Betrayed (Tradita) - Costa-Gavras

gli Usa sono il paese più terrorista del mondo, nel film c'è il caso del terrorismo interno, quello che scatenerà la prossima guerra civile.

ammazzano un conduttore radiofonico, l'FBI indaga fra i nazisti interni, un'agente sotto copertura  (Debra Winger) entra in quella comunità terroristica, purtroppo sarà emotivamente coinvolta.

un film solido, appassionante e appassionato, da non perdere.

buona (Debra Winger) visione - Ismaele

 

 

QUI si può vedere il film completo

 

 

…Lo si può definire uno dei film più complessi e meno immediati di Costa‑Gavras, capace di fondere thriller, dramma sentimentale e indagine politica senza mai scivolare nel didascalico. La forza del film sta nella sua capacità di mostrare il razzismo non come un fenomeno marginale, ma come una cultura che può attecchire nella normalità: famiglie affettuose, comunità solidali, rituali condivisi. Il regista osserva con lucidità come l’odio possa convivere con la tenerezza, e come la violenza ideologica possa essere tramandata con la stessa naturalezza di un valore familiare.

Debra Winger offre una prova intensa, costruita su esitazioni, conflitti interiori e una vulnerabilità che diventa parte integrante della tensione narrativa. Tom Berenger, nel suo periodo migliore, con il suo carisma ambiguo, incarna perfettamente la doppiezza del personaggio: padre amorevole e, allo stesso tempo, uomo capace di abbracciare ideologie estreme.

Il film non cerca il colpo di scena facile, ma lavora sulla progressiva immersione in un ambiente che seduce e inquieta. Ne emerge un racconto duro, che interroga lo spettatore e lo costringe a guardare da vicino ciò che spesso si preferisce ignorare: la banalità del male quando si annida nella quotidianità.

Era ancora l’88 ma oggi la Storia pare ripetersi in maniera inquietante.

da qui

 

…Tom Berenger eccede in un'interpretazione poco equilibrata e misurata facendo in modo che il suo personaggio risulti poco credibile, a volte ai limiti della macchietta, mentre spicca la prova convincente e preziosa di una Debra Winger intensa, determinata ma fragile, dubbiosa ed impaurita, sconvolta ma decisa, materna e dolce, delusa e tradita/betrayed dall'Fbi, per lei la sola famiglia, tanto più che il suo capo è anche il suo ex compagno, pronto però solo a sfruttarla pur di raggiungere il suo obiettivo e catturare il maggior numero possibile di esponenti di quel movimento fascista e violento che mina dalle fondamenta l'America ed i suoi valori ed ideali democratici ed è ramificato nella società in maniera impressionante. E interessante è la descrizione di un FBI che usa gli stessi metodi di chi cerca di arrestare per raggiungere il proprio scopo, uccidendo, se necessario, senza scrupoli morali come se fosse normale routine: "Uccidere è come togliersi la merda dalle scarpe". Strepitosa infine la battuta che pronuncia il dj nello scatenato incipit del film, nello stile di "Talk Radio" di Stone, di cui "Betrayed" potrebbe essere un ideale seguito (in fondo comincia là dove il film di Stone finisce): "Siamo in America: abbiamo sempre bisogno di un nemico per costruire altre armi". Ancora oggi verità sacrosanta ed indiscutibile!!!

da qui

 

Un j'accuse nei confronti dell'odio razziale fatto da un regista scomodo, che qui ha il pregio di essere roccioso, determinato e introspettivo allo stesso tempo, senza perdersi in spiegazioni didascaliche. I personaggi sono ben costruiti e sfaccettati: se Debra Winger è un'interprete eccezionale e profonda, non le è da meno Tom Berenger, a cui è affidata la parte più difficile. Il suo ruolo doppio, di mezzadro onesto e aitante che nasconde un rancore radicato per i neri e facile preda degli altri soci del Ku Klux Clan è una scoperta. Molto bravo. Il film è notevole e sorprendente.

