove la fuga dalla realtà si fa pacifica interiorizzazione di una latente inconscia involontaria trasformazione. In una Roma livida, inusuale, più mitteleuropea che mediterranea, autenticamente sprovincializzata, Amelio continua a mostrare che tra gli over 80 del cinema italiano è quello a cui scorre ancora parecchio cinema nelle vene, che non perde l’abitudine del filmare, del costruire la scena, mai un’inquadratura uguale all’altra, mai un campo e controcampo che si somigliano, con la trovata di quel baracchino chiuso per pioggia con i due amanti isolati abbracciati stretti in mezzo al brulicare del mondo che fa venire i brividi.

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Il  film parla di qualcosa che ancora non è accaduto.

Dunque potrebbe accadere, e a guardar bene già accade.

La didascalia iniziale potrebbe funzionare per un film di fantascienza. E fantascientifico questo film lo è, prefigurando situazioni estreme, di confine, realtà fino ad un certo punto vissute come normali.

I sentimenti siamo abituati a circoscriverli, tracciarli, definirli (fines, i confini). Se i confini saltano anche il dolore, il sovrano-despota dei sentimenti, tocca il punto impensabile, come dice Elsa (Valeria Golino): "A volte si tocca il punto impensabile dove anche il dolore è gioia piena".

Impensabile, giusto, siamo convinti che ogni cosa si possa pensare e, pensandola, farla essere vera.

Non è così. C’è il caso inaspettato, c’è un momento in cui si fa un incontro che ti cambia la vita,

ti costringe ad essere altro da quello che pensavi di essere e ti accorgi che i tuoi confini erano solo convenzioni, o meglio, protezioni.

Amelio tocca un tema a lui sempre caro, Lamerica, Il ladro di bambini, sono passati molti anni e le storie non cambiano, ci sono solitudini e disperazioni che il tempo non riesce a sanare, piuttosto le aggrava e se una volta essere nomadi era una condizione naturale, i popoli si spostavano alla ricerca di nuove terre e le civiltà si mescolavano, ne nascevano altre, addirittura quel geniaccio di Aristofane inventò la città degli uccelli, fra la terra e il cielo, oggi siamo nella terra dei confini, dei muri, dei piccoli orticelli personali che custodiamo con granitica determinazione…

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…il registro espressivo scelto da Amelio si biforca: da un lato c’è il realismo livido e cupo dell’incidente stradale e delle sue conseguenze – e qui occupa uno spazio rilevante il personaggio interpretato da Valerio Mastandrea, che diverrà un complice d’umanità di Davide –, e dall’altro si espande una fiaba sociale dalle timbriche quasi surreali, con la casa dell’uomo che si trasforma in un vero e proprio centro d’accoglienza per tutti i diseredati della città, ai quali lui non chiede nulla. Non sempre Amelio gestisce al meglio l’evidente discrepanza tra i due approcci estetici, ma l’afflato poetico ed etico è senza dubbio cristallino, anche se la retorica fa capolino di quando in quando tra le maglie della storia, come testimonia ad esempio la scelta di far leggere al protagonista Furore di John Steinbeck, quasi a ribadire il diritto del migrante non solo a lasciare la propria dimora, quand’essa non gli concede più una vita degna d’esser vissuta, ma anche e soprattutto a ribellarsi a una società che gli mette i bastoni tra le ruota e lo considera al pari dei criminali. E così, pur non mancando ridondanze, semplificazioni e squilibri narrativi, si apprezza la limpidezza di un pensiero che di questi tempi si fa sempre più urgente, e non scontato. Credere nell’umano in un’epoca dominata da intelligenze – o supposte tali – artificiali è dote perfino commovente, e l’odissea sempre più consapevole del personaggio di Davide è struggente nella sua volontà di non piegarsi all’ovvio di una società marcescente, in cui la collettività è vista come un pericolo. A venire incontro al regista di Colpire al cuore, I ragazzi di via Panisperna e Il ladro di bambini è in particolar modo un cast che si presta alla bisogna con grande e palpabile empatia.

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Questo è un film di fantascienza. Reo-confesso. Infatti in apertura è immediatamente detto: ecco qualcosa che potrebbe accadere a breve.

Ma forse è già avvenuto, e quindi siamo di fronte a un film biblico, qualcosa che ha a che vedere con il Giudizio Universale… Oppure, ma chissà se poi importa a qualcuno, è solo una totale fantasia, dove si spinge fino al vuoto cosmico la disperazione dell’accoglienza impossibile e delle coscienze (sporche?) dell’uomo occidentale…

Non ci sono certezze, dentro Nessun dolore di Gianni Amelio. E non ne abbiamo noi che proviamo a raccontarlo, a mettere insieme i pezzi, quasi a “ricrearlo”. Certo è un film necrologico. Qualcosa che ha a che vedere con la fine (di un mondo).

