Colpo di spugna (Coup de torchon) - Bertrand Tavernier

Tavernier ambienta nel Senegal coloniale, nel periodo prima della seconda guerra mondiale, una storia di razzismo e colonialismo selvaggi. Noiret è una specie di sceriffo tonto e bonaccione, in un posto dove i neri valgono meno di una cassa da morto e si vede bene quale civiltà portano i francesi.
ma un giorno lo sceriffo esce fuori di testa, cioè comincia a fare quello che avrebbe voluto e non aveva mai fatto.
è un posto in cui tutti i bianchi fingono, una palude fetida per la corruzione, dove i bianchi meno peggio hanno la rogna, almeno.
forse è solo una specie di noir di noir di gente senza qualità, o magari uno sguardo sugli abissi della colonizzazione, o magari il riscatto di un giullare da niente, intanto è un film che di sicuro merita la visione - Ismaele

Gran film del lontano 1981 di un Tavernier nel suo momento migliore. Il quale prende un noiraccio di Jim Thompson, lurido e cattivo come si conviene, e lo traspone nell’Africa coloniale francese anni Trenta, aggiungendo ulteriori suggestioni malate e malsane. Un omuncolo chissà come diventato capo di polizia in un piccolo centro dominato dai francesi coloni e con una popolazione africana dai suddetti coloni vessata, viene continuamente dileggiato e per niente rispettato a causa della sua inettitudine. Finché passa al contrattacco e uccide quelli che lo umiliavano. Poi, in preda ormai alla hybris, continuerà ad ammazzare, sempre avendo l’accortezza di depistare le indagini e costruire indizi a carico di altri. La rivolta di un frustrato che genera guai a catena, l’esempio allarmante di cosa sia capace l’everyman (siamo negli anni Trenta mica per niente). Grandissimo cast: Philippe Noiret il protagonista, e Isabelle Huppert, Jean-Pierre Marielle, Stéphane Audrane.

da qui

…Con l'aiuto del ritrovato Aurenche dalla penna perfida e dall'immaginazione osé, Bernard Tavernier rilegge uno stralunato romanzo noir dell'americano Jim Thompson, "Pop. 1280" (n. 1000 nella serie "Carré Noir" di Gallimard), in chiave di puro surrealismo francese, tra Céline e Queneau. Thompson è già di per sé un autore oltranzista nel denso pastiche linguistico della sua prosa e oltraggioso nell'invenzione di personaggi irrimediabilmente out. Ma il Tavernier di "Coup de torchon" ci mette del suo a complicare una già fittissima ragnatela di pertinenze, spiazzando del tutto il nucleo originario del racconto e spostando l'azione dal profondo sud degli USA contemporanei a uno sperduto villaggio dell'Africa francese del 1938.
Siamo all'inizio del film: soggettiva su dei bambini neri africani affamati che rimestano il cibo nella sabbia, controcampo su uno stanco e disperato Lucien Cordier armato di pistola che li fissa immobile, poi la soggettiva segue un volo di avvoltoi fino all'inquadratura del sole in piena eclisse, infine scende la notte, che tutto avvolge in un'atmosfera rarefatta e angusta. Dopo aver indugiato sul nostro protagonista in procinto di svegliarsi, la macchina da presa ci presenta Bourkassa Ourbangui, lo sperduto paesino del Senegal con le milleduecentottanta anime del titolo del romanzo di Thompson: siamo situati nell'Africa occidentale francese, alla vigilia della seconda guerra mondiale, immersi in una natura dai colori metafisici e inquietanti che l'iperrealismo della fotografia sospende in uno spazio-tempo allusivo e metastorico, in un eterno ritorno dell'identico niente di buono, tra espressioni e implosioni di ogni forma vitale. Come annunciato da alcuni passanti per strada, è cominciata la fine del mondo, ma è cominciata già da sempre in una coincidenza tra l'alfa e l'omega, e si è già avviata anche la tragedia personale del protagonista. Cordier, capo della polizia francese di Bourkassa, è un vinto che sopravvive a se stesso e alla situazione.
Incassa, non reagisce, fa finta di non vedere e ripete ostinatamente: "Ho dei pensieri, delle preoccupazioni... Allora ho cominciato a riflettere, ho riflettuto e a forza di riflettere, finalmente, ho preso una decisione: ho deciso che non sapevo cosa fare..."…

