Caprice - Joanna Hogg

 

La stanza accanto - Pedro Almodóvar

a Venezia nel 2024 leone d'oro come miglior film.

non ricordo film di Almodóvar senza qualche sorriso, anche nei film più "seri".

nell'ultimo film non c'è niente da ridere, la Morte è la protagonista. 

e però, sia pure con "mestiere" e con attori davvero bravi, il film appare freddo, troppo serio e troppo tragico, per lo stile di Almodóvar. 

nel suo primo film in inglese (sia pure girato per metà vicino a Madrid, leggi qui) il regista perde quella virtù che spesso pratica, la leggerezza. 

se gli dessi un voto sarebbe la sufficienza, comunque è un film da vedere, ognuno si farà la sua opinione.

buona (mortale) visione - Ismaele

 

 

 

 

… A mancare, rispetto al passato, è il calore tipico dei film di Almodóvar, il quale nelle sue incursioni più serie è sempre riuscito a trovare un giusto equilibrio tra la gravità del dramma e l’ironia del mondano. Ne La stanza accanto, invece, si percepisce spesso una certa disconnessione tra ciò che si vede a schermo e la materia trattata, un lirismo visivo poco ispirato, nonché dialoghi farraginosi, didascalici e spesso ridondanti, tanto che il personaggio interpretato da John Turturro – un ambientalista radicale – sembra inserito solamente per lanciare un tiepido monito extrafilmico. A tratti, sembra quasi di essere di fronte a una versione depotenziata di Julieta. Così, suggestioni di pura poesia, a partire dalla neve rosa sino ad arrivare allo splendido riferimento a I morti di James Joyce (con tanto di richiamo a The Dead di John Huston), si alternano a momenti di grande spessore attoriale che appaiono come eccessivamente autoreferenziali e fini a se stessi. Perché nemmeno le ottime prove di Tilda Swinton e di Julianne Moore possono compensare, a malincuore, il substrato emotivo carente di un film che colpisce solo in superficie, senza mai spingere fino in fondo.

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…La stanza accanto non è soltanto un’altra variazione sulla morte ma anche sui sentimenti – la passione, il rancore – e sul tempo perduto. È un’altra dichiarazione d’amore alla ‘magnifica ossessione’ di un cinema che guarda, in modo ancora più evidente che in passato, Fassbinder e Sirk in cui Julianne Moore e Tilda Swinton possono essere le sue reincarnazioni, soprattutto l’attrice londinese, che incarna la morte e la rinascità e dimostra, dopo Suspiria di Guadagnino, che può duplicarsi o, in quel caso, addirittura moltiplicarsi in tre personaggi. Nei fitti dialoghi tra le due protagoniste però qualcosa si blocca, non arriva, resta a metà strada. Certo c’è tutto: abbracci, lacrime, rimpianti. La stanza accanto poteva avere quegli slanci del vertiginoso Zinnemann di Giulia nella sintonia che si era instaurata tra Jane Fonda e Vanessa Redgrave. Il film di Almodóvar si blocca invece al primo livello, quello della rappresentazione dove delle due protagoniste, in cui il metodo, la tecnica, diventano tra gli elementi principali per far apparire questo film struggente quando invece non lo è al contrario del grandissimo film precedente, Madres paralelas. Le cicatrici della ‘storia privata’ restano otturate invece da una ‘personale autocelebrativa’ del proprio cinema. La stanza accanto è come una mostra sul cineasta spagnolo dove in una stanza ci sono i suoi modelli di riferimento: Buster Keaton in tv, i dvd di Lettera da una sconosciuta e The Dead. Gente di Dublino, il poster di Ingrid Bergman per creare un parallelismo con il personaggio interpretato da Julianne Moore (ma no!).