Tre protagonisti “bianchi”, occidentali, italiani. Davide (Alessandro Borghi) è appassionato di libri: li legge (poco) li accumula (molto) li vende (anche qui pochi). È un guardiano del cimitero dei libri, mummificato in un sapere inerte e invendibile che non sa parlare più ai vivi. Elsa (Valeria Golino) è un’insegnante di letteratura all’università, ma le sue lezioni sembrano dei contenitori esausti, e gli studenti (pochi) le seguono svogliatamente. Ma anche lei ama i libri e ne offre in continuazione a Davide per venderli nel suo chiosco librario in Piazza Risorgimento a Roma (a pochi metri dal Vaticano). Infine abbiamo Michele (Valerio Mastandrea) che è un vero e proprio custode di corpi morti, lavorando come guardiano dell’obitorio…

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…ad onore del vero va detto che la sceneggiatura prende in seguito una linea direttiva un po' confusa, affastella fin troppe scelte che possono apparire inverosimili o comunque non approfondite, soprattutto la scelta di Davide di portarsi a casa Aminah, per alleggerire la sua coscienza dopo l'incidente, che risulta però in un'occupazione da parte di una tribù di homeless che agiscono indisturbati in casa sua e che finisce per assomigliare a un quadretto surreale un po' troppo sganciato dalla realtà più cruda, a cui Amelio vorrebbe rifarsi. Anche la parte conclusiva, su cui preferisco non spoilerare, soffre di una trama e di caratterizzazioni dei personaggi non del tutto soddisfacenti, anche se vi sono buoni momenti soprattutto nei confronti fra Davide e l'impiegato all'obitorio interpretato da Valerio Mastandrea.

Dispiace parlarne in questi termini, però stavolta si avverte un certo calo nell'ispirazione da parte del regista, riscontrabile anche in alcune scelte di regia (soprattutto il ricorso un po' pleonastico ad alcune canzoni come commento sonoro, in particolare quella di Ornella Vanoni verso la fine), mentre rimane efficace la direzione degli attori, in particolare un Alessandro Borghi che ha affrontato il ruolo con un impegno ammirevole e ne esce vincitore anche quando il copione lo mette in situazioni non del tutto credibili, una Valeria Golino che apporta un professionismo di alta scuola ad un ruolo, quello della professoressa universitaria che si innamora castamente di Davide, che poteva essere sviluppato meglio, e un Valerio Mastandrea in una partecipazione speciale, ma decisamente in parte…

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…Sarebbe ingiusto non notare la sensibilità sincera alla base di Nessun Dolore. Gianni Amelio costruisce il film intorno a un’idea di solidarietà quotidiana, lontana dai grandi gesti eroici: accogliere qualcuno, condividere uno spazio, rinunciare progressivamente a una parte del proprio comfort. È una materia che appartiene profondamente al cinema del regista.

Il problema è che il film sembra procedere senza riuscire a stabilire quale debba essere davvero il centro della propria riflessione. L’odissea di Davide potrebbe parlare di solitudine, senso di colpa, immigrazione, responsabilità individuale, paura dell’altro e necessità di costruire una comunità, tutti temi importanti che restano separati anziché confluire in un’unica traiettoria.

Nessun Dolore cerca l’umanità nei gesti del suo protagonista, ma finisce per smarrire la complessità delle persone che lo circondano.

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…Nessun dolore è un film che nasce da un’idea forte: raccontare il senso di colpa, l’accoglienza, la fragilità umana. Ma la realizzazione non riesce a sostenere questa ambizione. La sceneggiatura è povera di spunti, nonostante le situazioni siano sempre lì, pronte a offrirne. Il tono è incerto, oscillante tra dramma e surreale, senza trovare mai un equilibrio. Lo spettatore vive un senso di smarrimento che non è frutto della complessità, ma della mancanza di direzione.

La presentazione fuori concorso alla Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia conferma che il film è stato considerato un’opera interessante, ma non abbastanza solida da competere. È un’opera che tenta di affrontare temi importanti, ma che non riesce a trasformarli in un racconto coerente.

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…Gesti di autentica intensità e gentile poesia. Non a caso è un verso di Luzi ad aver ispirato Amelio per il titolo che ancora una volta parla di vicinanza, confini, sbarchi, paure dell'altro e risvolti sociali.

La somma di questi elementi ad oggi sempre più rari fa riflettere molto. 

 

Inoltre affronta anche in modo subliminale quella soglia del male, varcata la quale, si cade giù in un baratro, rappresentando così la via del non ritorno.

Da quel punto in poi si inizia a capire davvero. E si lascia andare tutto verso il risarcimento, spesso degli altri. Verso la spoliazione e la perdita. Verso l'ascolto, persino delle nostre vite - giù in profondità.