da qui

… Inizio a guardare Colpo di spugna e non ci capisco un cazzo. Non riesco a capire se è un bel film, una schifezza, uno sferzante pamphlet girato in punta di cinepresa o una vaccata di rara nefandezza. Non è finita: non riesco neanche ad afferrare la posizione morale di Tavernier nei confronti del suo protagonista. Ci si mettono pure le strampalatissime musiche di Philippe Sarde e i destabilizzanti movimenti della steadycam da 30 kg. indossata da Pierre-William Glenn a confondermi le idee. Risultato: un film che più va avanti e più mi disorienta. Inizio a esultare scompostamente. E mi accorgo che la spirale di follia in cui è precipitato Lucien Cordier (Philippe Noiret, l’“attore biografico” di Tavernier) è la stessa in cui sono precipitato anch’io senza avvedermene (e nonostante abbia letto il romanzo di Jim Thompson da cui il film è tratto). Come diavolo è riuscito a spiazzarmi tanto questo film? Non soltanto per i suddetti motivi, suppongo, o per le stralunate interpretazioni di un cast d’eccezione che gioca fuori casa e fuori ruolo (Noiret ad esempio era spaventato da quanto fosse lontano da lui il personaggio che doveva interpretare); non soltanto per l’ambientazione decisamente straniante (l’Africa Occidentale Francese del 1938) o per il taglio ferocemente politico dell’intreccio (quanto razzismo e quanta intolleranza gronda dalle situazioni e dai dialoghi!), ma anche, e forse soprattutto, per un’idea di messa in scena di una semplicità micidiale. Man mano che la vicenda assume toni sempre più grotteschi e deliranti, le inquadrature (fino ad allora sistematicamente occupate da persone intente a fare qualcosa di concreto come mangiare, rassettare, giocare a biliardo, sbucciare un frutto e così via) si svuotano progressivamente di azioni e si riempiono proporzionalmente di persone che dialogano in spazi circoscritti e statici - una stretta veranda, sotto un albero, un piccolo salotto, un’angusta camera da letto – nei quali ci si interroga sul senso degli eventi, fino a raggiungere una disperata, volteggiante ammissione: “Non ha nessuna importanza perché, in ogni caso, sono già morto da tanto tempo”…

da qui

…Si Coup de torchon semble aussi une satire de la colonisation française, avec ses beaufs racistes (Guy Marchand) ou cruels (Victor Garrivier), ses militaires à côté de la plaque (François Perrot), ses prêtres paternalistes (Jean Champion), et son peuple soumis (Samba Mané), avec une domination culturelle flagrante (la projection de Mademoiselle Docteur), Tavernier et Aurenche suivent en fait d’autres pistes. Ils préfèrent décrire une petite communauté vivant en vase clos et passant progressivement d’une normalité en porte-à-faux à la confrontation à des événements étranges. Il baigne ainsi dans Coup de torchon, un climat poisseux et une tonalité presque surréaliste ou fantastique. Cette tendance apparaît dans certains dialogues, à l’instar des « Tu commences à m’ombrager » ou « Tu m’interlocutes » lancés par Nono (Eddy Mitchell). Mais elle est surtout au cœur du récit, qui voit surgir un faux fantôme ou un aveugle fou (Raymond Hermantier). Dans cette ambiance glauque, folle et belliqueuse, l’amour semble impossible et Cordier, autoproclamé nouveau Christ, ne le trouvera ni auprès de sa mégère infidèle (Stéphane Audran), ni de la femme fatale (Isabelle Huppert dans son premier rôle extraverti), ni de l’institutrice (Irène Skobline), seule incarnation de la pureté dans cet univers. Philippe Noiret trouve peut-être le meilleur rôle de sa carrière avec ce personnage de policier faible qui finira par vouloir incarner le bien en causant le mal. Admirablement filmé (les plans sur Huppert suivis d’un travelling, ou la caméra poursuivant la comédienne après un crime), Coup de torchon fut un succès retentissant suivi de dix nominations aux César dont aucune ne fut, hélas, concrétisée.

da qui

… I've picked out at least three stories in COUP DE TORCHON. The first is psychological, the second could be political, the third would love to be metaphysical. In 1938, in Bourkassa, a village of French West Africa comprising "Population 1,275" (the name of the celebrated Jim Thompson novel from which the film is adapted), the cop is called Lucien Cordier. He's a naive, spineless man, easy to hold up to ridicule. {Philippe} Noiret is the hero of the first story: his big body takes blows and doesn't return them, effaces itself. But Cordier is held in contempt by people themselves so evidently contemptible (Marielle as a pimp, Marchand as a soldier and Eddy Mitchell as a notorious parasite) that the spectator feels that all this is exaggerated, that there is an eel under the rock. And if Cordier wasn't so weak or naive? And if he cooked something up for us? (One knows the importance of cooking in {Bertrand} Tavernier's films.)

