Quelle pellicole scomode a Raggi e Pd

Da bene confiscato alla mafia a spazio comune. Questo il lungo percorso che ha attraversato il Cinema Aquila a Roma, grazie alla presenza di un territorio che, nel corso degli anni, ha dapprima denunciato la presenza della banda della Magliana portandolo alla confisca da parte del Comune e, in tempi più recenti, ha contestato i due bandi mandati volutamente a vuoto nel tentativo di un’assegnazione diretta. Un percorso a cui oggi si aggiunge un’ulteriore ed inedita parentesi: quella della censura.

Tutto ha inizio due giorni fa quando il presidente del V Municipio di Roma, Giovanni Boccuzzi, pubblica un comunicato stampa nei portali istituzionali in cui si annuncia il blocco del tavolo partecipato che vedeva cittadini e municipio collaborare alla programmazione del Nuovo Cinema Aquila. Un percorso innovativo che poteva rendere l’esperimento del cinema un modello esportabile di reale partecipazione dal basso, un laboratorio di democrazia in dialogo e un luogo aperto di confronto tra cittadini ed istituzioni.

Le presunte ragioni della revoca del tavolo sarebbero l’infrazione da parte dei cittadini di alcune regole, nella fattispecie, la pubblicizzazione della programmazione prima dell’approvazione del Municipio, di fatto inspiegabile vista la costante presenza del Municipio in quello stesso tavolo. Si tratta di un’argomentazione assolutamente pretestuosa, non a caso coincidente con unamozione municipale votata dal Pd che chiedeva la revoca di tre film internazionali (The wanted 18, This is my land… Hebron, The salt of the sea) e di uno spettacolo teatrale (Mi chiamo Rachel Corrie) che denunciano l’apertheid del popolo palestinese, mozione che ha visto l’astensione in blocco del M5S.

Oltre a questo, la censura è dovuta anche alla presenza in calendario dell’anteprima di “Piccolo Mondo Cane”, un documentario sull’autogestione del canile comunale della Muratella portato avanti dagli ex lavoratori: in un’email inviata a SCCA dall’assessora Maria Teresa Brunetti se ne annunciava la cancellazione a causa della posizione espressa in un post su Facebook degli ex lavoratori che contestava l’operato della sindaca Virginia Raggi riguardo alle sorti del canile.

Per tutta risposta il Municipio V lunedì 13 marzo pubblica un programma settimanale integralmente diverso e mai condiviso nei tavoli partecipati. I cittadini, le associazioni e le realtà sociali che hanno fin’ora contribuito al percorso delle aperture confermano invece la programmazione stabilita pubblicamente ed in presenza dello stesso municipio, invitando alla massima partecipazione.

Per giovedì 16 marzo, alle ore 19, è convocata un’assemblea pubblica all’interno del cinema.

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Alice nelle città – Wim Wenders

un film da niente, una storiella leggera leggera, direbbe chi legge la trama, e si ferma lì.
perché poi il film è un capolavoro, il tempo lo fa splendere ancora di più.
la storia di un uomo e di una bambina, un gigante buono e una bambina che deve tornare a casa, la mamma è un po' incasinata e consegna la bambina per il ritorno, come se fosse un pacco postale.
solo che i due protagonisti sono vivi e diventano complici e amici, ogni giorno di più.
astenersi quelli che "...non reggo i film in bianco e nero", quelli che "... senza un po' di violenza e di sesso che film è?".
cercatelo e godetene tutti - Ismaele

una curiosità: nello stesso anno è uscito un altro gran film, Paper Moon, protagonisti una bambina e un uomo, anche loro in movimento.