La sensazione è un pò quella di perdere il controllo, come fa il ritmo circadiano. O il frangersi ritmico delle onde sul mare. Intangibili. Sono gli altri o entità diverse dallo status quo che controllano e fanno accadere, l'accadibile…

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Serpenti - Roberto De Paolis Maino

alla sceneggiatura hanno lavorato insieme al regista i fratelli D'Innocenzo, e questo lo rende un film che sorprende.

ottimi attori, per un film con un avvocato azzaccagarbugli (Pietro Castellitto), un poliziotto che deve fare la spesa per casa (Alessandro Borghi), una cartomente che collabora con la polizia (Valeria Golino), e sopratutto un assassino (Leonardo Lidi) che con si capacita di non finire in prigione, non ci finisce per aver ucciso la moglie, ma per qualcosa da niente sì, così va il mondo.

La situazione politica in Italia è grave ma non è seria, scrive Ennio Flaiano all'inizio del film, e alla fine del film, come in un teorema, scopriamo quanto è vero.

un film da non perdere, al cinema.

buona (grave, ma non seria) visione - Ismaele

 

 

Paolo Marra ha ucciso sua moglie, senza un perché. Divorato dal senso di colpa, decide di costituirsi: vuole pagare, scontare la pena, ridare dignità alla donna che ha ucciso e a sé stesso. Tra poliziotti distratti, avvocati zelanti, cartomanti e complicati cavilli burocratici, nessuno lo prende sul serio. L'uomo si scopre vittima di un paradosso kafkiano: per quanto lo desideri, non riesce a farsi arrestare. Il perfetto capro espiatorio di una società grottesca che ignora chi vuole redimersi.

Nell'interessante percorso di Roberto De Paolis Maino di osservazione della realtà, dopo Cuori puri e Princess, ecco Serpenti solo apparentemente slegato dal mondo reale ma che, proprio nella cifra del grottesco, crea un ribaltamento profondo che va al cuore delle cose.

Merito sicuramente della sceneggiatura, scritta dai Fratelli D'Innocenzo insieme al regista, che costruisce sapientemente l'assurdità della vicenda di un uomo che si costituisce alla Polizia reo confesso dell'omicidio della moglie ma che entra all'interno di un iter burocratico kafkiano in cui non riesce ad affermare la sua colpevolezza. Naturalmente l'utilizzo del tono grottesco è paradossale per cercare di raccontare come la violenza sulle donne faccia magari più fatica a essere immediatamente percepita come tale…

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…Come la burocrazia riesca a sacrificare persino il senso dell'impellente e la ragionevolezza più elementare, è un vero mistero che, raccontato attraverso la verve burina dei tre sceneggiatori, diventa un miracolo di narrazione grottesca e surreale, tipica della miglior commedia italiana di maestri come Ferreri, ma più legata qui al grottesco della deriva contemporanea, che alla poesia di una dimensione poetico surreale.

Di poetico, in effetti, non c'è davvero nulla in Serpenti, mentre il grottesco esonda da ogni sottottaccia e svolta narrativa, grazie anche ad una manciata di personaggi illustri di contorno, uno più bravo ed esilarante dell'altro.

In ordine cronologico, il presunto dichiarato assassino incrocia dapprima un anonimo appuntato, poi un poliziotto superficiale ed ottuso sino alla follia (Alessandro Borghi, spassosissimo), poi un avvocato d'ufficio dalla moralità degna di uno spacciatore, e modi da azzeccagarbugli più affinato del noto manzoniano (uno straordinario Pietro Castellitto); infine una sciamannata esperta in tarocchi (e pettegolezzi), ottimamente resa da Valeria Golino, che dispensa al reo confesso consigli tali da far precipitare la situazione verso scenari ancor più truci…