Effectively, a second  takes the relay of the first: Lucien Cordier sets himself to kill, without warning but without anger. We are here in the "even at the base of abjection he finds the force to rebel against an inadmissible situation" story. In this occurrence, the situation in Africa on the day before war, Bourkassa like a cabaret set, the intense mediocrity of colonial life, with its African zombies and its lost and repulsive little white men. Noiret is also the hero of this story. This time, it's his big body that gives blows and his intelligence that plans them. Oh good, says the relieved spectator: a little revolt, a little simplistic anti-colonialism is good. And at the same time, he's not convinced, the spectator; he says that in 1981, an anti-colonialist film is a little facile and almost retro. Today, a director, especially of the left, should go further, interrogate more deeply. (Look at Schlondorff.) And if Cordier wasn't only courageous and rebellious? And if Tavernier cooked us up something else?

So the third story tumbles down, the most ambitious of the three. The cabaret becomes very bloody and Cordier very talkative. Not weak, not naive, he gives a true course in Evil and negative theology for novices. All this explains itself: if the cop never arrests anyone, it's because, lucidly, he knows that all his little world is condemned - and him with it. So he would be, not one who kills nor one who saves, but one who destroys indifferently those who are already lost and who ignore it (from the ignoble Mercaillou to the good Negro Vendredi.) And when he kills, it's a little of himself that dies. Noiret is more than ever the hero of the story, a little chubby exterminating angel, certainly, but implacable. Beginning as a thick farce on the side of an African Clochermerle, COUP DE TORCHON would love to end on the side of the aces of error and redemption. On the side of Christians. Ford or Graham Greene, for example. In 1938, Tavernier tells us that the white man's burden (again!) was very heavy to carry. Thank God.

I again ask myself why these three stories set end to end don't manage to make a good film, at least a film. Why COUP DE TORCHON remains less troubling than its subject, less risky than old-fashioned, less dynamic than agitated. Why the direction in steadycam transforms the space into a rugby field and the characters into a confused mass, making the spectator seasick without moving him? I respond to myself…

dice Serge Daney

…This movie was based on a novel, Pop. 1280, by Jim Thompson. I haven’t read the book, but reader reviews of it call it hilarious and the blackest of Thompson’s many cynical musings on small town living. Despite what my description implies, this movie is extremely funny. But the murders are not, even when they could be filmed in something of a burlesque. This did not hurt the film, in my opinion. It was the uneven performance of Noiret that had me confused and ultimately unsold on the character of Cordier. Rose’s almost nymphomaniacal attraction to him is incomprehensible, though he tells her at one point that she is well suited to being a prostitute (perhaps because her standards are so low?). Noiret also does too good a job of covering up how smart Cordier really is. The change is far too jarring. Although Cordier suggested to me the character of Tom Ripley, the psychopathic killer created by novelist Patricia Highsmith, he just didn’t seem as fully fleshed…

da qui

…Coup de Torchon left me cold, unmoved and uninvolved. All I could find to admire was the craftsmanship.

That was after two viewings. I saw the film first at last November's Chicago Film Festival, and was not quite sure I had really engaged with the film. Was I missing something? I saw it again recently and had the same strange feeling that the events on the screen, even though they were so firmly grounded in a real location, were insubstantial. Despite the dust, despite the slow-moving muddy river, despite the dirty house dresses and the 5 o'clock shadow and the yawns and sudden fights and bawdy practical jokes, this movie never quite breathes. It's an exercise. You can admire an exercise, but it's hard to really care about one.

da qui

Trafic - Cãtãlin Mitulescu

In darkness – Agnieszka Holland

il film è dedicato a Marek Edelman.

il bravissimo protagonista del film è Robert Wieckiewicz, che interpreta Walesa nel film di Wajda.