La stanza accanto è funereo ma non come Wilder di Fedora. Quando l’opera del cineasta non è al meglio, si chiude in una forma elegante e artefatta, proprio come la neve rosa che cade su New York. Solo la deviazione dell’interrogatorio in polizia risveglia il film dal suo lungo e compiaciuto grande sonno. Ma forse lì c’è già, o ci poteva essere, un’altra storia…

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Almodovar al suo debutto in un lungometraggio in lingua inglese. Almodovar che prende di petto un tema fra i più spinosi e controversi, quello dell'eutanasia, con una netta presa di posizione politica che ha ispirato anche il suo toccante discorso di ringraziamento a Venezia per il Leone d'oro. Almodovar che dirige due fra le più talentuose ed esigenti attrici del panorama mondiale.

"La stanza accanto" è un melodramma raffreddato, che evita facili sottolineature emotive e tentazioni strappalacrime, è puro Almodovar ma è anche una ricognizione originale in un territorio diverso, un tentativo di raccontare sullo schermo un dolore così straziante da poter essere placato solo con il desiderio della morte…

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…E qui Almodóvar compie il primo passo verso la sublimazione. Quando Martha lascia la clinica e torna a casa fermamente decisa a organizzare la propria dipartita, la messa in scena si fa infatti più sintetica e il melodramma viene silenziato, disinnescato. Il passato rocambolesco sparisce dalle immagini, niente più flashback, niente più storie, niente più tortuosità ma un lucido e metodico piano che prende forma circondato dei segni di quella vita dalla quale la donna sta per congedarsi.  Mobili, oggetti, libri, taccuini, film, fotografie, scatole, buste, fogli, tutto nella casa è traccia e sedimento, memoria senza mai nostalgia: la casa è li, accogliente, avvolgente come un abbraccio discreto. Ma non è li che Martha può morire. Ci vuole un’altra casa e una altro passaggio della messa in scena verso un’ulteriore asciuttezza, verso un’ulteriore svuotamento, verso un’ulteriore essenzialità. Così Martha e Ingrid possono abitare insieme solo un nuovo spazio, uno spazio altro dove non c’è memoria, minimale ma non asettico, elegantissimo, ricercatissimo, ma dove nulla è personale o familiare: solo superfici, linee, vetrate, pieni, vuoti, dove i colori possono essere solo pieni, dove non ci sono sfumature, dove le porte possono essere solo aperte o chiuse, definitive. E dove la morte può diventare un magnifico quadro composto con precisa meticolosità al momento giusto.

 

In quegli spazi che mutano, in quella scena che si asciuga, in quelle parole che dicono tutto senza mai pesare, Almodóvar trova il compimento di un vero capolavoro, una lezione di cinema, di regia, di messa in scena, di scrittura. La grande lezione di un maestro per nulla senile, ma capace come nessuno di parlare con umanità e magnificenza della vita e della morte dicendo tanto del mondo strambo in cui viviamo, di dignità e di diritti, di minacce e di speranza, di sofferenza e di bellezza, di amicizia e di condivisone, di responsabilità e di empatia, di rispetto e di autodeterminazione.

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Insulso. Banale. Mortale. Si ma nella noia! Altro che eutanasia. Qui lo spettatore muore da solo. Senza aiuti esterni

Insulso. Banale. Mortale. Si ma nella noia! Altro che eutanasia. Qui lo spettatore muore da solo. Senza aiuti esterni

Alla prova americana non ha retto.

Ma chi glielo doveva dire al Pedro de noialtri di andare a crasharsi a 75 anni nelle produzioni, sistemi, visioni USA, quando il suo è sempre e solo stato un cinema europeo? MAH

I misteri della fede

Bastassero due eccelse attrici a far riflettere su un tema cosi delicato come quello della malattia, il cancro alla cervice e due amiche che non si vedono da trent'anni 

Ma voi davvero uccidereste una che non vedete da secoli?

O le stareste vicino con i problemi che comporta a livello legale, morale e spirituale l'eutanasia? 

Il film non regge, annoia ha in sostanza una brutta energia, non di vita, ma di bieca assoluta e devastante morte !

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"Se vuoi mandare un messaggio, spedisci un telegramma, non fare un film"

Non sembra neanche Almodóvar! Film a tesi pretenzioso e noioso, due ore di dialoghi privi d'interesse, situazioni statiche e una citazione letteraria ripetuta più e più volte nel vano tentativo di commuovere lo spettatore.

