Binta y la gran idea - Javier Fesser

Skhizein - Jérémy Clapin

Birdman - Alejandro González Iñárritu

film osannato e pronto all'Oscar, difficile trovare qualcuno che ne parla meno che bene.
e però.
grande musica, grande fotografia, attori non male, Michael Keaton senza rivali, Edward Norton anche fastidioso per quanto interpreti Edward Norton, e quando è apparsa Emma Stone mi è sembrata presa di peso da uno dei quadri di "Big eyes", l'ultimo film di Tim Burton.
Iñárritu è un virtuoso della macchina da presa e il fatto di girare il film come se fosse un unico piano sequenza lo conferma.
la storia ha quel lieto fine che non dispiace agli Oscar.
e però.
leggo di paragoni improponibili, come quello con "Sinecdoche, New York" (nel film di Kaufman si respirava molta meno finzione che qui), o con "Venere in pelliccia", di Polanski (dove la con-fusione fra vita e teatro è su un altro e diverso livello).
e la storia delle visualizzazioni del video su youtube mi sembrata un po' così, e quella del critico prevenuto, Tabitha, per mostrare la bravura di Michael Keaton.
tuttavia, dopo queste piccole insoddisfazioni, alla fine mi è rimasta l'impressione di un grande film, più tecnica che cuore, magari, e però occhi e orecchie godranno nella visione del film - Ismaele






…Vedendo Birdman la prima cosa che viene in mente è che a livello di casting Inarritu è stato un gran furbone.

E' semplice, troppo semplice, forse addirittura banale ( in realtà non c'è nulla di banale in questo film) leggere la storia del vero Michael Keaton nelle pieghe della sceneggiatura e della storia dell'uomo pennuto.
Attore che più di venti anni fa ha conosciuto la fama vera e i soldi grazie a un supereroe e ultimamente un po' in disarmo, o meglio un po' in disparte rispetto al cinema di prima fila.
Colpo di genio o ruffianata megagalattica?
Mmm non so, però si nota anche che il resto del cast che sale su quel palco interpreta più o meno se stesso, in special modo uno come Edward Norton, anche lui un passato come supereroe e un presente piuttosto nebuloso a livello attoriale visto il suo talento immenso utilizzato non propriamente al meglio, che recita semplicemente se stesso e tutto il suo armamentario di bizze che lo contraddistinguono.
Naomi Watts nella parte della gatta morta ci sta benissimo e anche Emma Stone nei panni della ex tossica.
Ma Birdman non è solo cast: è uno di quei film in cui Hollywood parla di se stessa e si diverte a idolatrare Broadway, palestra di vita e di recitazione di molte delle star che arrivano a incassare milioni e milioni grazie ai blockbuster.

Insomma quel metacinema che piace ai critici esplorato a più livelli e anche una visione abbastanza denigratoria sul cinema che oggi incassa, quello dei supereroi, vera e propria monnezza multimiliardaria.
Accanto a tutto questo la riflessione sull'artista e sul ruolo che recita, sul legame che si stabilisce tra l'attore e il successo visto come una droga a cui non si può rinunciare, che crea una dipendenza fisica oltre che intellettiva.
Il successo come il denaro sta in brutti posti: puoi recitare Carver come nessuno ha mai fatto prima e non ti si cagherà nessuno, passeggi in mutande per Broadway e grazie alla YouTube generation e ai suoi milioni di visualizzazioni diventerai una celebrità…

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… Birdman racconta di un uomo che vuole dimostrare a tutti (ma anche a sè stesso) di valere di più del successo, fragoroso, che ha avuto in passato.
Quel successo raggiunto interpretando, come assoluto protagonista, 3 episodi di un blockbuster supereroistico, Birdman.
Ma quel personaggio, quel Birdman, non l'abbandona, neanche dopo tutti questi anni.
E Inarritu racconta del conflitto interiore (esplicitato da "dialoghi" tra Keaton e la voice off di Birdman) che può colpire un artista che cerca disperatamente di dimostrarsi (e riconoscersi) vero attore, scrittore e regista teatrale resistendo alla tentazione di non ricercare soldi facili con un nuovo episodio della saga, qualitativamente pari a zero, che gli diede tutto il successo.
Un uomo profondamente insicuro, pessimo marito e pessimo padre, un uomo sull'orlo dell'abisso. E quell'abisso è nascosto dentro le quinte teatrali di un allestimento che gli darà tutto o niente. Riggan ha ancora tanto di Birdman dentro, e non lo testimonia soltanto la presenza costante e inquietante della voce del personaggio che lo tormenta, ma anche l'immaginarsi di possedere poteri speciali veri e propri. Riggan ha bisogno di questo spettacolo, e di avere successo, per affrancarsi definitivamente di Birdman, per ucciderlo…