Questo film merita l’appellativo paradossale di “classico del cinema moderno”. Infatti, da una parte costituisce un caposaldo della cosiddetta modernità cinematografica, ossia quell'estetica del filmare aperta, episodica, sdrammatizzata e anti-narrativa suggerita da alcuni autori italiani a partire dai tardi anni 40 (Rossellini, Antonioni) e messa in atto radicalmente e sistematicamente da tutta una serie di nuove leve, in giro per il mondo (dalla Francia al Brasile, dal Giappone alla Cecoslovacchia) nei primi anni 60; dall’altra, tuttavia, questo di Wenders è un film talmente nitido e risoluto nel distendere il suo tappeto tematico che, a differenza di tante “imperfette” opere moderne, può contare su quella chiarezza di intenti propria del cinema classico. E’ curioso (e un pochino sconfortante) constatare come lo stesso Wenders sarebbe stato, nei decenni successivi, fautore di un cinema spesso prolisso e ridondante, agghindato di futili orpelli poetici per coprire quella che è stata (e continua ad essere, vista la sua valenza profetica) una delle grandi conquiste della cinematografia contemporanea: la riflessione sul rapporto fra realtà e rappresentazione (filmica, fotografica, scritta). Un tema trattato da tanti autori, ma nessuno con la sagacia e l’acume di Wenders. Sagacia ed acume che, sfortunatamente, si accompagnano ad una leggerezza di sguardo solamente in alcune sue opere, specialmente quelle dei primi anni 70. In “Alice nelle città” c’è tutto ciò che Wenders aveva di dire e avrebbe detto nelle sue (troppe) opere successive, nonostante certa critica lo faccia passare per eclettico ed ambizioso…

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… Philip Winter è serafico, laconico, solo all'inizio del film, incalzato da una sua amica che lo accusa di aver perso se stesso (motivo per cui scatterebbe foto senza sosta, per fissare la propria identità), afferma di voler proseguire il suo viaggio, senza conoscerne la meta; e, forse, questa è l’unica condizione preliminare possibile per un mutamento vero: non sapere esattamente dove si andrà a parare, mettendosi sulla traccia di un Evento, rispetto alla cui globalità e infinità si è solo degli ‘operatori’ finiti e locali, ma ostinatamente determinati. Dov'è la casa di Alice? Perché la mamma è sparita? E, soprattutto, perché Philip si porta dietro la bambina, senza che abbia alcuna responsabilità nei suoi confronti? Un destino da qualche parte è già segnato, aspetta solo che, con la nostra azione, se ne completi il percorso. Un Wenders crepuscolare, disarmato, fa mostra di sé e del proprio itinerario, in un rapporto di completa sincerità con il pubblico, cui non cessa di mostrarsi per quello che è, senza alcuna sovrastruttura che faccia da filtro…

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… En el guion, Wenders, inspirado por la lectura de un relato de Peter Handke, Carta breve para un largo adiós, colaboró con Veith von Fürstenberg creando un libreto en el que lo pequeño nos lleva a lo más grande. Solo en la celebrada Paris, Texas (1984) y en algunos momentos de El cielo sobre Berlín (Der Himmel über Berlin, 1987) Wenders lograría alcanzar tales cotas de emoción. El final de Alicia en las ciudades se nos mostrará con la misma sencillez que el resto de la aventura: los dos protagonistas asomados por la ventanilla de un tren dejando que el viento azote sus rostros. Quizá el último momento de libertad que Alicia y Phil disfruten juntos.

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Il diritto di contare (Hidden figures) - Theodore Melfi

ottimi interpreti (tra cui due che erano anche in Moonlight, e un rinato Kevin Kostner, e tutte le altre e gli altri) per una storia nascosta che finalmente possiamo conoscere tutti.
dietro un grande astronauta c'è una grande donna nera che fa i conti giusti per farlo tornare sulla Terra, e lui lo sa.

erano anni in cui il KKK bruciava i neri, e tornare a casa ogni sera, tutto intero, per un nero, non era semplice come per un bianco, oggi anche, ma nel 1961 e 1962 era difficile davvero.

solo pochi anni prima un medico nero, Charles Drew aveva "inventato" la trasfusione (qui), e poco dopo un genio al contrario aveva deciso che non si poteva mischiare il sangue dei neri e quello dei bianchi.

nel film il direttore della Nasa decide che i bagni separati dovevano sparire.

io lo farei vedere in tutte le scuole, lo possono capire tutti - Ismaele

ps: proprio oggi leggo qui la storia di Cecilia Payne-Gaposchkin

...Il diritto di contare mette in scena efficacemente il razzismo e il sessismo ordinario dei bianchi, concentrandosi sui drammi silenziosi che muovono la Storia in avanti. Suscettibile di incontrare il favore di un largo pubblico, Melfi sa bene quando spingere l'emotività dislocando lo sguardo sul romance di Katherine e James, Il diritto di contare segue la storia dell'esplorazione spaziale americana attraverso lo sguardo di tre eroine intelligenti e ostinate che hanno cambiato alla loro maniera il mondo. Hanno doppiato la 'linea del colore', inviato John Glenn in orbita e Neil Armstrong sulla Luna.