Julianne Moore e Tilda Swinton sono brave e ce la mettono tutta ma non riescono a salvare un film in cui le situazioni di potenziale conflitto e le occasioni per far emergere il dilemma etico (ad esempio la perdita e il ritrovamento della busta con la pillola) si risolvono da una scena all'altra come in uno sceneggiato televisivo. E mentre lo spettatore assonnato aspetta il guizzo di regia o di sceneggiatura che giustifichi la spesa del biglietto, Turturro pontifica sul disastro ecologico.

Tutto si svolge ineluttabilmente come da copione. L'unico momento in cui il film si rianima un po' è l'interrogatorio con la guardia bigotta, ma anche questa occasione cade nel vuoto con l'arrivo dell'algida avvocatessa. Quando infine si presenta la figlia della Swinton ci si aspetta una svolta, un sussulto, e invece anche questa possibilità cade nel vuoto e il film si spegne mestamente.

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…E ora parliamo di Kevin - Lynne Ramsay

Lynne Ramsay non delude.
dopo Ratcatcher e Morvern Callar ecco il suo terzo lungometraggio.
madre e figlio, che rapporto bellissimo dev'essere, ma non fra Eva (una sempre bravissima Tilda Swinton) e Kevin, qui è un inferno, non come pensi, ma molto peggio.
un film che non fa stare tranquilli.

ecco QUI il film completo, in italiano, se avete la forza, e ancora non vi ho spaventato abbastanza.
ci sarà una ricompensa, dopo la visione, quella di aver visto un grande film.
buona visione - Ismaele

…il cuore del film è sicuramente nella storia d'amore tra madre e figlio, un amore-odio, pieno di ambiguità e di non detti, fatto non si sa bene se di troppa remissione, di eroica resistenza o di incontrollabile destino. Lo porta in superficie Tilda Swinton, con la rigidità che è corazza del personaggio, in verità esploso dentro, ma anche con una varietà di emozioni ben impressionanti. Non la si vedeva così convincente dalla prova di Michael Clayton. 
Sul fronte estetico il film è molto insistito. Troppo. Il colore del sangue è declinato e ripreso in tutti i modi possibili, con la sequenza dedicata e disturbante dei corpi imbrattati e annegati nel pomodoro - che setta immediatamente gli assi cartesiani della tragedia in corso, quello lirico e quello quotidiano, famigliare - e poi con la vernice, la marmellata, la stampa sulla T-shirt, le ferite, i bersagli. Anche il montaggio è studiatissimo, rimescolato al millimetro, costruito per la tensione. A questa estrema eleganza di modi e di temi del girato corrisponde e al contempo sfugge il tappeto sonoro, magnificamente lavorato, dal quale passa, senza soluzione di continuità, il flusso sentimentale del film: il dolore, la paura, la rabbia, lo sprazzo di felicità e la disperazione della protagonista.
Non tutto convince, in ... E ora parliamo di Kevin, ma il colpo arriva comunque allo stomaco, perfettamente assestato, come tirato con l'arco da un professionista

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…Dall’omonimo romanzo di Lionel Shriver, la Ramsey ha tratto un dramma familiare che sembra un horror (Il presagio), intimista e sovraccarico di simboli. C’è persino troppo stile, un’ombra di compiacimento nella confezione. Ma è un eccesso voluto, la voglia di trasmette allo spettatore la stessa sensazione di disagio, di doloroso soffocamento, della protagonista.
Lei, Tilda Swinton è immensa. Così martoriata da martoriarci. John C. Reilly è l’inutile padre perfetto; Ezra Miller, inquietante oltre ogni immaginazione. Una maschera che s’incrinerà solo nel finale quando, dopo due anni di silenzio, risponderà un’altra volta alla madre: “Perché l’ho fatto? Prima lo sapevo, ma ora non ne sono più tanto sicuro”.
E se anche il Male fa fatica a comprendere se stesso, può allora essere perdonato?