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Mere rosii (Mele Rosse) – Alexandru Tatos

nel 1976, nella Romania di Ceausescu, un piccolo dottore lotta per poter fare il medico, in un mondo corrotto, Ippocrate sarebbe orgoglioso di lui.

un gioiellino da non perdere, se lo trovate.

buona (ippocratica) visione- Ismaele

QUI il film completo, in romeno

a film who reflects his need to escape from the rules web of political command. a surprising film in the context of period. a splendid role by Mircea Diaconu. and a courageous pledge for the honesty and passion as the best manner to define yourself and to change the reality. a pamphlet, it is precise analysis of the social sins. the arguments of young doctor. the cold suspicion, selfish protective circles of the hospital director. the love stories. and the atmosphere who impress for a film from "70's. because it is more than social criticism. it represents a precise portrait of a sick system, not very different by the Romanian medical system from 2016. the importance of film - expose the credo of the director. in direct manner. reflecting the crisis of a cruel perception about the weakness who defines a community.

da qui

 

courageous, honest, good acting, clever solutions against political command, direct irony against the social sins. and one of beautiful roles of Mircea Diaconu, a lovely performance by Carmen Galin. more than story, clear definition of Alexandru Tatos credo. a film about the duty and the moral victory, about the sacrifice and life as more than convention chain or show. the sensitivity, the touching pieces who defines the lead character are the pillars of it. and the delicate air of freedom. a courageous film for Romania of yesterday and tomorrow. because it remember, in a Balcanica society who believes all has its price than the real values are, always, the axis for define you and the other.

da qui

 

 

Nacktschnecken - Michael Glawogger

un gruppetto di ragazze e ragazzi, a corto di soldi, aderiscono alla proposta di girare un film porno in pochi giorni.

il film è divertente, non resterà nella storia del cinema, se lo trovi non ti deluderà.

buona (dildo) visione - Ismaele

 

Komisario Palmun erehdys (Inspector Palmu's Mistake) - Matti Kassila

un film alla Agata Christie, meno serioso e molto più divertente.

un paio d'ore ben spese, umorismo finlandese, ecco da chi ha preso Kaurismaki:)

buona (sorprendente) visione - Ismaele

QUI si può trovare il film

 

 

Il migliore tra i film che hanno per protagonista il commissario Palmu, serie amatissima negli anni Sessanta. Classico delitto nella camera chiusa: un produttore cinematografico viene trovato morto nella vasca da bagno. «Un genere nuovo di detective-film ironico, dove la combinazione di scatenata parodia e vere indagini produce un effetto irresistibile - non ultimo per via dei brillanti attori» (von Bagh). Di grande atmosfera una Helsinki in bianco e nero, percorsa da brividi di musica jazz: una visione di città che Kaurismäki cita tra le proprie fonti.

da qui

 

Lizzie (La donna delle tenebre) – Hugo Haas

tratto da un bel romanzo di Shirley Jackson, Lizzie è un film che merita molto.

qualche piccola variazione rispetto al libro (solo chi ha letto il libro lo saprà) ci sta bene, è funzionale all'econoia fel film.

una ragazza orfana, che vive con la zia, ha qualche problema nella sua testa, dovuti a traumi dell'infanzia, un bravo medico riesce a capire tutto.

buona (ipnotica) visione - Ismaele

 

Stroncato all'epoca ma oggi rivalutabile come b-movie sincero, uno psycho-noir asciutto sorretto dalla brava Parker e dalla magnetica Blondell. La rappresentazione del disturbo dissociativo è semplificata secondo i canoni del "cinema psichiatrico" anni Cinquanta. Tra thriller e melodramma senza mai osare davvero troppo, restando, comunque, un prodotto gradevole.