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È grave ma non seria, la situazione politica italiana: parola di Ennio Flaiano, che evoca causticamente uno scenario che esonda rispetto all’agone politico e che pare addirsi – suggerisce il cartello iniziale di Serpenti – anche all’oggi. Uno scenario che, appunto, l’opera terza di Roberto De Paolis Maino si propone di scandagliare attraverso una sorta di verifica antropologica per assurdo (?), scandita da un impianto strutturale la cui rigidezza è raddoppiata dall’impostazione formale, anzitutto in sede compositiva. Eccezion fatta per una manciata di intermezzi eclettici, questo dispositivo essenziale, finanche schematico, programmatico, fa spazio a un tema caldo, grave, del contemporaneo nostrano, subito squadernato. Nella prima sequenza, una lenta carrellata in avanti attraversa l’abitazione di un uomo che, dopo aver pulito la cucina, confessa un crimine: prossimo all’implosione, mangiato dai tic, Paolo Marra ha ucciso la moglie. La notizia gode dell’intensità del naturalismo di Leonardo Lidi – apprezzato interprete e regista teatrale – e, però, a un tempo, mentre la tragedia viene apparecchiata (post mortem), viene percorsa da una nota straniante: è proprio allo spettatore, infatti, che Marra espone il suo tormento, senza mai distogliere lo sguardo dalla macchina da presa, stabilendo un contatto intimo. A partire da questa premessa, Serpenti può allora focalizzarsi in termini narrativi sugli effetti di un evento che rimane, in quanto tale, non visto e non compreso: si seguirà, evidentemente, il carnefice, una catabasi già in moto. Marra si reca presso un commissariato al fine di costituirsi e lo studio di un personaggio psicologicamente sfaccettato, di una vicenda drammatica, di un tema grave, si appresta a dipanarsi con andamento ferreo, funereo. Ma in Italia – si sa, pescando nuovamente da Flaiano – «la linea più breve tra due punti è l’arabesco»: a nulla può il geometrismo della struttura e della forma, se non a collidere con un barocco latente, serpeggiante, che trascina la tragedia nei territori della farsa, e che interdice, dunque, anche la pace (esteriore) di uomo pronto alla resa. Nessuna calma dopo la tempesta, nessuna elaborazione – visto il caso – privata e pubblica: la traiettoria di Marra non può proseguire in discesa né in salita. Semplicemente, la tragedia è sospesa e il carnefice deve cambiar parte. Nel contorcersi dell’arabesco, il copione originale – auspicato – sfuma in un’eco remota: si recita a soggetto, e s’insinua un ribaltamento. Dinanzi agli occhi di uno spettatore sorpreso, va in scena una tragicommedia…

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…Diviso in quattro “quadri” di impianto teatrale ma non statici, Serpenti bene sintetizza quanto scrive De Paolis nelle note di regia: «La storia del protagonista è la nitida fotografia del modo in cui tanti uomini, nella tradizione culturale del nostro “vecchio mondo”, sono trattati dopo aver ucciso o maltrattato delle donne: come se non avessero fatto niente».

Il tono generale è da commedia macabra, a tratti buffa, anche se non viene affatto nascosta la gravità del gesto compiuto da questo «assassino malinconico e redento che gradualmente si trasforma in un uomo disilluso e rabbioso» (parole del regista)…

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…Serpenti è infatti il racconto kafkiano (si sentono echi del rosselliniano Dov'è la libertà?) di un mondo fatto di burocrazia, stanzoni vuoti, lunghi corridoi, nel quale il commissariato diventa il plastico di una società capace di neutralizzare persino la confessione di un omicidio. Il film è basato su un copione scorrettissimo (in fin dei conti, si parla di uxoricidio o, come si dice adesso, con un neologismo bolso, femminicidio), attraversato da un grottesco che erode progressivamente ogni gravità e sorretto da una musica dissonante e straniante (impeccabili le scelte di Vittorio Giampietro) e da un cast in stato di grazia. Le linee serpeggianti che invadono pavimenti e immagini non sono allora un semplice vezzo figurativo: sembrano il diagramma di un mondo morale in cui tutto devia, scivola, si aggira, purché non arrivi mai dritto al punto.

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La gioia - Nicolangelo Gelormini

un film che non ti aspetti.

un giovanotto "intercetta" una professoressa di francese della sua stessa scuola e la prende in "ostaggio", l'amore Gioia lo conosceva dalle parole degli scrittori francesi, Alessio era molto avanti, in tutte le possibili storie di sesso era lui l'insegnante.

il regista non presenta eventuali storie di sesso fra i due, a non rendere il film la solita caciara porno soft (o hard), Gelormini, architetto non praticante (al suo secondo film, già assistente di Paolo Sorrentino), è più che bravo, sceglie di mostrare un rapporto nel quale Gioia viene intrappolata in una ragnatela senza scampo.

i due protagonisti sono interpreti eccezionali, Valeria Golino si trasforma e si supera, e Saul Nanni è un demonio tormentato.

Gioia s'illude fino all'ultimo, neanche l'evidenza la fa ragionare, è la vittima di un sogno, di un'illusione impossibile (ma per noi è facile dirlo da fuori).

un film da non perdere, promesso.

buona (dolorosa) visione - Ismaele

ps: (solo per chi ha visto il film)

la scena finale, nella quale Alessio uccide Gioia, si impone lui (al complice) di assassinarla, e, se è possibile dirlo, lo fa con una certa tenerezza (so che è una bestemmia dirlo), addirittura le mette a posto gli occhiali.

 

 

 

 

…Un film sorprendente e struggente, che oscilla tra ricostruzione attenta e libertà artistica, rigore formale e guizzo creativo, dramma e genere. Sostenuto da un cast di attori generosi, tra cui spiccano (ça va sans dire) Valeria Golino e il giovanissimo Saul Nanni, La Gioia è uno specchio allo stesso tempo deformante e limpidissimo della nostra società feroce e cannibale. Una società con un disperato bisogno di un po’ di tenerezza.