Agnieszka Holland non aggiunge moltissimo, se hai visto 

Schindler's list, Il pianista e I dannati di Varsavia.

e però il film della Holland ha una sua personalità e necessità, rende bene i fatti storici, ti coinvolge e ti fa parteggiare.

non ti pentirai di averlo visto, promesso - Ismaele

…"In Darkness" non è un film facile e di facile digestione, ha bisogno di tutto il tempo e di tutta l'attenzione dello spettatore per entrare nella storia e in uno spazio così angusto. Ma una volta entrati è difficile uscirne.

da qui

…Ambientato quasi interamente in una città sotterranea, In Darkness trova il suo contrappunto nello spazio urbano emergente e in cui emerge Leopold, traghettatore e corriere sospeso tra il mondo di sotto e quello di sopra, dove giorno dopo giorno la macchina di distruzione perfeziona la sua intenzione. Le fognature di Leopoli esemplificano i percorsi di una ricerca di liberazione, i vicoli ciechi dell’autodistruzione, i bivi della perdizione, un labirinto in cui non è facile fiutare tracce di salvezza. L’underground narrato dalla Holland assume un valore universale e la dimensione di una parabola, per nulla buonista, in cui un uomo si consegna alla propria rinascita affrontando il rischio della morte. L’autrice restituisce con sensibilità e nessun sentimentalismo l’ambivalenza della doppia logica alla quale l’occupazione nazista ha condannato il protagonista, appeso tra una tormentata ribellione e una speranza di redenzione, indeciso se diventare custode di vita o pedina decisiva della mostruosità del potere. Ma Leopold Socha non si sottrae, diventando simbolo di una possibilità, invertendo la direzione degli eventi, facendosi ‘giusto’ tra i giusti. Agnieszka Holland col suo film compie un atto memoriale che non dimentica che la Storia è in primo luogo quello che gli uomini hanno fatto.

da qui

Un po' Schindler's list e un po' I dannati di Varsavia di Wayda. Il protagonista cinico e mediocre che trova la sua redenzione dapprima nello sfruttare gli ebrei per tornaconto fino a prendersi carico con enormi rischi della salvezza del gruppo. Il film della Holland vive alternativamente sulle dinamiche inferiore dei sottarranei fogniari e della superficie cittadina. Se nel film di Wajda si operava l'annientamento fisico e morale dell'individuo, le fogne pur nell'estremo contesto sono un rifugio migliore alla sicura morte che li aspetta in superficie. Tecnicamente ben curato anche se manca di originalità.

da qui

…La Holland si affida a uno stile mobile, di nervoso realismo psicologico, scosso sovente da momenti che evitano quasi sempre il melodramma ricattatorio, ma raramente trovano una strada davvero urgente e originale. Alcuni simbolismi sono risaputi: i topi delle fogne che sfiorano gli ebrei sono meno lesivi e fetidi dei tedeschi, il buio delle fogne è meno oscuro di quello che aleggia alla luce di uno spento sole, il parto e una nuova vita che un giorno subirà le ferite della Storia, il sesso (sequenze non sempre richieste) come valvola di uno sfogo impossibilitato in date circostante di trovare amore. Se nella sua antinomia, grazie a una prova davvero convincente di Robert Wieckiewicz, quella di Socha è una variazione riuscita di Schindler, la globalità dell'umanità sullo sfondo (tedeschi ed ebrei) è decorosa. Anche se, dopo una prolissa parte centrale, il film trova un colpo di coda nell'immersione acquatica delle fogne dove indubbiamente, pur essendo lontani dal Pianista polanskiano, la lotta dell'uomo per la sopravvivenza acquisisce finalmente un interesse che va al di là della più ovvia - ma comunque doverosa - indignazione.

da qui

Aurora – Cristi Puiu

una cronaca, la cinepresa segue Viorel, uno che ha un'ossessione e ha preso la sua decisione.
non ce la fa più, e lentamente, senza lasciare quasi niente al caso, compie le azioni che si era prefissato, in modo tranquillo, e altrettanto tranquillamente si consegna alla polizia.
una resa dei conti, di un uomo che non vede altre strade,
in tutto il film non c'è un sorriso, e neanche un'immagine che possa lasciare una speranza.
a Viorel non lo ferma niente e nessuno, decide lui quando fermarsi.
film lungo, per chi ha fretta, durata giusta per gli altri, in realtà la cinepresa segue Viorel, e i tempi sono i suoi, mica del regista (che, tra l'altro, i due sono la stessa persona) - Ismaele

