Colosio: el asesinato - Carlos Bolado

mi ricordavo di un Colosio ammazzato nel 1994, in Messico, ma non ricordavo altro, poi mi è capitato questo film di Carlos Bolado (regista di un film bellissimo intitolato "Promises", del 2001, visto per "colpa" di Fuoriorario, una storia di bambini, palestinesi e israeliani), e sulla fiducia ho iniziato a guardarlo.
è un film bellissimo, thriller e politico ("JFK" di Stone insegna), non ti annoi un attimo, ti stupisce che mai l'hai potuto vedere al cinema, un film così potente, ma cercalo, qui c'è il mondo come è, ed è terribilmente schifoso, non lo cambierai, e sapere le cose come sono ti farà soffrire, se non vuoi soffrire non guardarlo, ma sappi che stai perdendo un piccolo capolavoro di grande cinema - Ismaele

…Resulta apasionante acercarse a un crimen que recuerda a los de Aldo Moro —con la figura ténebre de Giulio Andreotti— o el de John Fitzgerald Kennedy. El director Carlos Bolado utiliza la artificiosidad de la película de Oliver Stone JFK (1991) para atenazar al espectador, y para ofrecer una tesis inapelable: se trató de un crimen de Estado, organizado desde los más altos niveles de la política en México —incluidos elementos del Estado Mayor Presidencial y de la Procuraduría General de la República—, a contrapelo de la versión oficial, que sostiene que el político sonorense fue asesinado por Mario Aburto Martínez, un pobre hombre que habría actuado en solitario…

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En la reseña de Heli escrita para la web de Caimán CdC, Carlos F. Heredero definía desde Cannes el nuevo film de Amat Escalante como “un durísimo y desesperanzado retrato de la vida en los entornos de la sociedad mexicana que padecen las atroces consecuencias de la violencia generada por el narcotráfico y por las sucias vinculaciones de éste con el ejército y con la policía”. El último plano de Colosio, el asesinato, metáfora que a modo de epílogo subraya el mensaje del film, muestra el cauce de un río manchado de sangre. Un abismo distancia las propuestas de Escalante y Carlos Bolado, director de Colosio…, y sin embargo existe en ambos la voluntad de arrojarnos a esa corriente sangrienta que es la historia contemporánea de México. Bolado se detiene en uno de sus episodios más oscuros: el asesinato en 1994 de Luis Donaldo Colosio, candidato del Partido Revolucionario Institucional a la presidencia de la República. Delfín del presidente Carlos Salinas, la víctima pronunció días antes de su muerte, durante la campaña electoral, una célebre perorata en Ciudad de México en la que ponía en jaque la política neoliberal de su gobierno y hacía temblar los cimientos de una élite sustentada en la corrupción y el narcotráfico.

El film es un discurso que no admite réplica, suscribe la teoría de la conspiración y reabre un caso que se cerró con un único (y dudoso) culpable. Adentrándose en una hipotética investigación paralela que habría encargado el propio PRI, Bolado construye un thriller de ritmo atropellado y formas manidas que concluye con un rotundo desenlace al que le sobran epílogos para dejar claro su mensaje: absolutamente nadie que se atreva a plantarle cara al sistema escapará de sus garras.

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“Hay décadas en las que no pasa nada y semanas en las que pasan décadas”. La frase, atribuida a Lenin, abre el metraje de esta “ficción basada en hechos reales”, rótulo que se puede leer a continuación, en todo un ejercicio de honradez intelectual, aceptando la ficcionalización –y, por tanto, el necesario sesgo y la dramatización– de esos acontecimientos que suponen el núcleo argumental: el magnicidio del 23 de marzo de 1994 en Tijuana. El por entonces candidato a la presidencia por el PRI, Luis Donaldo Colosio, fue asesinado supuestamente por un gatillero, aunque la película trata de demostrar que todo se debió a una conspiración urdida en las más altas esferas del gobierno mexicano, que se encargó de ocultar su intervención y condenar a un chivo expiatorio. La película se estructura en paralelo, supeditándose a esos hechos reales: por un lado, la investigación oficial que se llevó a cabo como un lavado de cara y para legitimar la versión gubernamental, y por otro, las pesquisas que el propio gobierno encargó secretamente a los servicios de inteligencia…