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… Dal lato tecnico, l'ambizioso Iñárritu dimostra come al solito grande talento: quasi l'intera pellicola è girata in piano sequenza (i vari raccordi sono digitali), con la macchina da presa che segue i personaggi fra i corridoi del teatro, i camerini, il palcoscenico, sui tetti o in strada (memorabile la scena in cui Riggan attraversa Times Square in mutande). Ma la trovata sembra motivata più dal desiderio di sfoggiare la propria abilità artistica (il che, per certi versi, accomuna il regista con il suo personaggio) che non da reali esigenze narrative…

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… Sería ilógico no aceptar que la trama desfallece en algunos estereotipos del paradigma yanqui —la hija despechada, la ex mujer comprensiva, el mejor amigo como productor— y que, sospechosamente, recién estrenada ha sido demasiado ruidosa, sonada, mediatizada… No es de extrañar que Hollywood, como cualquier empresa o partido político —que a veces son la misma cosa—, trate de vendernos en la gala de este año su sentido de la autocrítica, del ridículo y su consciencia del corrosivo absurdo del famoseo. Una mirada ácida hacia las nuevas tendencias del cine-espectáculo que ellos mismos fomentan, pero también hacia la capacidad que tienen las redes sociales para hacer levitar o sepultar una obra. No quedamos exentos los bloggers, los críticos o analistas “con o sin papeles”, que empleamos las etiquetas de turno y las palabras que nos separan del arte; una lengua que no necesita tanto del vocabulario ni del raciocinio como de la emoción…

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…Birdman snocciola tutta la grandeur autoriale di Iñárritu, saltabeccando da Raymond Carver all’onnipresente e invasivo jazz, dal declino fisico dell’ex-divo sessantenne alla critica di grido cinica e cattiva, aggrappandosi alle performance sopra le righe di Keaton, Norton e Stone – ad Andrea Riseborough e Naomi Watts poche briciole e una sequenza saffica che, per coerenza con l’abuso di luoghi comuni, non poteva mancare. Il confronto a breve distanza con il delizioso, leggiadro e raffinato She’s Funny That Way di Peter Bogdanovich chiarisce ancor più l’inutilità delle sovrastrutture autorial-spettacolari del cineasta messicano. Una distanza siderale.

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…Il timore iniziale scaturito dall’esibizione di talento si è liquefatto in un istante. Quei movimenti di camera non sono opera di un tronfio gradasso; è semplicemente Alejandro Gonzalez che apre la porta di casa con un sorriso e dice: “benvenuti, questo è il mio film”. E da quel momento il piano sequenza diventa utopia, smaterializzazione fittizia delle macchine necessarie a filmare, resa possibile proprio da quelle macchine: il digitale trasforma una serie di lunghe e rischiose riprese in una ripresa unica e impossibile, un piano sequenza infinito che non mostra più pause, e, cosa ancora più importante, smette di essere evidente. Svanisce nella testa di Riggan Thomson, dove il panico cresce inesorabilmente proprio come cresceva nelle falcate nervose del protagonista di Punchdrunk Love, e non si ferma mai. La regia si nasconde sotto la campana di vetro, trascinandovi anche gli spettatori, e la tensione causata dalla consapevolezza che da un momento all’altro il vetro potrebbe incrinarsi...