…Secondo tassello delle “Sei storie dalla periferia di Bucarest” (progetto che il regista rumeno ha ideato pensando naturalmente a Rohmer), Aurora potrebbe diventare tra qualche anno film-manifesto di un nuovo corso cinematografico, che trova nella contrapposizione tra adesione al reale ed esasperazione del nulla la chiave su cui fondare il racconto dell’ambiguità umana svincolandosi da qualsiasi demarcazione Bene vs. Male, definitivamente sepolti da Puiu. Che in qualche modo, già in fase di scrittura, scommette su un azzardo estremo: 181′ per inquadrare il disagio esistenziale di un uomo alla deriva, mostrarne minuziosamente e ripetitivamente anche i gesti più insignificanti (lo spostare gli oggetti in maniera ossessiva, il muoversi senza apparente motivo da una stanza all’altra, lasciandolo spesso fuori campo, o seminascosto dietro porte socchiuse), per arrivare alla dissacrazione del “mito cinematografico” dell’omicidio, atto non più drammatico e/o spettacolare ma triviale e senza pathos, alla portata di chiunque. Restare impuniti o trovare, come nel caso di Viorel, poliziotti che ascoltano con noncurante tranquillità tutto quello che è successo, alla fine, farà davvero poca differenza…

da qui

… Con un’ironia amara nel cogliere le contraddizioni dell’umano che lo avvicina a Emil Cioran – il filosofo rumeno di nascita ma francese di scrittura che condivideva la filosofia dell’assurdo del suo connazionale Eugène Ionesco – Puiu racconta della trasformazione di un uomo ad assassino, testimoniando la non eccezionalità dell’evento grazie all’integrazione della storia intima del personaggio nella preparazione del crimine ed eliminando dalla stessa ogni tentazione di spettacolarità ponendo nel contempo molte domande cui offre pochissime risposte, tutte lasciate allo spettatore.
Il suo scopo non appare altro che quello di raccontare un evento quanto il naturale passaggio del suo personaggio da uno stato all’altro. E quando l’evento si verificherà, Puiu continuerà a trattarlo non da climax quanto da ulteriore elemento della storia, come parte anomala della routine quotidiana del personaggio.
Il film si concluderà dopo tre ore che non si sentono affatto con un esito kafkiano che ricorda per ambientazione e tono quello amaramente esilarante e grottesco di “Politist, adjectiv” di Corneliu Porumboiu…

da qui

La festa perduta – Pier Giuseppe Murgia

quattro anni fa avevo scritto qui

un film praticamente introvabile, finché non lo ristampano o un'anima pia lo mette in rete.

io ho avuto la fortuna di vederlo, in una copia di una registrazione di non so quando, dalla Rai, trovato in una cineteca.
è uno dei primi film sul terrorismo, e ce n'è per tutti, per terroristi e polizia, scomodo per tutti, terroristi e polizia, forse per questo è "sparito" (neanche un trailer si trova in rete).
siamo nel 1977, nel passaggio dalla contestazione alla lotta armata, ed il film è di una chiarezza e di una sincerità uniche.
ci sono molte cose interessanti dentro, delle piccole storie laterali.
peccato che il regista sia famoso per dei film inguardabili e non per questo.
è un film che merita molto, a me è piaciuto moltissimo, auguro a tutti di riuscire a vederlo, poi giudicherete.
-------------------------------------------------------------

l'anima pia è arrivata, ed ecco il film completo:

Train to Busan - Yeon Sang-ho

una storia di zombie come tante, diranno i miei venticinque lettori.

e invece no.

protagonista è una bambina, Soo-an, che deve capire tutto in poche ore, su un treno lanciato a bomba sulla Corea, da Seoul a Busan.

l'invasione esponenziale degli zombie è fuori controllo, e su un treno è difficile restare a distanza di morso.

ma qualcuno ci riuscirà, e la vita per loro avrà un nuovo inizio, all'uscita del tunnel.

di sicuro un film miglior di quello che ti aspetti, non trascurarlo - Ismaele

…Per il protagonista Seok-wu, detestabile workaholic del mondo della finanza, l'apocalisse zombi diviene un processo di apprendimento, che lo porta dalla massima espressione di una logica "cane-mangia-cane" al suo opposto. Ma Romero non è l'unica influenza che porta a Train to Busan: se il treno della disparità sociale richiama infatti quello del più celebrato regista sudcoreano attuale, ossia Snowpiercer di Bong Joon-ho, alla base dell'incidente e del comportamento dei personaggi più negativi del film di Yeon c'è il naufragio del traghetto Sewol, un disastro in cui hanno perso la vita trecento persone e in cui i media hanno recitato un ruolo di tragica complicità con le multinazionali responsabili.
Per Yeon la transizione dal cinema di animazione a quello live action si rivela quindi un passaggio indolore, che gli permette di sostituire ciò che non può più filmare per ragioni di budget con la capacità di sfruttare le intense performance dei suoi attori. Su tutti spicca il personaggio del caratterista Ma Dong-seok, quasi uno stereotipo del rozzo (ma di "buon cuore") uomo del popolo, che diviene il protagonista morale della storia. Nonostante un finale incolore e che avrebbe giovato di una maggiore sintesi, Train to Busan resta un momento di divertimento e insieme di riflessione da consigliare e non sottovalutare.