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…Kevin è, sia da bambino che da adolescente, tremendamente spietato. I suoi occhi languiscono odio. Si fa incarnazione del Male che avviene "per nessuno motivo, questo è il motivo" (risponderà così ai "perché?" della madre) e farà solo un passo indietro quando, malato, richiederà le attenzioni della madre, in una parentesi lunga il tempo di una debolezza. Non c'è una spiegazione al Male che alberga in Kevin e il film si dispensa dal fungere a trattato socio-psicologico. E' la stessa oscurità che risiede sommessa in ognuno di noi e che, in alcuni casi, dirompe in tutta la sua potenza, se trova un (sotto)suolo fertile. Eva e Kevin sono uniti da un cordone ombelicale mai spezzato che anziché legare all'amore incondizionato, li ha stretti nella morsa dell'odio reciproco (?). Sono vittima e carnefice l'uno dell'altro, laddove le meschinità del figlio innescano e svelano quelle della madre. "La sconfitta della figlia è il trionfo della madre? Mamma, il mio dolore è un tuo piacere segreto?" - ci si chiede in "Sinfonia d'autunno" di Bergman. Entrambi sono intransigenti, sentiamo in una parte del film, ma mentre l'intransigenza della madre si manifesta in una visione della vita schematica che scarnifica le sfumature (se mangi tanto ingrassi, se hai un figlio perdi l'individualità), quella di Kevin sta nella sua abdicazione al male per il male. Interpretato da un Ezra Miller diabolicamente perfetto, la figura di questo figlio maledetto rischia di risultare artificiale nei suoi eccessi, ma l'ingranaggio è ben costruito e anche l'eccesso appare meno stucchevole…

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…Ramsay riesce nella difficile impresa di trattare anche le emozioni come fatti, componendo il film come un organismo vivo, che pulsa e disturba, molto affidandosi agli interpreti (Kevin è Ezra Miller, visto in Afterschool) e alla narrazione franta, screziata dalle sghembe melodie di Jonny Greenwood (Radiohead); un film che, non suggerendone nessuna, invita a molte letture (psicanalitiche, sociologiche, anche politiche), ma senza crogiolarvisi, anzi, preferendo la sospensione dei dibattiti e ponendo sul piatto il rapporto tra una madre Antagonista (il conflitto è continuo e si gioca su un terreno che è palese solo per i due contendenti), Vittima (l’episodio del braccio rotto è quello che stabilisce il gioco di potere di Kevin sulla donna: il bimbo sa di avere un’arma e sa che lei ne è consapevole), Totem (Kevin, sorpreso ad ammirare la gigantografia di Eva esposta nella vetrina della libreria, darà voce, a suo modo, al suo protagonismo) e Rifugio (la prostrazione della malattia abbassa le difese del bimbo e smaterializza il suo copione quotidiano, scoprendolo per quel che è: attaccato alla madre, insofferente verso la sollecitudine entusiasta e asfissiante del padre) e un figlio che se ne fa specchio deformato (il volto di Eva e Kevin si confondono nell’acqua) e che più che per vendicarsi di lei lasciandola viva e sola in un deserto, sembra distruggere ogni ostacolo (casa, padre, sorellina, passato materno – remoto e prossimo -) per un resetmostruoso che gli consenta, infine, di amarla ed esserne amato. Nel dolore, ma liberamente.

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…Il talento della regista si conferma nell’intensità di alcuni dettagli e divagazioni nella trama visuale del quotidiano, nell’eleganza dei raccordi temporali e negli accordi stridenti fra immagini e tappeto sonoro, come quando vediamo Eva abbandonarsi al ‘sollievo’ di un martello pneumatico che copre gli strilli incessanti del marmocchio o quando si trova attorniata da maschere di Halloween che sfilano con la tintinnante Everyday di Buddy Holly in sottofondo. Purtroppo questi spunti felici finiscono per accatastarsi in un catalogo di vezzi autoriali e il film indulge troppo nella fascinazione per il suo tessuto visivo, che progressivamente perde di tenore drammaturgico, si sfibra e lascia scoperto soprattutto un simbolismo materico tanto pesante quanto privo di sostanza. Del resto questa esibizione insistita, per quanto possa irritare, non merita nemmeno di essere liquidata come puro compiacimento formalista o ingenua velleità manipolatoria. Nell’esplicita volontà di shock con cui Ramsay inquadra e monta il film potrebbe infatti risiedere la sua unica riuscita estetica, in quanto narrazione disgregata e paradossale di una condizione post-traumatica: allora l’aggressione sensoriale nei confronti dello spettatore si giustifica soprattutto come un tentativo di esprimere lo sconvolgimento psichico di Eva e, per quanto questo risulti a volte maldestro, almeno nell’interpretazione attonita e disincarnata della Swinton bisogna riconoscere una rappresentazione esemplare di soggetto shockato. Purtroppo il film, come i suoi personaggi, sembra restare intrappolato nel gioco di riflessi dell’immaginario, rifiutandosi di affrontare davvero l’irruzione del Reale che ogni trauma porta con sé.