Risposta della MGM a la Donna dai tre volti (1957) realizzato dalla 20th Century Fox, uscito quattro mesi prima e vincitore di un Oscar, anche quello a raccontarci di una giovane donna dissociata e del medico che l’aiuta con l'ipnosi. Un’operazione sulla cresta dell’onda dell’interesse dei tempi per la psicanalisi e per fenomenologie della psiche sempre un po’ arcane e misticheggianti (la personalità multipla, l’ipnosi) che, tuttavia, né piacque alla scrittrice Shirley Jackson dal cui romanzo “Lizzie” (the Bird’s nest) il film venne tratto, né entusiasmò la critica: lo spietato Bosley Crowther del New York Times, nell'aprile ’67, liquidò il film come "sciocco e generalmente noioso", giudizio severo ma comprensibile nel contesto di un'epoca che preferiva il realismo sociale alle derive exploitation. Oggi, liberato sia dal confronto con la Donna dai tre volti, sia da peculiari correnti critiche, Lizzie emerge come un b-movie sincero e artigianalmente solido, sorretto da performance femminili di buono spessore e da una regia consapevole dei propri mezzi espressivi. Haas, regista boemo, operando con risorse limitate, costruisce un psycho-noir asciutto e nervoso attorno alla figura di Elizabeth, ben resa dalla Parker che evita le trappole del manierato e ci documenta, con la sua personalità "cattiva", seduttiva, moralmente ambigua, gli stereotipi sulla sessualità femminile degli anni Cinquanta. Le sequenze più memorabili - la scena dei tre specchi che moltiplicano il volto della protagonista, le lettere minatorie che Elizabeth scrive inconsapevolmente a se stessa, la ricostruzione della festa di compleanno che diventa teatro terapeutico - rivelano una sensibilità registica e narrativa non così dozzinale. Plus, la presenza di Joan Blondell che offre una valida presenza scenica nel ruolo della zia Morgan, alcolizzata perenne in vestaglia che abita gli spazi più sensibili del racconto. Il personaggio rimane enigmatico, forse poco sviluppato, ma Blondell impregna ogni battuta di una ironia malinconica e ricorda quel tipico modello della diva in disarmo (Bette Davis, Gloria Swanson, ...). Richard Boone, invece, interpreta lo psichiatra Neal Wright secondo i canoni dell'epoca: figura paternalistica che penetra - verbo non a caso - i misteri della psiche femminile attraverso l'ipnosi, sorta di soggetto umano a metà fra l’affidabilità scientifica positivista e il prete secolarizzato che ha a che fare con la psiche-anima. È, però, sul piano scientifico che il soggetto regge poco. La rappresentazione del disturbo dissociativo (già di suo tema sensibile in ambito clinico, si leggi nei trivia) rimane assai semplificata. La risoluzione terapeutica segue una logica narrativa rassicurante ma psicologicamente ingenua (scoprire il trauma basta per eliminare il sintomo) che però piaceva molto al “cinema psichiatrico” dell'epoca che trasformava la complessità della mente in percorsi lineari di causa-effetto, trauma e catarsi (cfr. Hitchcock di Io ti salverò, 1945; Marnie, 1964). Il vero limite, ad ogni modo, non è quello scientifico ma quello narrativo: il film manca di pepe, non accade mai nulla di davvero pericoloso, non si consuma violenza autentica o pericolosità; l'ombra del suicidio e dell'omicidio viene evocata ma mai materializzata. Questa castrazione drammatica indebolisce l'impatto complessivo, confinando Lizzie in un limbo tra thriller psicologico e melodramma sentimentale. Resta un film dei suoi anni non privo di grazia e intelligenza artigianale.

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…Per finire - mentre il cambiamento più marcato dal romanzo al film si può senz'altro individuare (ovviamente dal PdV del mero plot) nell'inserimento del vicino di casa della zia, un personaggio (interpretato dal regista Hugo Haas) creato e inventato da zero per normalizzare e rendere più comoda, elementare ed agevole l'implementazione di alcune svolte narrative, ma che non stona affatto nell'insieme – ecco ancor'altre più o meno importanti e significative divergenze: oltre alla statua d'ebano nigeriana, presenza fisico-fantasmatica nelle pagine scritte d'altrettanto nero inchiostro e solo suppellettile di contorno sulla superficie al nitrato d'argento della pellicola, e alla figura del custode-tuttofare messicano/italiano del museo dove è impiegata Elizabeth che prende il posto del giovane, gentile dottore incontrato da Beth/Bess a New York, ecco, in penultimo non ultimo: il fango, che dal frigorifero passa al vestito; e il ritorno più espressivo/espressionista dell'edificio museale: nel finale del romanzo il calpestare ancora quelle stanze e quelle aule, quei saloni e quei corridoi (che nelle prime pagine invece assurgono a vero e proprio personaggio, con una forza icastica e un'incisività pittorica indimenticabili) è reso più come una - comunque sottilmente disturbante - visita di cortesia, mentre nella pellicola quelle scenografie vengono ri-utilizzate come substrato, contesto ed argomentazione del dare alla memoria, dopo la suppurazione e l'epurazione del trauma, un proprio luogo in cui ricongiungersi con sé stessa, ristabilirsi e ristabilire un ordine condiviso tra le parti, confluent'in fine le une nelle altre a dare somma uno: Set This House in Order! L'eterno splendore della mente riasse-s/t-tata. 