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…Film come Il Diritto di Contare sono forse l’unica categoria che invece che portare avanti un discorso ne ratifica la sua vittoria. Non si produce un film così, non si scrive e poi racconta una storia simile, con questo tono e questa sicurezza nell’assegnare colpe e meriti, se i fatti e i problemi messi sul piatto non sono già ampiamente digeriti, discussi, accettati e inglobati dalla società che poi riceverà il film. Questo non è il cinema di rottura, è semmai quello che presenta allo spettatore l’opinione che questi già ha in una forma affascinante, per confermare il suo pensiero tramutandolo in grande epica.

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…Il film è quasi interamente ambientato tra il 1961 e il 1962 e racconta parte della storia di queste tre donne (l’attenzione è focalizzata soprattutto sulla figura di Katherine Goble Johnson), attraverso la narrazione degli eventi che portarono al lancio in orbita di John Glenn. La ricostruzione degli aspetti scientifici è accurata, mentre l’aderenza ai fatti storici viene parzialmente messa da parte per esigenze sceniche. La West Area Computing Unit, per esempio, è ancora attiva nel 1961 e le leggi segregazioniste sono in vigore anche all’interno della NASA, tanto che Katherine Johnson, magistralmente interpretata da Taraji P. Henson, dopo aver cominciato a lavorare nello Space Task Group è costretta a percorrere un chilometro a piedi per poter raggiungere l’unico bagno riservato alle persone di colore. Mary Jackson (Janelle Monáe) si rivolge addirittura a un tribunale dello stato della Virginia per poter seguire i corsi serali che le consentiranno di diventare ingegnere, quando in realtà – come abbiamo visto – si era limitata a chiedere un permesso speciale al comune di Hampton, mentre i lavoratori bianchi del Langley Research Center sono dipinti come più razzisti di quanto non fossero in realtà; su tutti Paul Stafford, l’odioso ingegnere capo dello Space Task Group, interpretato dall’ottimo Jim ‘Sheldon Cooper’ Parsons. Insomma, gli sceneggiatori hanno scelto di accentuare le difficoltà e gli ostacoli delle protagoniste in modo da dare più risalto al loro coraggio e alla loro tenacia, a discapito dell’accuratezza storica. Tali libertà narrative, che sarebbero state inaccettabili in un documentario, sono però perfettamente comprensibili in un film come questo, e anzi ne costituiscono uno dei punti di forza. In questo modo l’impatto emotivo della storia è decisamente più forte e il film riesce, in sole due ore, a trasmettere tutta la sofferenza e la tensione dietro decenni di segregazione razziale. Per queste ragioni, Il diritto di contare è sicuramente un film riuscito, in grado di rendere perfettamente l’atmosfera di un periodo storico estremamente complesso, in cui le tensioni politiche della guerra fredda si intrecciano con le speranze della corsa allo spazio e la stupidità del razzismo non può che fare un passo indietro di fronte al genio di tre donne eccezionali.

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…A nosotros como espectadores también nos llena el alma ver películas como Hidden Figures. Aun siendo inofensivas, son importantes. Aun arriesgándose a ser inocentes y casi fantásticas (es una adaptación, y las mismas no pueden ser 100% fieles a la realidad), logran el objetivo primordial: reconocer la historia y permitirnos conocer personajes admirables que deberían ser nuestros ideales. Hoy el racismo es un hecho, no tan marcado como hace cincuenta años pero tampoco es un hecho menor. Pensar que estos ideales pueden ser mujeres afroamericanas será algo difícil de aceptar y, para algunos, será hasta vergonzoso. Pero quizás el espectador común podría aprender a cambiar un poco su mentalidad y ser más tolerante. Si este es un objetivo de quienes hicieron Hidden Figures, estoy seguro que de alguna forma y en alguna medida, será logrado.