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Ottimo dramma...e anche piuttosto disturbante.
Il film non è assolutamente confusionario, anzi nel suo complesso andare avanti e indietro nel tempo è molto preciso e chiaro nel raccontare, certo non è un film leggero e soprattutto deve essere seguito attentamente e senza distrazione per cogliere la ricostruzione dei fatti adeguatamente.
Ed è proprio questa ricostruzione che mantiene acceso l'interesse e mi invoglia a continuare entusiasta la visione.
I dettagli della storia vengono sapientemente svelati a poco a poco facendo intuire lentamente ciò che succederà fino all'atroce finale.
Recitazione ottima degli attori, la Swinton da Oscar.
Anche le musiche sono adatte, sempre un pò allegre vanno a generare un contrasto fortissimo con la drammaticità delle situazioni che si creano.
Una lunga planata sul rapporto tra genitori e figli che senza approfondire troppo lascia più spazio all'insensata cattiveria dell' essere umano.
Averne di drammatici con questi risultati; molto attuale come tema.
Consigliatissimo ma forse non per tutti.

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…“e ora parliamo di Kevin” è un film complesso, le cose da dire sono tante, forse troppe. Sicuramente questa recensione non sarà esaustiva, anche perché è una pellicola che si presta molto ad un’interpretazione soggettiva, quindi è probabile che molti non concordino con quanto è stato detto.

È però indubbio il fatto che sia realizzato con una cura maniacale per i particolari, da ogni punto di vista. Il sonoro, il montaggio, la regia sono tutti studiati per creare un’esperienza unica: un viaggio all’interno della mente della protagonista.
Gli attori regalano delle performance straordinarie, soprattutto Tilda Swinton qui alle prese con quella che forse è la sua migliore interpretazione di sempre.
Siamo davanti ad un film veramente straordinario e purtroppo non conosciuto come dovrebbe, nonostante non siano mancati vari riconoscimenti.

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…Quello che sorprende de film non è solo la capacità di raccontare ma la grandissima qualità dell'insieme.
La regia è strepitosa, gioca con i dettagli in una maniera straordinaria (le unghie e le palline di pane disposte sul tavolo, la capacità di cogliere gli sguardi- quel bersaglio nella pupilla è quantomai emblematico), regala di continuo sequenze e inquadrature di classe, tutto supportato da una sceneggiatura che gioca perfettamente con 3,4 piani temporali, sa dosare i silenzi e le poche battute, dissemina nel film pochi ma decisivi rimandi (vedi il libro di Robin Hood), senza farsi mancare una fortissima carica metaforica, soprattutto nelle innumerevoli scene in cui la madre pulisce. Tutto quel rosso, di pomodori, di vernice, di marmellata, tutto è segno premonitore o, al contrario, di elaborazione del lutto dell'incredibile tragedia che verrà.
Livelli altissimi anche in colonna sonora, quasi tutta concentrata nei viaggi in macchina della madre.
Gli attori sono magnifici, Tilda Swinton, novella Shelley Duval di Shining per fattezze e ruolo, è su livelli incredibili e anche Ezra Miller, con quello sguardo acerbamente assassino non gli è da meno. Curioso come Miller abbai già interpretato un ruolo quasi identico in un altro film, Afterschool (pellicola come al solito massacrata da tanti ed esaltata da me, son troppo buono, è un dato di fatto)…

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Solo gli amanti sopravvivono – Jim Jarmusch

è "solo" un film di fantascienza, di vampiri, d’amore, di cultura, di musica tutto insieme, e a livelli alti.