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…al centro c’è una straordinaria Valeria Golino (Gioia) che, coraggiosamente, indossa i panni di una bruttina stagionata che si trova suo malgrado al centro di una macchinazione più grande di lei. Irretita dentro le lusinghe di Alessio (Saul Nanni) un giovane bello e disperato, bello e dannato che vive in un ambiente in cui domina la corruzione dei sentimenti rappresentata da Cosimo (Francesco Colella), parrucchiere senza scrupoli amante di Alessio e amico e finanziatore di Carla (Jasmine Trinca) madre di Alessio. Tutto si svolge in una credibile evoluzione tra un malaffare congenito di una zona grigia del nostro Bel Paese e una ruffianeria che è propria di un certo tipo di individui che prolifera in quell’humus ricco di desideri e di rivalsa, che è di nuovo questa variegata e imprevedibile provincia che lambisce, sempre, le nostre (poche) metropoli e che guarda con invidia, a volte malsana, ad un benessere da acquisire velocemente non importa ai danni di chi capiterà. Gelormini è attento, sa spiazzare lo spettatore e il film che comincia come una commedia ambientata dentro l’istituzione scolastica, con le figure di contorno del corpo insegnante ben definite e caratterizzate, poi con paziente gradualità e intensità stringe l’obiettivo su Gioia e sul suo piccolo mondo gozzaniano fatto di casa, chiesa, padre, madre e preghiere mandate a memoria e per consolazione Flaubert per lei insegnante di francese che forse non ha mai avuto un amore in vita sua…

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…In La gioia, nessun personaggio è davvero innocente: ogni figura appare inadeguata e contribuisce, consapevolmente o meno, a rimodellare costantemente gli equilibri di una vera e propria “diseducazione sentimentale”, intesa non come mancanza individuale, ma come fallimento sistemico. Gioia e Alessio sono prodotti di due modelli affettivi opposti e ugualmente tossici: l’iperprotezione soffocante e l’abbandono emotivo.

Il loro legame nasce come tentativo disperato di colmare un vuoto, ma si rivela presto incapace di reggere il peso delle aspettative che in esso vengono riversate. Gelormini racconta un mondo in cui nessuno ha insegnato a riconoscere l’amore, a distinguerlo dal bisogno, dal potere, dal ricatto emotivo. La tragedia, dunque, non è semplicemente l’atto finale, ma quello stesso percorso che la rende inevitabile…

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"A cos'è che sei abituato? Al niente" risponde Alessio (Saul Nanni), mentre Gioia (Valeria Golino) lo guarda un po' meravigliata. Eppure, la donna, un'insegnante di francese al Liceo, dovrebbe capire il ragazzo: se Alessio è stato abbandonato dal padre quando era piccolo e ora è lui a badare alla madre, Gioia, nonostante la sua età, vive ancora coi genitori, isolata anche lei nella sua stanza da adolescente, tra i pupazzi che raddrizza sulle sedie e la sciarpa della Juventus, la squadra del cuore, appesa sopra la testiera del letto. Ma "La gioia" vive proprio nella discrasia intrinseca alla radice della parola solitudine: i due protagonisti sono soli ad altezze differenti (il suffisso "-tudo", indica proprio una differenza di posizione, di magnitudo), ma forse complementari. Ecco, la storia noir di Nicolangelo Gelormini – vincitrice del Premio Franco Solinas 2021 e tratta dall'opera teatrale scritta di Giuliano Scarpinato e Gioia Salvatori "Se non sporca il mio pavimento" -, è un incontro ad alta quota, tra un'anima pascoliana, errante, e una apparentemente punk, irriducibile, ma profondamente corrotta. Il risultato è una delle pellicole più affascinanti viste a Venezia quest'anno…

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…La caratterizzazione del personaggio femminile è impeccabile: il suo sostrato emotivo e familiare viene ricostruito grazie agli abiti, al trucco, alle scelte musicali a lei associate, oltre che, naturalmente, ai dialoghi. Ma il merito più grande va certamente a Valeria Golino, che in questo film raggiunge vette drammatiche notevoli, impersonando con delicatezza e credibilità un personaggio molto diverso da quelli di ruoli precedenti.

Saul Nanni, protagonista maschile, porta sullo schermo una buona prova attoriale: il suo stile recitativo è più esteriorizzato rispetto a quello della Golino, ciononostante riesce a rendere bene quanto subdolo sia il personaggio.

Nella sua totalità l’opera appare ben realizzata, dotata di un soggetto interessante e una sceneggiatura realistica; molte scelte registiche legate a luci, inquadrature, ambientazioni e colonna sonora possono essere definite raffinate, sottolineando come il cinema possa raccontare l’oscurità più buia attraverso la bellezza dell’immagine. In particolare la colonna sonora, composita ma armonica – alto e basso si alternano senza cozzare -, appare quasi una partitura del film, che si unisce a parole e immagini dando vita a un dramma unitario e compiuto.