da qui

… Métaphore grossière mais délectable de nos sociétés, le microsome appréhendé et mis à mal par Yeon Sang-Ho se dessine comme un bestiaire du genre humain, entre lâcheté et égocentrisme des uns, et l’héroïsme sacrificiel des autres. Si la finalité de l’action n’a que peu d’importance – après tout les personnages cherchent bêtement à sauver leur peau pour ne pas finir en pâtée à zombies – l’écho que confère la réalisateur à la narration est quant à lui éclairant jusque dans la caractérisation des mort-vivants dont l’aveuglement et l’agitation (digne de poules fraichement égorgées) est une critique limpide d’un aveuglement généralisé de la population sud-coréenne (et pas que).

Fort de son expérience du cinéma d’animation, Yeon Sang-Ho pense habilement son découpage tout en travaillant avec soin l’hypothèse sonore afin d’exacerber notre tension tout en ne cessant de nous surprendre. Il dirige avec brio une brochette de comédiens dont le ponctuel surjeu est impayable. Et bien que le film se morde quelque peu la queue dans sa résolution, nous en demendons encore !

da qui/

…Train To Busan es vibrante, una película donde la acción te persigue sin tregua consiguiendo una primera hora que te deja sin aliento. Si es verdad que en su segunda parte baja el listón-quizás demasiado- en lo que acción se refiere y se centra mas en el drama social de esa gente que quiere sobrevivir cueste lo que cueste. El fallo posiblemente del film es que es un cambio de ritmo brutal entre una parte y otra, creo que tendría que estar dosificado esos ritmos durante toda la película.
Train To Busan es un titulo para el entretenimiento que hará disfrutar a -casi-todo los amantes de la acción pero a la que no le falta su crítica a una sociedad cada vez mas egoísta.

da qui

… Il risultato è una specie di Snowpiercer più casinista e con meno pretese, ma soprattutto è quel che sarebbe stato bello trovare in World War Z: un horror d'azione teso, divertente, sanguinario, appassionante, pieno di piccole idee azzeccate nella messa in scena, senza alcun riguardo nell'insozzare di sangue i sedili del treno, privo di pudore nell'uccidere i suoi personaggi e comunque sempre attento a non perdere di vista quel che vuole raccontare. Al centro di tutto c'è il dramma familiare di un padre in viaggio con la figlioletta (e chiaramente, da neo padre di figlioletta, ci sono cascato con tutti i piedi), ma si aggiungono diversi personaggi azzeccati e c'è un giocare semplice, ma efficacissimo, sulla discriminazione sociale e su quanto, nelle situazioni peggiori, la logica del gruppo possa spingere a tirare fuori il fango nascosto nel cuore di chiunque. È un filmetto semplice, riuscito, divertente, messo in scena come si deve, che per una buona metà della sua durata non sbaglia un colpo e anche quando si lascia un po' andare intrattiene con gusto fino alla fine, senza mai diventare cretino. Avercene.

da qui

…una fábula de supervivencia, del nacimiento de un padre, de crecimiento personal tanto para él como para su hija, de cómo un hombre comprende que su rol en la sociedad es mucho más que el resultado de su trabajo, de reconocer en la sonrisa de su hija que su vida nunca estuvo tan completa.

De fondo, la manada de zombies que atiborran la pantalla durante todo el metraje no son más que el medio, la frontera que nos sumerge en la ficción, pero que de manera críptica esconden todos los miedos y fantasmas de Seok Woo, toda la infancia perdida lejos de su padre de Soo-an. Además, la concepción y evolución de los infectados están muy lejos de las risas del espectador, siendo estos capaces de generar un terror real que traspasa la pantalla. El hecho de no profundizar en el origen del virus también es un gran acierto y reafirma la intención del director a la hora de darle prioridad al verdadero hilo narrativo. Pero ningún mensaje sería suficiente sin el trabajo experto de efectos especiales, el gran tratamiento de la historia, la conmovedora música incidental y el sobresaliente trabajo actoral, tanto de protagónicos como de secundarios, en donde cada uno permite identificarnos con su comportamiento y evaluar nuestra postura ante cada uno de los sucesos, donde sin duda la pequeña Kim Soo-an se roba la pantalla.