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… Birdman è tutto questo: una beffa atroce, un’opera nichilista, reazionaria, velleitaria, derivata da un frammento derivato di un’idea già mille volte spremuta da tipi loschi alla Bret Easton Ellis. C’è odio, disprezzo per la grande illusione, disprezzo per la quarta parete continuamente violata e penetrata in un gioco fittizio di piani sequenza, ascendenti e discendenti. Un film pieno di fantasmi dell’opera, tante maschere ectoplasmatiche che vorrebbero sovvertire il sistema dei blockbuster, perché i supereoi per Inarritu sono i nuovi mostri, e i cancelli dell’inferno furono aperti dal Batman del 1989. Ma se blockbuster è Male, anche i colossal è male, tutto il cinema è Male, e Robert Downey Jr.è un laido gigolò non più di di Kirk Douglas, o di Yul Brynner, o di Charlton Heston. Inarritu questo vagheggia, un vortice che inghiotta la Settima Arte, ma il suo buco nero e un buco nell’acqua, Birdman, Icaro che si brucia le ali, non è un’altra stupida commedia americana, ma poco ci manca.

Eppure.

Eppure.

Birdman è anche grandioso, un’opera straordinaria, la migliore regia del 2014 forse, pulsante di vita, vibrante di empatia. Si può odiarlo per tutto quello che rappresenta, si è costretti ad amarlo per quello che è, un film poderoso, che esce dai suoi confini e schizza sangue vero sugli spettatori, girato da un regista capace audace e disperato come un rabdomante, che ci chiede cos’è la morte, dov’è la vita, cos’è l’amore. Ma questa è un’altra storia, e fatevela raccontare da qualcun altro.

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…Michael Keaton se donne corps et âme au réalisateur au point de sembler se mettre à nu d’un bout à l’autre du film. Il voyage d’un état émotif à l’autre de manière bluffante sans jamais avoir peur de paraître ridicule – alors que son personnage est en bien des points pathétique. Iñarritu dirige avec brio un casting époustouflant parmi lequel Emma Stone dans le rôle de la fille de Riggan Thomson qui, délaissée par son père, sort d’une énième cure de désintoxication.

Fantasque et fantastique, BIRDMAN, qui s’ouvre sur une scène improbable de lévitation, n’en est pas moins impressionnant de réalisme. Afin de faire une critique acerbe du monde impitoyable qui résulte de la médiatisation et de la starification à outrance, Iñarritu ancre son film au coeur de la logique de ceux qu’il moque – à l’instar des films de super héros – tout exacerbant l’effet illusoire d’une caméra stylo. Déjouant sans cesse les contraintes qu’il s’impose, sa démarche apparaît platement esthétique. Ce qui ne l’empêche pas de signer un film vertigineux… toutefois nauséeux.

Le soin accordé à la photographie – tant la lumière que les angles de prise de vue ou l’étude des mouvement – est bluffant. La tonalité de l’approche esthétique ne cesse d’évoluer au fil du développement narratif, des rebondissements mais aussi et surtout de l’évolution et des questionnements des protagonistes. Iñarritu parvient ainsi à transcender la schizophrénie non plus d’un homme mais d’un microcosme qui fait écho à la société occidentale contemporaine.

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È difficile essere un Dio - Aleksej German

se il film di Peter Fleischmann (qui), del 1989, era un onesto e bel film di fantascienza, con tanto di disco volante che controllava la situazione, un film classico, e in questo prevedibile, ambientato in un ambiente desertico, a colori, nei canoni della rappresentazione di quella storia (tratta da un gran libro, qui, dei fratelli Strugatzki), Aleksej German fa tutta un'altra cosa.
tra l'altro del film di Fleischmann i fratelli Strugatzki non parlarono mai, avrebbero voluto che il film fosse diretto da un russo (qui)
Aleksej German gira un film di tre ore, in bianco e nero, in un ambiente incessantemente piovoso, un girone infernale dantesco non potrebbe essere rappresentato in modo più duro e crudo.
la storia è questa: gli umani hanno scoperto un pianeta a un livello di civiltà immobilizzata al più buio medioevo, mandano una missione per riuscire a spingere quella civiltà verso un Rinascimento; ma la storia non si ripete, può peggiorare, altro che il progresso.
il film ti immerge in un mondo di merda, puzza, schifo, violenza, sopraffazione (quello da cui noi pensiamo di essere destinati a non ripetere, anche se oggi in molte parti del mondo la vita si avvicina a quel medioevo del film, dove non ci sono monasteri  di monaci che conservano e trasmettono la cultura, i libri, gli intellettuali fanno una fine terribile).
alla fine è impossibile essere un dio, non riesci a intervenire e a cambiare quel mondo, anzi ne sei risucchiato.
lasciate ogni speranza, voi che guarderete questo capolavoro.