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Elisa - Leonardo Di Costanzo

una sceneggiatura precisa come un orologio svizzero ci racconta una storia che riguarda sopratutto la rieducazione del condannato, la rielaborazione dei fatti irreparabili.

Elisa (Barbara Ronchi) è liberamente obbligata a fare il lavoro scelto per lei dal padre (una decisione foriera di drammi e delusioni per migliaia e migliaia di giovani, quanti ne conosciamo che poi fanno una brutta fine).

in una prigione svizzera (fantascientifica per noi italiani) Elisa sconta una pena di 20 anni per l'omicidio della sorella.

un criminologo (Roschdy Zem) sceglie Elisa per uno studio che cerca di aiutare la condannata nell'accettazione e nella rielaborazione di quanto è successo.

ottimi gli attori, sopratutto Barbara Ronchi che porta il film sulle sue spalle e sopratutto sulla sua faccia.

un gran bel film da non perdere - Ismaele

…La sceneggiatura, scritta da Di Costanzo insieme a Bruno Oliviero e a Valia Santella, inserisce in questo percorso, tanto virtuoso quanto liminare, un tarlo che porta ad un livello ancora più alto l'indagine. Laura, interpretata da Valeria Golino con una presenza breve come arco temporale sullo schermo ma molto significante, è schierata dalla parte delle vittime non accettando la benché minima possibilità di ricerca di motivazioni da parte di chi ha commesso il delitto.

Lo spettatore viene così messo di fronte ad una scelta da compiere individualmente: superare o no il concetto di punizione in favore di un possibile recupero che passi attraverso la presa di coscienza di quanto commesso da parte del colpevole ma anche della comprensione, da parte di chi vi è preposto, delle cause. Senza per questo far mai l'eticamente doveroso rispetto nei confronti delle vittime.

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…Uno dei meriti principali di Elisa è il rifiuto di relegare il male a un altrove mostruoso. Di Costanzo ci ricorda che la violenza può scaturire dall’interno dell’ordinario, dalla banalità del vivere quotidiano. In una società in cui la narrazione mediatica tende a trasformare i colpevoli in figure disumane, esiliandoli dal corpo sociale, il film ci invita invece a riconoscere la mostruosità come parte dell’umano. È un discorso scomodo, che interroga lo spettatore più di quanto offra risposte.

Tuttavia, questo tema cruciale rimane in parte in superficie. Il racconto si concentra soprattutto sul percorso individuale della protagonista, lasciando in secondo piano l’indagine più ampia sulla natura del male che le note di regia sembravano promettere.

Elisa non è un film facile né consolatorio. È un’opera elegante, rigorosa, che prosegue il percorso autoriale di Leonardo Di Costanzo con coerenza e sobrietà. I suoi limiti, riscontrati in una certa trattenutezza emotiva, il rischio di rimanere più sulla parabola personale che sull’indagine teorica, non ne cancellano il valore: quello di restituire allo spettatore l’inquietudine più profonda, cioè che il male non appartiene a un altrove, ma è una possibilità inscritta nella fragilità dell’umano.

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…Film scritto in modo sublime e una protagonista Barbara Ronchi e il cast di supporto, che recitano in stato di grazia, con un ritmo sospeso e forte tensione interiore della protagonista. Il film è LEI il suo volto impaurito e perso così ben ripreso dalla mdp, il suo sguardo malinconico e la sua fragilità. La struttura carceraria modello, sembra più un albergo, che una casa circondariale, con le detenute in una divisa rossa. Ci sono anche Intensi flashback, che ci chiariscono l’interno familiare, che ha prodotto tanto orrore. Il carcere diventa una comfort zone, perché la liberazione futura viene vissuta come un drammatico ritorno alla vita, dove niente potrà mai più essere come prima. Barbara Ronchi attrice ormai matura lanciata da Marco Bellocchio con “Sorelle mai”, qui è credo alla prova della vita. Magnifico anche Roschdy Zem/professor Alaoui il criminologo…

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…Detto della bravura di Ronchi e Zem, tutto il cast in generale offre un’ottima prova, restituendo alla perfezione il dolore e l’angoscia di chi si trova a fare i conti con un assassinio così brutale commesso da qualcuno che amano e conoscono e che non riterrebbero mai capace di un gesto del genere. La fotografia è fatta di colori freddi, perfettamente in linea con il film, fatta eccezione per alcune sequenze (quasi sempre nei flashback) che il buon Duccio Patané definirebbe “smarmellate”, in cui l’algida raffinatezza del resto del film lascia spazio a colori piatti e immagini banali.