Ottimi tutti gli interpreti…

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Deváté srdce (Il nono cuore) - Juraj Herz

una fiaba più da fratelli Grimm che da Andersen.

una principessa prigioniera, uomini che vogliono salvarla, senza riuscirci, un amore proletario che poi trionfa.

un film che merita, promesso.

buona (di corsa) visione - Ismaele

 

QUI e QUI si può vedere il film con sottotitoli in inglese

  

 

Un gruppo di girovaghi narra una storia rappresentandola sulle piazze dei villaggi. La storia si riferisce ad un avvenimento che accade nel Regno di Napoli dove vive una giovane principessa, Adriana, vittima di un sortilegio. Ogni notte, costei scompare misteriosamente dalla reggia e si ritrova a ballare interminabili danze in un Regno Sotteraneo dove impera il genio malefico del conte Aldobrandini. Costui, quando era astronomo di corte, per impadronirsi del Regno di Napoli, essendo Adriana l'unica erede al trono, la chiese in sposa. Ma la principessa rifiutò le nozze e da allora il conte la tiene prigioniera dei suoi incantesimi finché non si deciderà a sposarlo. I giovani del reame di Napoli si sono offerti generosamente per salvare la principessa, promessa in sposa a chi di loro fosse riuscito a salvarla, ma di essi nessuno è più tornato dal Regno Sotterraneo. L'ultimo giovane che si offre è Martin, uno studente squattrinato, che, attratto dalla bellezza di Touka, una ragazza girovaga, invita a pranzo tutta la compagnia e, non avendo denaro per pagare, per sfuggire alla giustizia, si offre di salvare la principessa. Martin, aiutato dal buffone di corte, si inoltra nel Regno Sotterraneo. Qui scopre che gli otto giovani che l'hanno preceduto sono stati assassinati e il loro cuore è servito a preparare un filtro prodigioso che tiene in vita il malvagio Aldobrandini, altrimenti appartenente a secoli passati. Dopo una serie di peripezie, il buffone di corte viene catturato per sbaglio al posto di Martin e il suo cuore va a completare la serie di filtri. Martin, però, non si dà per vinto e scopre il segreto meccanismo dei filtri, riuscendo così a richiamare in vita i nove sventurati. Con essi e la principessa, cerca di uscire dal labirinto dove l'incantesimo del conte li tiene prigionieri. Il conte, ormai privo dei suoi filtri magici, ritorna nel regno dei morti. Ma il gruppo dei giovani gira inutilmente nella reggia incantata, finché il richiamo di un amore lontano, Touka, indica a Martin la via d'uscita.

da qui

 

…Questo lavoro di Herz è un saggio di favolistica, in cui emerge lo sfarzo dell'immaginario e il fascino degli antichi miti tramandati dalla cultura di tutta Europa, India, Egitto, America e Africa. Il film può favorire una lettura emblematica del mondo dei simboli, riferendosi ad altrettante realtà: il bene e il male, il tempo e l'eternità, la cattiveria e la bontà, la povertà e la ricchezza. Motivi spesso fortemente legati a desideri e aspirazioni profondamente radicati nell'uomo, come l'immortalità, una vita felice, la possibilità di dominare gli elementi della natura. Tutto un mondo di tradizioni vissute da generazioni lontane nel tempo, ma tuttora riscontrabili nei desideri più o meno palesi e più o meno inconsci di ogni uomo. Una splendida fotografia e una scenografia originale aumentano la suggestività delle immagini che fanno di questo film uno spettacolo interessante per molti aspetti.

da qui

 

Classifica 2025-2026

 

anche quest'anno (settembre 2025 - agosto 2026) faccio una specie di classifica dei film visti al cinema (83), e qualcosa di ottimo e buono c'è (cliccando su ogni titolo c'è il link alla piccola recensione che avevo scritto a suo tempo), gli altri, comunque buoni, si trovano nel blog - Ismaele