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…La película es, como casi todos sus personajes, adorable. Es divertida, graciosa, tiene un gran ritmo y consigue su objetivo ideológico de punta a punta. El racismo y el machismo de aquella época hoy se ve como algo tan absurdo que no hay riesgo alguno en atacarlo y pasarle por encima. No hay polémicas en la película, todos estamos del mismo lado. Sí hay conflictos, angustia, pero que transcurra en el pasado ayuda a sentirse menos preocupado. Claro que funciona como una denuncia de la actualidad, pero jamás es agresiva y, tal vez por eso, muchísimo más efectiva. 
Es imposible no querer a las tres protagonistas, es complicado no lagrimear frente a los grandes momentos de la película, está fuera de discusión que cuando aparece Kevin Costner todos sabemos que es para hacer el bien y nada más que el bien. Esta no es la clase de películas que suele recibir premios porque el público es su gran objetivo. Pero si la coyuntura política le da nominaciones a Talentos ocultos y no a otros bodrios bajadores de línea de años anteriores, bienvenidos sean los premios. Gane o pierda, el objetivo político y cinematográfico lo logró con creces. Y sí, está basada en una historia real, lo que nos advierte con tiempo que debemos reservar nuestros pañuelos para el momento en el cual aparezcan los títulos del final con fotos y todo lo que uno imagina.

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…il film non vende la sua anima, morde a più riprese mostrandoci tutti i modi più sottili in cui si manifesta il razzismo, anche nei modi apparentemente gentili di una Kirsten Dunst, o in quelli più spietati di Jim Parsons, e mostra poi la bellezza e l'importanza della matematica con tutto il suo fascino, e qui, gioca un ruolo importante e salvifico, un redivivo Kevin Kostner.
Aiuta così una colonna sonora decisamente black e decisamente anni '60 che pare uscita e curata da un episodio di Scandal, aiuta una ricostruzione degli abiti e delle scenografie di quegli anni davvero impeccabili.
Aiuta soprattutto una regia frizzante, che sa quando permettersi siparietti più leggeri tra tensioni innegabili, che sa evidenziare e sottolineare bene il periodo storico, l'importanza delle missioni speciali.
A fare la differenza, ovviamente, il trio di protagoniste d'eccezione dove alla candidata agli Oscar Octavia Spencer, più marginale, si preferisce la camaleontica Taraji P. Henson, vera sorpresa rispetto al ruolo tamarro interpretato nella serie Empire e la volitiva e combattiva Janelle Monáe, che dopo la piccola presenza in Moonlight è ormai lanciata nell'olimpo di Hollywood.
Così facendo, Il diritto di contare è un film che si mantiene in perfetto equilibrio tra film educativo e di intrattenimento, tra film informativo e di denuncia. E raccontando la storia di chi è rimasto per troppo tempo nell'ombra, senza diritti, appare tristemente e purtroppo, attuale.

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Holy water - Tom Reeve

un film divertente, a volte, ma non imprescindibile.

una curiosità: Susan Lynch aveva lavorato (tra gli altri film) in Svegliati Ned, che era un film migliore - Ismaele

This fatally unfunny Irish comedy doesn’t raise a single laugh from its silly conceit of four rural Irish blokes deciding to lift themselves out of a financial rut by hijacking a lorry full of Viagra and reselling it to the sexually needy. Their plans go wrong of course: they hide several barrels of the little blue pills down a well and the arousing chemical starts to leak into the village’s water supply which, inevitably, causes something to stir in the trousers of the folk in their sleepy hamlet.
Sounds hilarious? It’s not. The scriptwriters don’t understand that the sight of lots of people feeling a little horny isn’t in itself amusing – yet we have to bear umpteen nods, winks and naughty smiles (although, oddly, not a hint of an erection, presumably for certification reasons, which undermines the whole idea). Matters are made even worse when Linda Hamilton – yes, her from ‘The Terminator’ – turns up as a cartoon American cop on the trail of these amateur criminals. ‘Make mine a stiff one,’ says one of the cast. Me too, after watching this coy drivel. 