Eve e Adam sono due anziani, ma forever young, vampiri, che stanno fra Detroit e Tangeri, vivono in un mondo di schifo, odiati dagli umani, da cui si devono nascondere.

Eve e Adam (due nomi “importanti”) fanno parte di un’élite, amano Mark Twain, Shakespeare, Cervantes, Foster Wallace, amano la musica, sono evoluti, non mordono più nessuno, si servono, pagando, del sangue degli ospedali, il mondo è difficile, devono spostarsi per sopravvivere, e sono forse gli ultimi depositari del bello e della saggezza, come Marlowe, che muore (Marlowe è venerato come un maestro da Bilal, un umano “normale”, che lo protegge).

gli attori sono almeno bravissimi, sopra tutti Tilda Swinton, che il dio del cinema la conservi.

non è un film facile, non ci sono scene d’azione, a me è sembrato bellissimo, e poi è un film di Jim Jarmusch.

è nei cinema da un mese, in pochissime copie, non perdetevelo -Ismaele

…Solo chi ama rimane vivo; chi sa amare letteralmente per sempre, chi rispetta il mondo che abita, la sua arte, la letteratura, il progresso della scienza, il suono dei nomi. Gli altri, quelli che credono di essere vivi solo perché batte loro il cuore, quelli che hanno perso il gusto, lo sguardo e il dizionario, sono creature noiose e pericolose. Sono loro - i cosiddetti esseri umani - i veri cannibali, gli zombie: gente che si sveglia sempre troppo tardi, che usa e getta, immemore del passato, incurante del futuro, impantanata in un presente più che mai buio, anche e soprattutto alla luce del sole…

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…Opera spiazzante, come spesso Jarmusch ci ha abituato nel corso degli anni, che miscela i sempre verdi punti di forza del regista con l’esistenza dei vampiri ed il declino di una società che soprattutto chi la conosce da anni, come i vampiri di lungo corso, non può più ne capire ne accettare.

Il registro di fondo, facendo leva su personaggi ben costruiti, trova diversi spunti surreali e grotteschi con una serie di battute ben assestate, soprattutto l’esperienza legata alla storia ed all’evoluzione,tra scienziati spesso ostracizzati e personaggi storici che i nostri hanno incontrato, ad esempio nel mondo musicale, trova pieno risalto….

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…Jim Jarmusch rielabora il genere horror-sentimentale, sfruttando una delle figure più icastiche del cinema di questo filone, il vampiro, che, sul grande schermo e nella letteratura, ha sempre assurto al ruolo di entità corporea dotata di una particolare carica perturbante ed erotica. A differenza del primo vampiro della storia del Cinema, il Conte Orlok (protagonista del Nosferatu di Murnau, individuo statico, privo di grazia, in preda ad una vera e propria regressione maligna) i vampiri di Jarmusch sono delle creature bellissime, eleganti, bohemiene amanti dell’arte, della letteratura, della musica, e, soprattutto, della vita.

Il regista statunitense deputa al vampiro il ruolo di ultimo faro protettore della bellezza e della carica emotiva nel mondo, in un’umanità giunta alla fine, persa in una routine quotidiana omologante e standardizzata…

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…In una società che ha abbandonato l’immaginazione, la fantasia e la comunicazione umana, solo i veri amanti riescono a sopravvivere cercando, attraverso la Melancholia e l’astuzia, di celebrare l’essenza profonda e più veritiera dell’essere umano e dei suoi impulsi più naturali. Jarmusch realizza un film elegante, pieno di fascino e non privo di risvolti sottilmente ironici, accompagnandolo con una colonna sonora magistrale, non dimenticandosi di rendere omaggio, attraverso una fotografia messa accanto a quelle di altri grandi del passato quali Shakespeare, Lord Byron, Darwin, Mark Twain, a un suo caro amico, quel genio assoluto che è stato Joe Strummer, scomparso prematuramente nel dicembre del 2002…