ps: per chi non lo conosce, Aleksey German ha fatto solo sei film (qui), solo in bianco e nero, per scelta estetica non contrattabile, ed è stato un gigante del cinema.

…Hard to Be a God come radicale, personalissima deviazione, oggetto caotico fra Sokurov e Tarkovskij (magari non tanto quello sci-fi, più quello dell’Andrej Rublëv del 1966), ma soprattutto visione impossibile, eccessiva, che si frantuma in una efflorescenza di altre visioni e dunque di livelli e letture fragili, cangianti, di occlusioni che si scoprono aperture. German filma il disfacimento, filma la fine dentro l’assurdo, la tragedia come inafferrabile rivelazione permanente, filma il ribrezzo, la merda, sputi, ani e interiora, vomito e orina, la repellente coreografia di corpi e liquidi, la puzza, l’orrore, ma riesce a donare la meraviglia del cinema. Hard to Be a God come indomita tensione a  farsi rigorosa e al contempo folle geografia di immagini, la ricerca di un gesto conoscitivo, di una eventuale rappresentazione più che di una narrazione, a racchiudere tutto e poi a esondare,  esplorazione di spazi, di confini, di inquadrature, del set, del cinema non come macchina ma come imperscrutabile desiderio. Fissa il tempo e lo interroga, lo percorre e forse, segretamente, lo apprende, disperde il senso, ogni senso, nella diramazione, nei dettagli, negli istanti, obbliga continuamente al deragliamento ipnotico mutevole, quando si vorrebbe solo la parzialità dello scrutare da un buio profondo…

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…Es difícil ser un dios todo es llevado al extremo: los personajes escupen y moquean todo el tiempo, hacen morisquetas, la suciedad es omnipresente, también el hacinamiento, la mierda de las letrinas cuando no directamente en los culos, el barro, la lluvia y la niebla pringosas, los ahorcados cubiertos de brea o melaza, las pijas, la orina, la sangre, las tripas que caen, un corazón que late en un pecho abierto. Lo abyecto y lo pornográfico, eso sí, alejados del sentido repleto de moralina de los intelectuales franceses —y afrancesados—. Como un cuadro de Bruegel el Viejo, como El jardín de las delicias en su mayor oscuridad, combinados con el humor físico de Los Tres Chiflados y con un toque de Beckett. El resultado podría haber integrado la fallida Trilogía de la Muerte de Pier Paolo Pasolini…

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…Il concetto dietro Hard To Be a God è contorto : German immagina che alcuni scienziati vengono mandati sul pianeta Arkanar per aiutarne la civilizzazione. L’impresa non è semplice in quanto questa civiltà si trova nella sua fase medievale dove la violenza è all’ordine del giorno in particolare nei confronti degli intellettuali e letterati, ma questi scienziati non possono in nessun caso rispondere alle provocazioni violente con la violenza. Ma per Rumata (Leonid Yarmolnik) , uno degli scienziati, la situazione è troppo grave e si ritrova a voler salvare dalla gogna gli intellettuali cercando di intervenire. La domanda che aleggia per tutto il film è : Cosa faresti se fossi Dio?...