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…Una regia incerta e una sceneggiatura superficiale lasciano i protagonisti, quattro buzzurri proletari, un po’ allo sbando. Mediamente simpatici ma nessuno dotato di una verve particolare, si barcamenano in una storia che di verosimile ha poco mentre tutto l’inverosimile restante non diverte. C’è la retorica e la morale, una vicenda che oscilla tra la commedia acida e la farsa senza prendersi alcuna responsabilità verso nessuna delle due direzioni, così si hanno siparietti da film demenziale – gli americani che piombano a indagare sul furto per conto della Pfizer sono ritratti come dei pupazzi J-Joe, caricature senza spessore – momenti di ritrita ironia su aplomb inglese  e cialtroneria americania e la facile contrapposizione dei due mondi, quello rurale depresso ma carico di valori umani, e quello disumanizzato e ridicolo degli ipertecnologicizzati investigatori che sembrano piovuti da un altro pianeta.  Il tutto poco amalgamato, il film procede fiacco e non osa, si dilunga nella prima parte annacquandosi con una comicità dal sapore della barzelletta raccontata per la decima volta, salvo poi non aver coraggio nel mostrare in maniera convincente la trasformazione dei bolsi paesani in assatanati da sesso.   Non c’è ritmo, non c’è precisione nei tempi della commedia, alla storia non ci si crede neppure un po’ e sembra non crederci neppure il regista che tratta il tutto in maniera superficiale e scontata, andando anche a edulcorare quegli aspetti surreali che avrebbero arricchito la vicenda. Soprattutto quando si arriva al dunque e si dovrebbe ridere, non si ride. Una disfunzione ilare che si accorda in pieno con tema, questo film soffre di ansia da prestazione nei confronti dei capisaldi del genere ai quali fa riferimento ma non c’è pillola che possa risollevare certe mancanze di talento…

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… Forse si sarebbe potuta tagliare una buona mezz’ora di film, ma ciò non toglie che, sebbene la qualità non sia il massimo, “Holy Water” non possa comunque divertire il pubblico. La personalità dell’irlandese viene spesso rimarcata, tra la birra onnipresente e battute sugli americani e gli inglesi. L’Inghilterra, infatti, non è vista di buon occhio: “Cosa c’è di peggio dell’Inghilterra? L’America!” si dicono i protagonisti, mentre la prospettiva per il futuro diventa Amsterdam, insieme al carico di Viagra. “Holy Water” ci racconta una storia sopra le righe e ci mostra personaggi bizzarri, ma forse dipinti con pennellate troppo leggere, tanto da non scavare a fondo nelle loro personalità che, se approfondite, potrebbero risultare un prodotto davvero interessante ed ancor più comico. Tanto per concludere, la pellicola scorre, a tratti s’inceppa, ma di certo non arriva tanto in basso da essere considerata pessima. Rischia, per poco, ma si salva in calcio d’angolo.

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Jackie – Pablo Larraín

un film strano, questo di Pablo Larraín.
per la prima volta gioca in trasferta, come qualche tempo prima è capitato a Denis Villeneuve, e Pablo sceglie una storia che non è laterale, ma entra subito nel vivo di quel paese.
i giorni dopo l'omicidio di JFK, ma senza parlare di John, è ormai morto, è Jackie, la first lady a parlare di lui, parlando di lei.
tutto parte da un'intervista, che diventa il film.
immagini straordinarie, epiche, casalinghe, pubbliche, tutte inestricabili.
il film resta freddo, e bellissimo, ma forse partendo dal Cile Pablo ha perso qualcosa, ma tutto, forse, dipende dalle aspettative.
un ruolo importante hanno le musiche di Mica Levi, quando all'inizio del film la macchina corre subito dopo lo sparo ho pensato alla Cavalcata delle Valchirie di Apocalypse now.
un film che merita molto, di livello davvero di un altro pianeta, ma preferisco il Pablo Larraín cileno - Ismaele

Ecco qui l’articolo di Theodore H. White, apparso su Life il 6 dicembre 1963

ed ecco le immagini vere:

…La protagonista è infatti segnata su più livelli dal dramma della perdita e quindi dalla ricerca di simulacri materiali del possesso: per ciò il film dedica particolare attenzione agli oggetti, agli abiti, ai gioielli e alla spoliazione progressiva della Casa Bianca che avviene con il trasloco di ciò che resta dei Kennedy per lasciare posto alla nuova coppia presidenziale.