‘Train to Busan’ demuestra que, aunque parezca una paradoja, el sub género zombie no está muerto, sólo hacen falta buenas ideas y espectadores que nunca dejen de creer.

da qui

…Le quasi due ore della pellicola passano come un ruscello impetuoso ed in piena: tensione sempre alta, scene di grandissima spettacolarità, il giusto pizzico di ironia, una morale ben riscontrabile, buoni e cattivi scolpiti nella pietra grazie ad una caratterizzazione che non lascia spazio all'ambiguità, qualche sfumatura da melodramma, convergono nei canoni del più classico degli zombie movies, facendo di Train to Busan un lavoro di genere solido, tecnicamente inappuntabile con un cast di primo ordine…

da qui

Moonlight - Barry Jenkins

Chiron è un ragazzino timido e fifone e il branco non gli dà tregua.

Juan (uno straordinario Mahershala Ali, candidato all'Oscar) lo trova e lo protegge, lo tratta come il figlio che non ha avuto e come il bambino che avrebbe potuto essere.

Chiron non lo dimenticherà mai, e diventerà come lui, e non dimenticherà Kevin, l'amico di quando era bambino, e quindi per sempre, e si ricorda della madre, pessima madre, Chiron non dimentica.

Moonlight non è film di sesso, è solo su quella forma d'amore che riesce ad essere l'amicizia, e su come un bambino diventa uomo, in un ambiente difficile.
un gran bel film - Ismaele 

Buffo che Moonlight venga presentato come la storia di un afroamericano gay cresciuto nei sobborghi di Miami, perché se c'è una cosa che il regista Barry Jenkins evita accuratamente è proprio la categorizzazione. Il protagonista Chiron fin da bambino si fa delle domande riguardo al suo orientamento sessuale, domandandosi perché i suoi amici lo chiamino "frocio", ma il suo amico e padre acquisito Juan lo tranquillizza: non devi darti una risposta adesso, lo capirai quando sarà il momento. Un insegnamento che Chiron interiorizza e si porta appresso fin nell'età adulta.

Ma anche Chiron, come tutti, ha un disperato bisogno di appartenenza, ed è qui che entra in gioco la sua identità "black", dato incontrovertibile, immutabile e, a differenza dell'orientamento sessuale, impossibile da occultare. Si trasforma così nel prototipo del suo persecutore: un thug dal fisico immenso, dentatura d'oro posticcia e mascolinità granitica, fiero della sua auto sportiva nella quale rimbombano i bassi micidiali della musica rap. Soltanto chi lo ha conosciuto nell'età in cui era più fragile può rendersi conto dell'assurdità di quel travestimento, e metterlo di fronte al fatto che, nonostante i denti d'oro e quell'aria da re della malavita, in fondo è rimasto quello di un tempo…

da qui

… gli obiettivi di Jenkins avrebbero avuto più forza se il suo film fosse alleggerito dall’ingenua attenzione all’elemento poetico, al simbolo manifesto, al quadro statico di rarefatta bellezza. La saturazione cromatica, la colonna sonora ridondante (anche se l’attimo con la voce di Caetano Veloso è di una forza disarmante) e l’onirismo ricercato sono elementi che tirano in ballo la lezione di Schnabel, (Prima che sia notte, per troppe ragioni, è un riferimento cinematografico fin troppo evidente) figura che, in diversi punti, arriva a essere anche ingombrante. Nonostante ciò, il tentativo di Jenkins ha dalla sua il coraggio di non frenarsi, lasciando, alla fine, totalmente libera la forza emotiva di un piccolo, semplice, racconto sentimentale.

da qui

…La parte finale della riconciliazione con sé stessi e con il mondo attraverso il primo amore – ma sarà stato amore? – sfuma il poetico in una scrittura orchestrata – ricattatoria – ad arte di retorica per farne parlare bene a tutti i costi. Un film straordinario quando si serve dell’ordinarietà per far leggere tra le righe l’universalità dei temi. Arrogante quando vuole essere straordinario a tutti i costi.

da qui

… Emotionally and thematically, Moonlight addresses universal subjects: bullying, coming to grips with one’s sexual identity, and navigating the treacherous waters of adolescence to emerge into adulthood. The specifics of Chiron’s environment and culture may be foreign but Jenkins identifies touchstones that are common across races, genders, and socio-economic strata. The use of three episodes develops Chiron in ways that a more traditional screenplay might not be able to do. If the story’s trajectory seems familiar, that’s because Moonlight is grounded in real, common occurrences. Its power comes not through surprising and unexpected narrative developments but as a result of our identification with the characters. That’s a rare and welcome thing for a movie to achieve.