Le città di pianura

Una battaglia dopo l'altra

Sirat

L'ultimo turno

Un poeta

Orfeo

Eddington

No other choice

Kontinental 25

Giulio regeni tutto il male del mondo

La cronologia dell'acqua

Gioia mia

La voce di Hind Rajab

Resurrection

Manas

Hen storia di una gallina

Anche i boia muoiono – Fritz Lang

a Praga, nel 1942 ammazzano Reinhard Heydrich, un boia nazista.

il film racconta la caccia all'assassino e l'eroismo dei cittadini di Praga che non fanno i delatori, nonostante tutti i prevedibili tipi di minacce.

alla sceneggiatura anche un certo Bertholt Brecht.

un gioiellino da non perdere, promesso. 

buona (antinazista) visione - Ismaele

 

 

 

QUI il film completo con sottotitoli in inglese

QUI il film completo con sottotitoli in spagnolo

 

 

C’è lo spirito di Bertholt Brecht dietro questo poco conosciuto gioiello del cinema degli anni Quaranta, anche se il drammaturgo viennese litigò con Lang e ritirò la firma. Ma c’è anche tanto dell’animo dello stesso Lang, che da sempre ha avuto cari i temi della solidarietà umana che si traduce in una solidità indistruttibile da alcuna repressione, minaccia o violenza. “Anche i boia muoiono” è una straordinaria riflessione sulla forza della comunità contrapposta alla debolezza e alla meschinità del singolo, spesso arroccato su interessi e privilegi, e temibile traditore di se stesso. Costruendo la vicenda come un poliziesco classico, in cui sino alla fine si segue l’investigazione dei nazisti per vedere se questi scopriranno il colpevole, da subito noto allo spettatore, Lang realizza un film pregevole e coinvolgente, sull’autoritarismo, sulla guerra e sulle pulsioni dell’uomo, animale sociale e solidale e, al tempo, lupo per gli altri uomini; tracciando, con illuminante lucidità, un percorso verso la fraternità e il reciproco supporto come unica via per superare la barbarie. È solo in una condizione di cooperazione attiva e privazione del singolo che l’essere umano potrà divenire “superuomo”, elevandosi a specie migliore ed emancipandosi dai suoi orrori. Notazione speciale per il modo in cui il regista tedesco adopera luci e, soprattutto, ombre: più di un’inquadratura (specialmente degli interrogatori) è da brividi sulla schiena per intensità e forza morale.

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Robusto, e foschissimo, film del Fritz Lang americano. Che nell’anno 1943, mentre il paese in cui abita e lavora è in guerra contro il suo paese d’origine (lasciato dieci anni prima), realizza questo Anche i boia muoiono che può essere visto come un’opera di propaganda assai tipica del periodo. Propaganda antitedesca, of course. Ma Lang piega il genere alle sue ossessioni per mettere in scena come sempre, e anche di più, il suo teatro del male pieno di ombre, e di crimini e misfatti. Il boia del titolo è il davvero terribile Reinhard Heydrich, uno dei gerarchi nazisti più spietati, sempre che si possa stabilire in quel contesto una scala di ferocia. Fu lui a dirigere la conferenza di Wansee del 1942 in cui si pianificò con teutonica precisione lo sterminio degli Ebrei d’Europa, l’organizzazione dei campi e dei trasporti ferroviari. Come s’è visto nel film Conspiracy del 2001, dove a interpretarlo era un eccellente Kenneth Branagh. Dopo quel famigerato vertice Heydrich diventa governatore del protettorato di Boemia e Moravia, dove mostra subito la sua inflessibilità. Verrà ucciso pochi mesi dopo, nel giugno 1942, in un attentato dei resistenti cecoslovacchi. Uno dei casi più clamorosi della guerra clandestina contro il nazismo. Il film di Fritz Lang ricostruisce, romanzando e avventurando abbastanza, l’uccisione di Heydrich, ed è l’occasione per il gran regista di confrontarsi con i demoni del suo paese, con i propri fantasmi di esule e la propria identità ebraica. Angosciosissimo, già anticipando quei film resistenziali e anche postespressionisti del cinema polacco e centroeuropeo anni Cinquanta-Sessanta (Cenere e diamanti, I dannati di Varsavia ecc.). A rendere ancora più irrinunciabile Anche i buoia muoiono è la collaborazione allo script di Bertolt Brecht, pure lui a quel tempo rifugiato in America, e le musiche sono del brechtiano Hans Eisler. Il film di culto è pronto. Con Brian Donlevy e Walter Brennan.