Larraín sceglie dunque di costruire il personaggio di Jackie a partire dal suo desiderio di autodeterminazione, inquadrandone il conflitto con le norme e i protocolli di stato (il rapporto con Bobby incarna questo dissidio) per ricavarsi uno spazio entro cui costruire un simbolico nuovo e decisamente molto contemporaneo, caratterizzato dalla spettacolarizzazione della tragedia.

Nel film si respira un’atmosfera inquietante intonata all’accordo che, a schermo nero, apre il film dandogli il “la”. La colonna sonora è stratificata, talvolta più intima, talvolta sontuosa e ingombrante come in un classico biopic di fattura hollywoodiana. Fondamentale è infine la canzonetta Camelot, utilizzata quale sintesi di quell’idealismo a stelle e strisce fortemente anticomunista che, tra immaginario “cavalleresco” e teoria della Nuova frontiera, la coppia Kennedy desiderava portare nel mondo.

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…Parvenant à nous faire vivre comme jamais l’assassinat de Kennedy, le réalisateur nous immerge auparavant au coeur de l’agitation « ordinaire » d’une visite officielle pour la Première Dame (l’arrivée du couple à Dallas apparaît être un documentaire). Il ancrera ensuite ses vertiges et devient l’étonnant témoin de ses prises de décision comme ne pas changer ses vêtements tachés de sang. Revenant sans cesse au dialogue premier, le montage laisse interrogatif tant il semble mettre en exergue les vertiges de la protagoniste sans jamais parvenir à les transcender – cela permet de sympathiques scènes de garde-robe dont les occurrences miroirs ne servent guère à grand chose. La musique jouera ce rôle, ancrant à son tour un dialogue, quelques fois contrastant, avec les images.

Si le scénario se veut intelligible au point d’être didactique, quelques lignes demeurent obscures comme un échange entre Jackie Kennedy et un prêtre. Mais l’écriture n’est qu’un prétexte à la performance. Et force est de constater que Pablo Larraín est un virtuose qui, sous les atours d’un biopic, questionne « la manipulation des images » (jusqu’à celles que nous avons de J.F.K. et de « Jackie ») dont on ne peut, heureusement, pas l’accuser.

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…Non c’è alcuna traccia di revisionismo  e critica alla presidenza Kennedy (Baia dei Porci, Vietnam), non si accenna mai ai tradimenti privati, alle molte storie di sesso e alle collusioni mafiose. A Larrain e Oppenheim evidentemente non interessa riconsiderare storiograficamente né John Kennedy né quel periodo (e va bene così), il loro focus restano Jackie e la costruzione da parte sua del mito Kennedy. Perché, ci viene suggerito, in fondo (anche) questo deve fare una moglie e una first lady, offrire alla storia l’immagine migliore e migliorata di se stessa e della propria famiglia. Anche al di là della verità. C’è un che di primitivo, di animale nella feroce forza di Jackie, nella sua determinazione, qualcosa di leonino, di tigresco, anche questo molto à la Larrain. Anche questo segno della radicale diversità del film. Larrain sbarca in America ma rimane se stesso, portandosi dietro il suo senso della Storia come tragedia ma anche come messinscena (esattamente come in No). Il film fa fatica a ritrovarsi nel finale, arranca lungo qualche minuto di troppo. Ma quando Jackie mette sul piatto la canzone del musical Camelot l’opera si è compiuta e ci è finalmente chiara. La corte di Artù si è reincarnata nella stagione kennediana alla Casa Bianca, il mito è costruito, la missione di Jackie compiuta. Da quel momento tutti crederanno al ritorno di Camelot e a lei come nuova Ginevra. (E basta questo finale per farci capire il bello e la potenza del musical più delle due ore e passa di La La Land).