Elisa risulta così un’occasione persa, un film con ottimo potenziale, una bellissima tematica, e un ottimo cast che perde forza e potenza (e guadagna inutilmente in durata) per inseguire delle pulsioni da televisione nazionalpopolare in cui tutto deve essere spiegato e tutti i personaggi devono piacere al pubblico. Peccato, ma il talento resta.

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La vita possibile – Ivano Di Matteo

una donna fugge col figlio, per salvarsi da un marito molto violento, da Roma a Torino. Lì trova un equilibrio, non è facile, ma ci prova.

Valerio, il figlio, continua a vedere altre cose brutte, si affeziona a una puttana dell'Est Europa, Larissa.

succedono tanti piccoli episodi, ostacoli da superare per trovare una strada, e la mamma e il figlio riescono a parlarsi e a volersi bene.

non è un film perfetto, ma si vede bene.

buona (torinese) visione - Ismaele

 

  

QUI il film completo, su Raiplay

 

… La vita possibile è una storia di grandi solitudini: quella di Valerio, prima di tutte, che deve affrontare un mondo del tutto nuovo in momenti di enorme fragilità, ma anche quella di Anna, ovviamente, e di Carla, che ha fallito nel lavoro e nella vita sentimentale. La relazione tra Valerio e Anna, le tensioni, gli affetti, sono rappresentati nel loro processo, nel conflitto e nel consolidamento.

Bellissimo il rapporto che Claudia riesce a stabilire con Valerio, quello dell’insolita zia, che può godere di una complicità negata alla madre: intese fatte di permissivismo, responsabilità poca, se non quella del voler bene. Lo dichiara tranquillamente, Carla: «Non avrei mai potuto essere madre, perché voi mamme siete cattive! ».

Forte poi il legame tra le due donne, diversissime tra loro nelle loro diverse nevrosi che si rispecchiano, e, invece di amplificarsi, un po’ si stemperano, trovando pace l’una nell’altra.

Bellissima infine l’amicizia tra Valerio e il vicino di casa, Mathieu (Bruno Todeschini). Da parte dell’uomo maturo c’è una sorta di sana protezione, ma anche di leggerezza, tanto che l’unica volta che Valerio ride felice è proprio per un gioco insieme a Mathieu. Anche lui è molto solo, ostaggio di un amaro passato, oltre che ingiusto, e nella condizione di straniero, considerato bizzarro solo perché parla con i gatti.

Quattro allora sono le desolazioni che si affrontano e confrontano, si avvicinano, in aperture che tendono poi a richiudersi, fino a sfiorare l’isolamento. E ce n’è un’altra ancora, quella di Larissa, la giovanissima prostituta dell’Est di cui Valerio si innamora, e della quale cerca a tutti i costi la confidenza…

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Dopo aver subito l'ennesima raffica di violenza da suo marito, Anna (Buy) decide di lasciare Roma insieme al figlio tredicenne Valerio (Pittorino) per trasferirsi a Torino. Qui i due vengono ospitati da Carla (Golino), un'amica un po' svitata di Anna con ambizioni in campo teatrale. Anna dovrà ricominciare daccapo, trovando lavoro come donna delle pulizie in una grande azienda; Valerio faticherà a integrarsi, eleggerà a sua unica amica una prostituta dell'Est (Shulha) e troverà nel gestore dell'osteria sotto casa (Todeschini) un valido sostituto della figura paterna.
Dopo le ottime prove de Gli equilibristi e I nostri ragazzi, De Matteo continua a sondare gli umori della famiglia puntando lo sguardo su un tema di grande attualità come quello della violenza sulle donne. Lo fa con piglio sociologico, mostrando ancora una volta di saper padroneggiare perfettamente la direzione degli attori e di essere capace di imprimere brusche variazioni al ritmo con l'inserimento di scene madri impeccabili, mantenendo un registro intimista e minimale, nel quale, col l'eccezione della prima sequenza (che ci riporta all'incipit del film precedente), la violenza rimane quasi sempre fuori campo, pur serpeggiando continuamente sotto gli occhi del giovane, bravissimo protagonista. Un film minore, pudico, vagamente didascalico nella sottolineatura della complicità tra persone ai margini (il tredicenne e la prostituta), ma capace di trattare il tema principale evitando la pornografia dei sentimenti.

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…L'epilogo del film a mio avviso poteva esser piu' "complesso" e l'ho trovato troppo tagliato quasi di netto per andare velocemente incontro ad un finale di speranza che è poi in sostanza un "lieto fine". Protagonisti assoluti una magnifica Margherita Buy, che impersona -abbandonando alle spalle la sua galleria di mogli cornificate e nevrotiche- una donna in forte crisi che lotta come una leonessa per non farsi abbattere da un destino avverso. Poi subito dopo viene il giovanissimo Andrea Pittorino, davvero molto bravo. Poi abbiamo una discreta Valeria Golino. E ancora Bruno Todeschini nel ruolo dell'oste francese dal passato burrascoso e infine la bellissima Caterina Shulha nel ruolo della prostituta dell'est. Il film non è affatto perfetto ma si lascia vedere volentieri, non privo di difetti ma sufficientemente gradevole.