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Godetevi la cura meticolosa per ogni minimo dettaglio, il perfezionismo estetico di Lang, la sua tecnica superlativa. Fin dalle prime battute è chiaro dove si schieri il regista austriaco: l'effemminato gerarca nazista, il gioco di sguardi, movimenti, fluttuazioni che Lang disegna sullo schermo a beneficio dello spettatore, mostrano un universo inevitabilmente polarizzato, coi nazisti oscenamente sadici e stupidi e i cechi animati da un forte spirito patriottico e di sacrificio. È probabilmente anche l'unico difetto di questa pellicola, l'unico aspetto prevedibile, per il resto lo sviluppo lascia spazio a più alternative, la tensione psicologica è sempre alta, la tecnica e la fotografia ottime, gli attori ben calati nella parte. Lang, al riparo in terra americana, tira una stilettata al cuore del nazismo, senza sconti. Gran film.

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Maigret tend un piège (Il commissario Maigret) - Jean Delannoy

Jean Gabin, Annie Girardot e Jean Desailly sono gli ottimi protagonisti di questa storia di Maigret, ottimi dialoghi di Michael Audiard, appare in un piccolo ruolo anche Lino Ventura.

niente è fuori posto, tutto torna, Jean Delannoy è bravissimo a dirigere il film.

un piccolo gioiellino da non perdere, promesso.

buona (simenoniana) visione - Ismaele

 

QUI si può vedere il film in francese

QUI si può vedere il film in francese con sottotitoli in inglese

La prima volta sul grande schermo del Maigret forse più famoso,quello impersonato dal mai dimenticato Jean Gabin.Scelta approvata dallo stesso Simenon che vedeva in Gabin la perfetta visualizzazione dell'ostentata normalità dell'uomo Maigret. Gabin aderisce anima e corpo al personaggio di un commissario abituato ad usare il buon senso, con uno spiccato senso dell'umanità ma assolutamente ligio e rigoroso nell'applicazione della legge Preferisce il ragionamento all'azione, risolve il caso con la sua intelligenza e non con un azione di forza (che anzi fallisce).Maigret è il figlio un po'pigro di una Parigi buia qui inquadrata dalla sua prospettiva peggiore, quella delle strade malfamate e malfrequentate. Il caso del serial killer di prostitute viene risolto grazie alla capacità deduttiva del commissario e al suo spirito d'osservazione oltre che da errori sesquipedali da parte dei sospettati. Con un confronto finale tra nuora e suocera di rara intensità drammatica....

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A Parigi, nel quartiere del Marais, qualcuno si è messo a uccidere donne sole al calar della notte. Il commissario Maigret pensa che l’assassino stia cercando di provocarlo. Decide quindi di tendere una trappola al suo sanguinario avversario, ma gli darà del filo da torcere.
Jean Gabin è il settimo commissario Maigret della storia dopo Abel Tarride in Le Chien jaune diretto dal figlio di Tarride, Jean; Pierre Renoir in La Nuit du carrefour diretto dal fratello minore Jean Renoir; Harry Baur in Il delitto della villa di Julien Duvivier; Albert Préjean in tre film girati sotto l’occupazione; Picpus e Les Caves du Majestic di Richard Pottier; Cécile est morte di Maurice Tourneur… Prima di lui c’erano stati anche Charles Laughton in L’uomo della Torre Eiffel di Burgess Meredith e infine Michel Simon nell’episodio Les Témoignages d’un enfant de cœur in Brelan d’as di Henri Verneuil.
Tra tutti i Maigret del grande schermo Gabin fu però il più popolare. Più familiare di Harry Baur o Pierre Renoir, più uomo comune di Michel Simon, più autorevole di Albert Préjean… Girò del resto altri due Maigret, uno nel 1959 nuovamente con Delannoy, Maigret e il caso Saint-Fiacre (buono quasi quanto Maigret tend un piège) e l’ultimo nel 1963 con Gilles Grangier, Maigret e i gangsters.
La sceneggiatura di Maigret tend un piège è scritta a più mani da Delannoy, Michel Audiard, dialoghista molto celebre e molto apprezzato da Gabin, e Rodolphe-Maurice Arlaud, critico e giornalista ginevrino che collaborò più volte con Delannoy e Granier-Deferre.
Annie Girardot è eccellente in uno dei suoi primi grandi ruoli; due anni dopo lavorerà con Luchino Visconti in Rocco e i suoi fratelli, in seguito con Mario Monicelli in I compagni, poi con Marco Ferreri in La donna scimmia, ecc. Nel ruolo di un ispettore incrociamo anche Lino Ventura, amico di Gabin dai tempi di Grisbì.