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The treacherous Aegean sea - Hala Bou Saab

due ottimi film, in Palestina

stasera sono andato al Festival Al Ard e ho visto due film ottimi.

il primo film è:
Nevertheless, Al Quds" - Unai Aranzadi

un documentario distopico, che racconta di oggi, e non di domani.
in quel mondo uno fuori di testa può raccontare, e le leggi se le fa lui, che tutto quello che vede è suo, l'ha letto da qualche parte, e si può andare a casa della gente e prenderne possesso, sbattendo fuori i legittimi proprietari.
Dio me l'ha data e guai a chi la tocca, dicono lì, nel mondo reale gente così sarebbe sotto stretto controllo psichiatrico.
la realtà supera qualsiasi fantasia.

ecco il trailer:






il secondo film è:
The wanted 18 - Paul Cowan, Amer Shomali

non vi dico niente, solo che è un grande film, vedere per credere.
se vi piacerà la metà di quanto è piaciuto a me, vi piacerà moltissimo.
ecco il film completo:

Un po’ fiction, un po’ documentario, un po’ cartone animato, The Wanted 18, di Amer Shomali e Pal Cowan, è la storia, realmente accaduta, di 18 mucche ricercate dall’esercito israeliano nel paese palestinese di Beit Sahour che, durante la prima Intifada, ha provato a contrastare l’occupazione israeliana con il boicottaggio economico.

Una storia raccontata con ironia, usando la combinazione di animazione, interviste e ricostruzioni, candidata agli Oscar nella categoria delle pellicole in lingua straniera.

È stato “tremendo” usare l’umorismo per parlare della prima Intifada, ha spiegato Shomali, ma la formula a quanto pare ha funzionato e se il film strappa qualche risata, non si riduce di certo a una storiella comica. L’intenzione del fumettista-regista palestinese era di parlare di quei giorni di sollevazione popolare evitando di concentrarsi sui giovani palestinesi che lanciano pietre, l’immagine più associata alla prima Intifada…

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…Using stop-motion animation, interviews and drawings, The Wanted 18 captures the unbelievable moment in history with humour and depth. The animation provides an interesting touch as directors Amer Shomali and Paul Cowan frequently envision what the cows, four in particular, must have thought of being consider terrorist by their former homeland. While the directors have a lot of fun with the absurdity of the events, especially the 8 day search conducted by a hundred Israeli soldiers for the cows, The Wanted 18 is more than a farcical tale. It is a story about independence and the painful sacrifice that comes with it.

Shomali and Cowan capture the spirits of uprising by showing that the cows’ importance was more than mere milk producers. They were symbols of freedom and growth. They represented those who desired to end their oppression by being self-sufficient. The people of Beit Sahour knew that the conflict between Palestinians and Israelis was a much large and complex battle than simple issues of cattle. However, in their little corner of the resistance, the cows were the beacon of light that they could rally around to usher them out of the seemingly endless dark tunnel of their current existence…

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…The Wanted 18 is a unique take on the Israeli Palestine conflict. It shows in a light hearted and understated way how outlandish activities and positions can build up on both sides. The interviews are emotional while telling of the events many finding the period a high point in their lives. The directors though the use of the stop animation cows display how ones perspective can and would change based on the message you're being fed from either side of the wall. It is a film that I can definitely recommend.

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…There simply isn’t anything quite like The Wanted 18. It’s a true original. This ingenious documentary is often riotously entertaining thanks to the plucky humour of the cows, but it’s disarmingly moving, too, in its ability to morph these little mooers into agents of resistance. The talking cows share the same emotional and intellectual capacity that their human contemporaries enjoy—a point the film notes with one helpful interviewee—and The Wanted 18 builds to a climactic push as the cows offer the ultimate symbol for the stillborn future wrought by politics of oppression and violence. The Wanted 18 is one of the most entertaining and enlightening films you’ll see this year.

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…Rivka la pacifique, Ruth qui n’aime pas les palestiniens, Lola fan de Madonna et Goldie, la plus jeune, commentent les faits, revivent les événements et se font ainsi les portes parole de l’Histoire d’une manière plus récréative, sans pour autant diminuer la portée du propos. Hautement symboliques, ces ruminants pacifiques portent en eux l’esprit de révolte de palestiniens tout aussi pacifiques.

Habile combinaison d’animation image par image, d’illustrations, d’entrevues et de documents d’archive, Les 18 Fugitives est une œuvre dotée d’une appréciable originalité, à la fois dans la forme et dans le fond.

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