da qui

…Dove però Moonlight frana senza possibilità di appello è nel terzo capitolo, che ci mostra l’inopinata metamorfosi di Chiron da esile bambino e ragazzino introverso, almeno sino ad una sacrosanta reazione in ambito scolastico, in palestrato spacciatore adulto che ritrova il primo amore omosex della propria adolescenza. Sorvolando sulla superficialità da soap opera con cui viene trattata la delicata tematica in un microcosmo da strada dove mai lo status di omosessuale può e potrà essere accettato, resta la spiacevole sensazione di un’opera capace solamente di piangersi addosso a proposito dei cosiddetti percorsi di vita “obbligati”, invece che fornire agli spettatori un solare esempio di resistenza umana alla sofferenza della discriminazione.

da qui/

… Lo primero que me atrajo de la obra de Barry Jenkins fue su sutileza a la hora de tratar sus temas. No estamos ante una obra reivindicativa al uso, no pretende serlo en absoluto. En comparación con los demás nominados a los Oscars como Figuras ocultas, la temática afroamericana de la que aparentemente hace gala (al menos por el boca a boca) queda relegada a mero contexto. Moonlight es la historia de Sharonne, la cual nos es contada desde su infancia hasta su madurez. La película abandera sus temas sociales sin pretensión alguna; realmente, no se llegan a percibir como tales, sino que simplemente enmarcan los límites de la obra. En cierto sentido, va más allá de cualquier película del estilo, pues no proclama cual pancarta por los derechos de los afroamericanos, sino que universaliza de tal manera su historia que poner a un hombre blanco o uno de color no afectaría en absoluto a la historia, de ahí su magia. No obvia en absoluto la precaria situación de los ghettos norteamericanos y el peligro de las drogas, pero no busca clamar al cielo por una mayor justicia, sino que refleja la situación y enmarca sus acciones en ellas, lo cual convierte esta película en una obra de una honestidad encomiable.

Lo mismo ocurre con el asunto homosexual. Moonlight asume la validez de esta inclinación y prefiere contar una preciosa historia de amor a través del tiempo antes que una guerra social. En ese sentido, se acerca obras como La vida de Adèle y se aleja de Hollywood, más propenso a obras como Philadelphia o Mi nombre es Harvey Milk. Esto le aporta a la película un carácter íntimo que, unido a su sinceridad, hacen de Moonlight una obra refrescante. De nuevo, no termina de desligarse del tema social. Jenkins liga la homofobia al acoso escolar que sufre Sharonne durante su infancia y adolescencia, pero no son tanto un fin como un medio para retratar los baches en la vida del protagonista, pues, como mencioné al principio, esta película trata en última instancia sobre el proceso de crecer y de alcanzar la madurez, conformar tu identidad, ya sea creandote  falsos escudos o sobreponiendote a la adversidad. No es rompedor ni mucho menos novedoso, pero si que le otorga a la cinta ese toque especial que la hace destacable: sinceridad, amor, intimidad… corazón…

da qui

…La tripartizione narrativa che Jenkins sceglie per raccontarci la storia di Chiron convince ben poco: anzitutto i tre segmenti appaiono troppo slegati tra loro  e solo la bravura dei tre attori sembra essere l'unico collante; inoltre il regista di affida troppo a stereotipi fin troppo abusati come se raccontare la storia di un ragazzo di colore, probabilmente gay, emarginato e con una madre drogata non fosse già sufficiente per cadere nelle facili trappole narrative.

In certi momenti poi il film si ammanta di una poeticità forzata, veicolata sempre da un formalismo stilistico che poco si compenetra con una storia che vorrebbe essere una battaglia eterna tra il marciume e la redenzione personale. 

Dei tre segmenti di cui è composto il film, quello finale incentrato sull'incontro tra il protagonista e Kevin, l'amico di un tempo che girò lo sguardo di fronte al pestaggio subito da Chiron, è certamente, come detto, il migliore: il riaffiorare di una amicizia che condusse i due adolescenti ad esplorare la loro identità sessuale è per il protagonista l'innesco per comprendere la sua inadeguatezza presente e , stavolta in modo forte e spontaneo, la vena poetica sembra affiorare senza formalismi stilistici…

da qui