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…El valor de esta cinta no sólo radica en su calidad cinematográfica, que si bien no es la producción del año, sí se define y defiende como una “superproducción” mexicana, a la altura de cualquier éxito comercial hollywodense; asimismo, es una película que presenta inquietudes sociales, dudas políticas y le da a la población material que demuestra la evolución del pensamiento mediático del país…

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Hannah Arendt - Margarethe von Trotta

qui si capisce come è nata la banalità del male e tutta l'ostilità che ancora oggi la circonda (per Claude Lanzmann, per esempio, è "una delle più colossali idiozie concepite").
Barbara Sukova è perfetta nella parte, e riesce ad attirarsi amori e odi senza paura.
bello il rapporto di Hanna con gli amici e gli studenti, non sempre gli amici la sostengono, molti diventano ex-amici.
la libertà di pensiero non è mai stata facile, in altri tempi c'era il rogo, ora "solo" l'ostracismo e l'emarginazione.
il film è un po' didascalico, ma fa pensare, e già questo, insieme con Barbara Sukova, è un'ottimo motivo per guardarlo - Ismaele

…Trotta ha scelto il periodo più difficile per la filosofa ma anche quello che ha visto nascere il pensiero indipendente e l’idea della banalità del male che rivoluzionò  il modo di vedere e analizzare l’Olocausto.

Margarethe  Von Trotta ha il merito di farci conoscere Hannah anche nel privato come amica, come moglie, affettuosa e attenta, perdutamente innamorata del marito Heinrich , considerato “la sua casa” con cui lei aveva un rapporto viscerale, completo, profondo che andava aldilà persino delle sue scappatelle che accettava senza dimostrare la benché minima gelosia, senza sotterfugi e menzogne, atteggiamento che suscitava la disapprovazione ironica della sua amica scrittrice Mary McCarthy che la difese strenuamente con ironia e coraggio, e che non le negò mai la sua amicizia fino alla fine. Questo film è davvero un capolavoro da non perdere con una interpretazione di Barbara Sukova, straordinaria, incredibile, come dice la stessa Von Trotta: Non avrei potuto realizzare il film senza di lei.

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…L’effetto è quello di uno sceneggiato televisivo, nel quale il racconto è affidato totalmente alle parole, in cui le immagini – la vera forza dell’opera filmica – non giocano alcun ruolo, nella scialba rappresentazione della vita di un’insegnante di filosofia decisamente snob. Non c’è traccia in questo film né dell’intelligenza poietica ed ermeneutica di una filosofa eccezionale, né del pathos necessario a coinvolgere lo spettatore nell’impresa altamente emotiva, coraggiosamente abbracciata da Arendt, di attraversare la più grande tragedia del secolo scorso, la Shoah, con una volontà indefessa di comprendere, di afferrare il senso dell’apparentemente insensato, di concepire l’inconcepibile…

…il limite maggiore di questo film sta tuttavia nell’essere cinematograficamente piatto, vittima di una banalizzazione del linguaggio delle immagini che tradisce un intento puramente documentario. Il che rende quest’opera un prodotto freddo, un’algida fiction che se non la consegna alla storia del cinema, è inefficace anche nel riprodurre la forza di un’audace interpretazione filosofica del mondo.

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…il est vrai qu'entre le voyage vers un passé enfoui que le procès permet à la philosophe d'effectuer, et le point de vue qu'elle va adopter sur l'homme et le nazisme, ce fait historique avait de quoi captiver. D'autant qu'il interroge d'un côté sur la responsabilité passée de certains responsables juifs dans la mise en place de la « solution finale », et de l'autre sur la capacité du peuple d'Israël à la moindre auto-critique, hors de la parole officielle liée à la Shoah.
Oui mais voilà, la réalisatrice choisit de s'intéresser à la description de salons New Yorkais, et à un milieu universitaire et journalistique étriqué, oubliant de consacrer un réel temps à l'Histoire. Elle se contente, pour évoquer les exactions du criminel nazi, fonctionnaire obéissant, d'une ennuyeuse reconstitution du procès, mêlée de quelques images du vrai événement. On y voit quelques instants Barbara Sukowa, dodeliner, froncer les sourcils par interrogation, et prendre des notes. Cinématographiquement parlant, l’encéphalogramme est désespérément plat…

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…Von Trotta cuenta en su film con una aliada poderosa, la actriz Barbara Sukowa, que entrega a una muy convincente Hannah Arendt, empeñada muy en serio en su solitaria tarea de pensar. Hay un intento serio por objetivar al personaje, no entregar una hagiografía simplista. De modo que junto a su esfuerzo intelectual y moral se incluyen los reproches de personas muy allegadas, por sus supuestas frialdad y arrogancia. El cuadro es en tal sentido muy completo, porque vemos además a Arendt en la intimidad, con sus amigos, y con su esposo, el muy amado Heinrich Blücher, en episodios tan emotivos como el de su ictus.