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Z.P.G. (un mondo maledetto fatto di bambole) – Michael Campus

è un film un po' lento e quasi didascalico e però è interpretato da una bravissima Geraldine Chaplin e da Oliver Reed, con atmosfere da film di fantascienza anni '60, ricorda 1984 e I figli degli uomini.
in un mondo senza libertà tutto è controllato e deciso dall'alto, il prezzo della disobbedienza è la morte, ma a volte...
senza infamia e con qualche lode - Ismaele

…Z.P.G. (Zero Population Growth - Zero Crescita della popolazione) è uno strano film, a dire il vero. Tradotto in Italia con Un mondo maledetto fatto di bambole (intrigante!), rientra pienamente in quella categoria di titoli costruiti ad hoc in quegli anni. Non solo il titolo, ma anche la trama è perfettamente in linea con la fantascienza che veniva prodotta allora (citazioni orwelliane comprese). Insomma, fossimo stati dei ragazzi a metà degli anni '70, questo sarebbe esattamente il film che ci saremmo aspettati. Ma non è proprio così.

Sin dalle prime battute ci ritroviamo in un modo particolare e cupo. Una nazione altamente inquinata dallo smog e controllata da un governo totalitario. Tutto quel fumo, in realtà, non è altro che uno stratagemma per risparmiare sulla scenografia. A momenti non si vedono neppure i personaggi. Nonostante tutto è un effetto riuscito e contribuisce a rendere ancora più deprimente, un'atmosfera già cupa di suo…

… Il film viaggia lento, sviluppandosi lungo la quotidianità di Russ e Carol, spenti, monocorde e apatici. Per le strade tutti i personaggi si muovono come fossero degli zombie. I rapporti sociali, che non vengono minimamente intaccati dalla nuova legge, sono comunque ridotti al minimo. È come se l'assenza di bambini veri abbia ucciso la vitalità di tutte le persone e nonostante l'inquietudine dei personaggi (almeno quelli femminili) cresca in ogni momento, il ritmo del film pare non giovarne affatto.

A un tratto, però, il film prende quota, proprio nel momento in cui i protagonisti e i loro amici (un'altra coppia) sono costretti a interagire pesantemente facendo leva proprio su quei rapporti umani fino a quel momento relegati a puro optional. Gli animi si accendono e si esasperano. Tutto viene portato all'estremo e calpestato.

Uno strano film, insomma. Badget minimo ma ben utilizzato. Ottime le interpretazioni (se è quello che voleva il regista, quest'apatia, è perfettamente rappresentata), specialmente quelle femminili. La Chaplin è al di sopra di tutti. Bellissima e bravissima. Peccato per le bambole tenute un po' ai margini della storia.

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…the strength of this film, despite some irritating moments, was in the actual story itself and the ideas that were behind it. It was pretty bloody prescient for 1971, that's for sure, even if the pollution thing was a little overdone. It's the usual thing you get with these dystopian visions of the future – repressive governments stifling natural human urges, and the reaction to it.

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… Even in science fiction circles today, ZPG is rarely discussed or debated, despite the fact that it is an intriguing and rather forward-looking scie-fi film.  A grave atmosphere of despair hangs over the entire picture, and the film by director Michael Campus paints an unforgettable portrait of a totalitarian society that controls every aspect of the citizenry's day-to-day life…

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…the movie is just as ridiculous and unbelievable. Worse still, the film is glacially slow and boring. The couple played by Reed and Chaplin are both emotionally reticent and uninvolving, especially Reed who goes through the entire motion picture with a permanent scowl which implies that he is either severely constipated or pissed off with his agent for letting him star in a piece of B-movie crud like this…

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20mil - María Gamboa

Occident - Cristian Mungiu

l'opera prima di Cristian Mungiu, un film divertente e fresco, dove molti vogliono fuggire a Occidente, non importa come.
Luci è troppo pigro per fuggire, e per troppe altre cose, e perde le due donne della vita.
la struttura del film è come a episodi, ognuno racchiude in precedente dando elementi in più per capire il tutto.
poi Cristian Mungiu ha fatto cose diverse, ma si trova a suo agio col dramma e con la commedia, con l'humor nero e con il realismo.
"Occident" è un film divertente e amaro, un debutto coi fiocchi - Ismaele