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…Pur assicurandosi una buona dose di verosimiglianza attraverso le performance dei suoi attori De Matteo procede in totale controtendenza rispetto a buona parte del nostro cinema d'autore optando per una messinscena anti naturalistica che interiorizza la vicenda sincronizzandola ai cambi d'umore dei protagonisti. Da cui l'utilizzo di una fotografia iperrealistica e desaturata, fatta di cromie intermedie che esaltano la dimensione transitoria di personaggi perennemente in bilico tra il passato e il presente delle loro vite. E soprattutto l'inserimento di passaggi di pura contemplazione quasi sempre chiamati a rispecchiare la solitudine delle parti in causa; rintracciabile, quest'ultima, in certi squarci del paesaggio autunnale che nell'indifferente ciclicità del suo divenire (e per esempio nell'incessante fluire delle acque del Po o in certe panoramiche notturne) sembra voler frustrare, acuendolo, il bisogno di appartenenza dei due transfughi. Oppure nella mancanza della figura paterna riflessa metaforicamente nella scena in cui Valerio osserva Mathieu - il ristoratore francese che vive nel quartiere - intento a prendersi cura di un gruppo di gatti randagi; per non dire dell'alienazione di Carla costretta dal bisogno di soldi ad accettare un lavoro presso una ditta di pulizie e per questo filmata (in campo lungo) in modo che l'esasperazione volumetrica degli uffici in cui lavora riesca a rendere il senso di vuoto che attanaglia l'esistenza della donna. Così facendo "La vita possibile" assume in parte i toni di un racconto favolistico di cui situazioni e personaggi smettono di essere persone reali per diventare gli elementi di un dispositivo costruito per archetiipi. In questo modo Carla, Mathieu e anche la giovane prostituta di cui a un certo punto Valerio diventa amico pur appartenendo al mondo reale non riescono a parteciparvi in maniera completa in ragione di un contributo che appare insufficiente tanto nella prima sezione, quando a prevalere sono gli aspetti cronachistici e pragmatici della vicenda, quanto nella seconda, in cui a farla da padrone è invece una visione ideale delle cose. Ma la convinzione di avere assistito a qualcosa d'incompiuto e di essere in debito per le cose che "La vita possibile" non è riuscita a dirci (in relazione al tema centrale del film) appartiene anche alla modalità della struttura narrativa che dapprima promette di aprirsi al contesto umano e sociale che ruota intorno al centro della storia, affidando all'interazione tra questo e i protagonisti il compito di far progredire la trama e che poi - come dicevamo sopra - vi rinuncia, trasformando tale esperienza in un' estensione emotiva di Anna e Valerio.

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…La vita possibile si presentava dunque già in fase di sceneggiatura come un’ottima occasione per condurre il discorso un passo oltre, scandagliando una volta di più con durezza l’Italia solo all’apparenza bene. Se le buone intenzioni rimangono per lo più sulla carta, la “colpa” non è certo attribuibile ai caratteri protagonisti: Anna e Carla, grazie anche all’ottimo lavoro di Buy e Valeria Golino, sono due personaggi sfaccettati, ricchi delle necessarie ambiguità, umani. E De Matteo ben coglie la necessità di non approfondire in maniera eccessiva la storia dei personaggi, lasciando allo spettatore il compito di accedere al loro “mistero”.
Un’attenzione simile in fase di scrittura cozza purtroppo con una descrizione d’ambiente meno compatta e a fuoco del solito, quasi che De Matteo sia vittima dello stesso spaesamento che attanaglia Anna, costretta a ripartire da zero portando su di sé cicatrici non solo metaforiche, in una città in cui si sente aliena. Se Torino sembra una location adatta alle esigenze del film (e non solo per la presenza della film commission), La vita possibile arranca proprio quando si approssima a un altro topos di De Matteo: la coralità. Le sottotrame che dovrebbero irrobustire La vita possibile, proponendo uno spaccato delle classi sociali fondamentale per la lettura etica del film, finiscono invece per confondere lo spettatore, deviando lo sguardo verso traiettorie quasi smarrite, confuse, disperse in un magma indistinto.
Ne viene fuori un’opera squilibrata, che si regge solo sulle spalle – per fortuna forti – delle due attrici protagoniste, ma non riesce a incidere quanto dovrebbe, ed era senza dubbio nelle intenzioni. Tra situazioni inessenziali e reiterazioni poco convincenti, quel che rimane negli occhi è solo il messaggio, o come lo si vuol chiamare. Lodevole, per carità. Ma sarebbe stato lecito pretendere di più; le occasioni, per De Matteo, non mancheranno.

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