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…"Only Lovers Left Alive" è un capolavoro stralunato e bizzarro, in cui il regista pennella due anime solitarie e desiderose d'amore approcciandosi all'horror gotico con la stessa originalità e libertà espressiva con cui aveva affrontato il western ("Dead Man") e il noir ("Ghost Dog"): uno stile che mescola in perfetta e miracolosa sintonia umorismo surreale e ironia (come le incursioni all'ospedale da parte del mascherato vampiro, rinominatosi Dottor Faust, alle prese col medico interpretato da Jeffrey Wright), violenza, e aperture liriche e struggenti (la morte di Marlowe e Tangeri e il finale). Senza mai sfiorare la maniera, come accade con tanti altri autori affermati, ma anzi riconfermando una visione della vita e del cinema ancora fresca e sorprendente…

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Snowpiercer - Joon-ho Bong

tratto da "Le Transperceneige", un bel fumetto francese disegnato da Jean-Marc Rochette, Joon-ho Bong ho realizzato “Snowpiercer”.

Joon-ho Bong ha fatto finora pochi film, tutti bellissimi (cito solo “The host”, “Mother”e “Memories of murder”) e anche in questo non si smentisce.

il treno è il mondo, e come un'arca di Noè conserva e trasporta verso una nuova era un po' di umani di tutti i tipi, dietro stanno i molti poveracci, avanzando di carrozza in carrozza, ciascuna protetta da soldati, si sale di "classe", in tutti i sensi.

c'è la lotta verso la conquista della testa del treno (Palazzo d'inverno), per scoprire un Eh Harris che è il regista di tutto (come in "The Truman show"), e che si sceglie il nuovo capo in modo inatteso.

ma la glaciazione sta finendo e forse la specie umana può rifiorire, sulle rovine di tutto (un po' come in "Seconda origine", qui).

un film imperdibile, per i miei gusti, spettacolare, politico, denso di contenuti, è grande cinema, peggio per chi non lo va a vedere - Ismaele

ps2: si rivede Jamie Bell, che 14 anni prima era Billy Elliot, bravissimi tutti gli attori, dai primi agli ultimi; il film è girato negli studi di Barrandov, vicino a Praga, dove si girano moltissimi film di tutto il mondo, e in Tirolo.

ps 2: il discorso della signorina Mason (Tilda Swinton), all'inizio, è l'apologo di Menenio Agrippa, mutandis mutandis, ci sono le classi (e quindi la lotta di classe).

 

 

 

 

…prendete 1984 di George Orwell, una società post-apocalittica con pochissimi sopravvissuti divisa con la violenza in caste e un ecosistema chiuso come una sfera di Dyson. 

Poi stipate tutto in un treno e avrete una prima idea di cosa aspettarvi da Snowpiercer di Bong Joon-Ho…

 

…La macchina da presa si muove vorticosamente per tutto il film. Non solo per evocare il tremolio del treno, con il rumore di rotaie sempre sullo sfondo, ma anche per seguire azioni frenetiche, spiazzanti capovolgimenti di punti di vista e cambiamenti repentini di luci e ombre, passando dai chiaroscuri ai mezzi toni, per arrivare dall'abbacinante splendore del mondo coperto di ghiaccio fino all'oscurità più totale. 

La linearità dell'ambiente è sottolineata molto spesso da carrellate avanti tutta a forte velocità, che durante i momenti più concitati immergono nell'azione.

Il treno è il co-protagonista del film, visto sia dall'esterno che sviscerato in ogni suo ambiente. Sono tanti e vari i set del film e ciascuno completa in modo compiuto la narrazione per immagini della storia.

La perfetta fusione di ambiente, recitazione convincente degli attori, un plot coerente e vibrante uniti alla validissima partitura musicale di Marco Beltrami, rendono Snowpiercer un film imperdibile, un nuovo punto di riferimento nella cinematografia fantascientifica e non.