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…il film non brilla per originalità registica e gli esterni girati in studio appaiono assai datati. In compenso, la sceneggiatura è quasi ovviamente di ferro, Jean Gabin ci mette la griffe da par suo e i dialoghi di Michel Audiard rendono cinematograficamente impeccabile un testo letterario, quindi diverso dal linguaggio della Settima Arte e bisognoso di una vera e propria “traduzione”. All’ottima trasformazione del romanzo contribuiscono attori di gran classe come Jean Desailly, Annie Girardot e, nell’indovinato ruolo di poliziotto della squadra Maigret, un giovane ma già imponente Lino Ventura, che recita al fianco di un idolo della sua adolescenza. Chi si fa notare maggiormente, comunque, è Jean Desailly, assassino psicopatico morbosamente attaccato all’altrettanto schiodata madre. La sua tirata finale, quando crolla inchiodato dalla ricostruzione del commissario Maigret, è un pezzo di bravura, che non può non rimandare ad un certo Norman Bates... "Cinéma de papa" quanto si vuole, ma il talento di Jean Desailly non sfuggì a François Truffaut, che lo volle nel suo splendido "La peau douce" nel 1964…

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Anima persa – Dino Risi

un film con un immenso Vittorio Gassman, e una bravissima Catherine Deneuve.

raccontarlo è un crimine, guardatelo e godetene tutti.

buona (inattesa) visione - Ismaele

QUI si può vedere il film su Raiplay

QUI si può vedere il film online

 

 

…Il film segue l’arrivo del diciannovenne Tino (Danilo Mattei) a Venezia, ospitato nel palazzo nobiliare ormai decadente degli zii, Fabio e Elisa Stolz, con lo scopo di seguire gli studi d’arte. Fabio Stolz (interpretato da Vittorio Gassman) si presenta come un personaggio ossessivo e dalla grande morale, mentre la zia Elisa Stolz (interpretata da Catherine Deneuve) che vive nell’ombra del marito, è legata da un segreto indicibile. I misteri ruotano attorno a rumori e risate infantili che il giovane ospite sente provenire dalla soffitta del palazzo residente. Una volta che lo zio Fabio confessa al nipote che vi abita il suo stesso fratello ormai infermo di mente, la storia sembra prendere una piega strana e si rivela più inquietante e stratificata di quanto appaia in superficie…

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…Per scrivere la sceneggiatura viene chiamato stavolta Bernardino Zapponi, altro professionista di chiara fama noto per i lavori con Mauro Bolognini, Federico Fellini e lo stesso Risi, ma mai abbastanza ricordato per il fondamentale contributo offerto all’innovativo “congegno” col quale Dario Argento un paio di anni prima aveva “scardinato” le regole del thriller (stiamo parlando naturalmente di Profondo Rosso); ed è una “ventata” che Zapponi porta anche in questo copione, rimodellando all’uopo la materia arpiniana.

Tanto per cominciare, come teatro dei fatti viene scelta, in luogo di Torino, una Venezia più lugubre che mai, la “vecchia dall’alito cattivo” che non ha nulla da invidiare, quanto a putridume, a quelle filmate da Aldo Lado in Chi L’Ha Vista Morire o da Nicolas Roeg in Don’t Look Now; in secondo luogo, Zapponi modifica sensibilmente i caratteri dei personaggi principali: l’ingegnere (ribattezzato Fabio Stolz) perde la mitezza della pagina letteraria per trasformarsi in un uomo coltissimo, austero, sottilmente dispotico, di una pedanteria a tratti ossessiva ed attraversato da un malessere interiore indecifrabile, un prussiano dai modi e dalle concezioni di vita d’altri tempi (la cui figura sembra vagamente ispirata a quella del grande poeta romantico Friedrich Hölderlin) che tiene sostanzialmente reclusa la più giovane moglie Elisa, sottomessa e cagionevole di salute (la Galla di Arpino era invece una donna di carattere più fermo), con la quale intrattiene una sorta di sadico gioco psicologico al gatto col topo (valore aggiunto sono i magnifici dialoghi, in bilico tra amaro esistenzialismo, tagliente sarcasmo e nonsense); l’introduzione poi del personaggio di Beba, fantomatica figlia di primo letto di quest’ultima morta appena decenne in circostanze non chiare, assente nel romanzo e vero e proprio altro “elefante nella stanza” alla pari del misterioso gemello, contribuisce ad alzare ulteriormente il livello di morbosità dell’insieme, conducendo lo spaesato Tino, e insieme a lui noi spettatori, attraverso un viaggio nelle tenebre di due menti malate che si concluderà, con un finale ad effetto, addirittura evocando echi di pedofilia…