…alla fine il film diverte, e un po’ ci si appassiona alle peripezie dei suoi eroi ipersfigati, che vanno per trovar l’America e finiscono impantanati in un mondo che non li accetta ma anzi li ignora. E tutto sommato per un’ora e mezza abbondante si finisce per esorcizzare lo spettro del lamento funebre dei popoli dell’Est, con quest’ultimo non-luogo ridotto a dependance o discarica dell’Ovest opulento e industrializzato. In fondo Occident racconta, con una leggerezza inusitata e a tratti sconcertante, una semplice storia di uomini e donne che tentano di rimettere insieme i brandelli della loro esistenza fuggendo da un presente forse troppo simile al passato che li opprime. Che poi l’esito finale sia lo scacco o il trionfo, forse, non è nemmeno così significativo.
Proprio per questo, alla fine, nonostante le numerose cadute di gusto e gli alti e bassi di scrittura (intesa sia come script propriamente detto che come scrittura filmica), Occident è un film che si lascia vedere con gusto e suscita un’innata simpatia; anche perché, in epoche di requiem transculturali e post-globalizzati, un film così allegro fa l’effetto di una boccata di aria fresca...

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Occident è un film che tecnicamente non ha molto da dire, ma che è però sostenuto da una sceneggiatura piuttosto efficace e certamente interessante. L’idea di raccontare separatamente le storie dei protagonisti, dividendo così il film in tre episodi distinti, è buona e dà modo di creare un pizzico di suspense che certo non guasta, ma quando si arriva al terzo capitolo nello spettatore nasce un po’ di impazienza.

Il finale della vicenda sembra un po’ troppo costruito, troppo studiato, e lascia il pubblico con l’amaro in bocca; ma nella Romania di oggi, anche se si sta meglio rispetto a prima della rivoluzione, l’happy ending apparirebbe decisamente fuori luogo.

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…Le film est construit en trois parties, reprenant la même histoire mais focalisée sur des personnages différents. On en apprend donc un peu plus à chaque fois, et l'histoire s'éclaircit au fur et à mesure. Le système de narration est fort original et très bien maîtrisé, ce qui n'était pas chose aisée ! Cristian Mungiu porte un regard drôle et caustique sur son pays. Les personnages du film sont partagés entre ceux qui veulent le quitter et les autres. Le héros masculin assiste impuissant à l'éloignement des jeunes femmes qu'il connaît. Il se retrouve piégé malgré lui par l'occident, entre le désir des ses amies et le centre commercial où il travaille, véritable modèle occidental.
Ce film est une très bonne surprise, une découverte de la quinzaine des réalisateurs. On espère bien qu'un distributeur prendra le relais pour le distribuer dans nos salles obscures hexagonales.

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… It's unusual, however, to come across a script so ambitious and accomplished – Mungiu's main strength clearly lies in his writing, he does a competent enough job of bringing it to the screen. He only makes one notable error – building to a terrific final freeze-frame, then letting the action begin again for a superfluous few extra seconds.

Mungiu does delight, however, in wrongfooting audience expectations, and manages the tricky feat of keeping the characters broadly sympathetic even while accurately endowing some of them with less-than-endearing traits. This has resulted in Occident coming under fire for "blatant naïve racism" in the  'Michaela and Her Mother' section, but the film is explicitly anti-racist. In the words of one of his characters, Mungiu's approach involves "looking life in the eye" to diagnose the very real social problems that afflict this country in the throes of painful transition…

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…Theme-wise, everything is westernized in this film. There is the hope of being saved by the rich Westerner (the Italian), the hope of saving oneself in the West (Sorina), and the disillusion about economic liberalism (humans metamorphosing into merchandise). And yet Mungiu’s film radically differs from the accounts of the same conflict his contemporaries offer. Most astonishingly, the characters inOccident don’t give the illusion that the fulfillment of their “Western” aspirations will actually make their life any better, nor does it demonstrate how it gets worse. In this point, Occident stands alone against the above mentioned films, where suspense and character identification are conditioned by the fulfillment or non-fulfillment of the “Western” promise. In Occident, the West only appears as the shifting of a frame, but is never able to actually construct a filling content. It is just not convincing to think that Sorina left Luci because of the opportunity offered by the Frenchman. Nor is Luci’s job in the shopping mall stylized into a melancholy soul-selling activity. The merit of Mungiu’s film is to remind us that human illusions and disillusions reach beyond the borders of political frames…

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