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…Il Bong ecologista lo conoscevamo già dai tempi di The Host, quello rivoluzionario della lotta di classe che sta alla base delle dinamiche sociali invece è un'autentica sorpresa, come anche il Bong che non si crea illusioni in un'analisi fenomenologica dei cicli storici che si muovono tra potere e rivoluzione, ordine e  rivolta. Ma ciò che maggiormente rende Snowpiercer un film comunque interessante e bello è, oltre alla capacità tecnica stupefacente, quel beffardo tocco di ironia che non manca mai nel film, neppure nei momenti più drammatici: i rivoltosi che si passano la torcia come tedofori olimpici, certe pieghe nei rapporti sociali tra i protagonisti, battute quasi surreali in un tale contesto, persino momenti vicini allo splatter visti però sempre con occhio defilato e divertito…

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…Snowpiercer rimane un gran film, proprio per il suo far quel che deve e vuole senza guardarsi mai indietro. Oltretutto, al servizio di Joon-ho Bong c'è un cast eccellente: i caratteristi di contorno sono perfetti come sempre ed Ed Harris e Tilda Swinton vanno brutalmente sopra le righe, ma il contesto lo richiede e da un film del genere, diretto da un regista del genere, non ci si può aspettare altro. Quanto al trio di testa, più o meno, non si può dire loro nulla: Kang-ho Song è una certezza, Jamie Bell non si fa odiare e Chris Evans è sorprendentemente bravo, una volta tanto, a tenersi il film sulle spalle e a interpretare un ruolo cupo, con tanto di monologo drammatico sul finale espresso in maniera dignitosa. Per uno che fino a oggi ha sempre dato il meglio quando doveva fare la spalla cretina, non è poco. Che questo avvenga per mano di un regista coreano, forse, vuole dire qualcosa. Anche se non so bene cosa.

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…per Bong Joon-ho, regista d'immenso talento, funambolo capace di tenersi in equilibrio tra cinema popolare e rilettura critica, caustica o giocosa del genere, si tratta di una riuscita epocale. Quali che siano gli esiti del box office sul mercato internazionale, Bong ha portato sullo schermo il suo classico di fantascienza, che non è solo un'efficace opera di intrattenimento (seppure saldamente collocata all'estremo oscuro dello spettro dell'intrattenimento), ma anche una profonda riflessione filosofica sulla natura dell'uomo e le sorti dell'umanità, cupa e inquietante, disperata e appropriatamente raggelante, ma al contempo venata - come sempre in Bong - di sapida ironia e aperta, nel finale ad un abbacinante raggio di speranza…

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…La tensione è costantemente alle stelle, come se dalla frequenza dei nostri respiri, dal rumore della nostra trepidante attesa, possa dipendere la buona riuscita o meno del piano dei ribelli di coda treno. E non importa se, fondamentalmente, la morale di base di questo film non sia molto diversa dagli altri distopici, se l'analisi, attenta e realistica, della società risulti sempre la stessa: il modo vivido in cui il regista riesce a raccontare il tutto è appassionante e convincente e, a dirla tutta, regala anche qualche sfumatura, soprattutto nella caratterizzazione dei personaggi, tipica del cinema orientale che aggiunge valore al film. Possono 650 metri di treno contenere un mondo intero? La prigione, i bassifondi, la serra, le riserve d'acqua, la piscina, le aule scolastiche, la discoteca, la sauna... a quanto pare si, non solo a livello strutturale ma anche di evoluzione (e involuzione) della società e del suo intrinseco classismo…

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…Bong Joon-ho's Snowpiercer will likely stand as the most disappointing film of the festival, if not the entire moviegoing year. The Korean master's first failure, it lacks his trademark qualities and in their place offers sardonic, overwrought allegory, and an absolute overdose of clashing absurdities…

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…Snowpiercer is loud and brazen. It is consistently hilarious, yet at the same time, it also never fails to inflict fear, suspense or sentiment whenever it needs to do so. Snowpiercer is Bong’s outrageous ode to trains, to their power that have always fascinated us, and to everything else they can ever represent. This is also his tribute to cinema, which has the power to turn the lowly and hardworking train into an emblem for how humanity has remained woefully unchanged despite its years of persistent existence.

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