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…In questo spazio ci soffermeremo su Giovanni Arpino, autore nel 1966 del romanzo Un’anima persa. Dino Risi e lo sceneggiatore Bernardino Zapponi utilizzeranno questo soggetto di Arpino (autore che Risi già utilizzò per Profumo di donna) ma ambienteranno la vicenda a Venezia anziché a Torino. Risi affermò infatti la modifica del testo originale: “il romanzo lo abbiamo modificato e dilatato…Neppure Arpino è stato informato di questa aggiunta, ma dopo Profumo di donna credo si fidi di me”. La scelta della città veneta è riconducibile al tono enigmatico che si è voluto imprimere alla vicenda: non esiste altra città al mondo (città labirinto fu ribattezzata dal regista in un’intervista coeva all’uscita del film) in cui la natura umana può essere mascherata in modo migliore che non a Venezia.

L’anima – o meglio le anime – sono quelle di Fabio Stolz (Vittorio Gassman) ed Elisa (Catherine Deneuve), zii di Tino (Danilo Tommasi), ospite in laguna per cominciare i suoi studi in pittura. Con il passare dei giorni il giovane si accorgerà che nella dimora veneziana degli Stolz si nascondono le tracce di un passato che non andrebbe riportato a galla…

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…Una delle più grandi interpretazioni di un Gassman a due facce assolutamente inquietante nel ruolo del pazzo recluso che sa però nascondere bene il fuoco sotto la cenere dello zio Fabio per poi sprigionarlo con il giusto dosaggio nel progredire del racconto fino al bellissimo monologo finale ma è chiaro che anche i meno scaltri all'urlo della parola "Eufrasio" e osservando bene la sequenza della notte brava in locali e casinò di Tino e zio Fabio potranno captare l'inghippo.

Il colpo di scena finale è tutto sommato imprevedibile ma neanche troppo digeribile tanto che se non sbaglio non proviene dal romanzo ma è una trovata di sceneggiatura.

Algida e passiva la Deneuve fa bene il suo personaggio senza strafare, adeguato al ruolo Danilo Mattei ma si poteva trovare di meglio mentre è un piacere rivedere Anice Alvina nel ruolo di Lucia la modella pittorica che scatena le prime pulsioni in Tino e l'amarezza dei ricordi in zio Fabio: ha come sempre un sex appeal transalpino tutto suo che favorisce fortemente la sua caratterizzazione che si impenna appena entrata in scena con un nudo integrale disinvolto e stuzzicante per poi stemperarsi al saluto finale in cima al ponte.

Musica di Francis Lai.

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…Il tono gotico, malsano ed ambiguo della pellicola si sposa alla perfezione con l'atmosfera putrida e decadente della città lagunare (“Venezia è una vecchia signora dall'alito cattivo”), ripresa da Tonino Delli Colli con una fotografia livida e funerea . Molto suggestiva la scelta delle ambientazioni, tra le calli ed i canali meno turistici, l'isola-cimitero quella manicomio e la dimora aristocratica degli zii, splendida ma in gran parte fatiscente, fantasma di uno passato splendore.

Anima Persa è quindi un film sulla decadenza inarrestabile di un'umanità dall'apparenza falsamente rispettabile, sulla perversione e la follia, segregate in soffitta per metterle al riparo da occhi indiscreti, e spiate al massimo attraverso uno spioncino, ma che finiscono per avviluppare un'intera famiglia con le loro malsane spire. Un film amaro sul male di vivere, sull'angoscia e l'inquietudine esistenziale che possono spalancare l'abisso della pazzia…

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