Resulta apasionante la reflexión propuesta por Von Trotta siguiendo a Arendt sobre el mal, llevado al colmo en el siglo XX, junto al descubrimiento de que detrás de tales acciones hay gente gris, burócratas, que simplemente hacen lo que se les ordena, sin cuestionar su moralidad.

Formalmente, la película es muy inteligente, a su indudable densidad corresponde un sentido del ritmo que sabe cambiar de escenarios, Nueva York, Jerusalén, el campo, y utilizar justificadamente grabaciones auténticas de Eichmann ante el tribunal, encerrado en su urna de cristal.

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Joyeux Noël - Una verità dimenticata dalla storia - Christian Carion

si racconta un fatto accaduto davvero, un giorno di tregua fra due trincee nemiche, per decisione dei soldati di quelle due trincee.
uno di quei rari film dove la guerra non è una teoria, nei salotti delle capitali lontane.
per certi aspetti ricorda "Uomini contro" di Francesco Rosi, per altri "Porca vacca" di Pasquale Festa Campanile, stanno insieme il registro comico e quello tragico.
andrebbe visto in versione originale, con i sottotitoli (io ho avuto quella fortuna), ci sono tre lingue insieme, riducendole a una sola si perde davvero molto.
una piccola (nel tempo e nello spazio) oasi di umanità in quel macello schifoso e terribile della prima guerra mondiale, che infiniti lutti addusse alla povera gente (come sanno bene Omero e Bertolt Brecht) 
è un film che merita di essere visto, un po' di umanità non fa mai male, ed è un buon cinema, con attori che sanno il fatto loro - Ismaele

QUI il film completo, in spagnolo

La storia (vera) della tregua di Natale del 1914 sulle trincee in cui i soldati francesi, tedeschi e scozzesi fraternizzano a dispetto degli ordini superiori è talmente potente e commovente di per sé da rendere difficile qualsiasi tentativo di rappresentazione. Carion riesce a confezionare con grande diligenza, rigore intellettuale e schietto pacifismo, un racconto convincente, perfino a tratti emozionante, anche se le scene si intuiscono pensate più con la testa che col cuore. Manca lo scatto in più, che renda il film stupefacente.

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…Joyeux Noël has been accused of being amateurish, simplistic and overly sentimental. While there may be some truth to these accusations, the film’s subject matter and its dramatisation of one of the most socially potent but little-known events of WWI still speaks to us across the generations, even though it could have been more complex or the themes developed more powerfully.

Most importantly, 33-year-old Carion, a relatively inexperienced director, demonstrates art’s potential to preserve and heighten our humanity. Joyeux Noël shows how, on Christmas 1914, the gift of music and the beauty of the human voice in song allowed the degradation of war to temporarily fade into the background. Soldiers could recall life outside the trenches and what was human in them, which had been so brutalised by war, was stirred and lifted. This is a moving and necessary reminder of what is great in the hearts and minds of ordinary people…

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…These men have much in common with one another. They come from the same kinds of homes, went to the same kinds of schools and worship the same kinds of Gods. They are required to fight, and most of them are required to die. In a remarkable moment of common interest, they share information about plans for artillery attacks, and all gather in one trench while the other is shelled, then switch trenches for the response. This is treason, I suppose.

"Joyeux Noel" has its share of bloodshed, especially in a deadly early charge, but the movie is about a respite from carnage, and it lacks the brutal details of films like "Paths of Glory," "A Very Long Engagement" and, from later wars, "Saving Private Ryan" and "Platoon." Its sentimentality is muted by the thought that this moment of peace actually did take place, among men who were punished for it, and who mostly died soon enough afterward. But on one Christmas, they were able to express what has been called, perhaps too optimistically, the brotherhood of man.

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…Le film trouve tout son sens en nous présentant ce phénomène de fraternisations durant la guerre au milieu d’un quotidien difficile. Il prend aussi toute sa dimension du fait d’une distribution en version originale qui permet de renforcer encore les liens entre les peuples à travers les langages utilisés. Les acteurs sont impeccables, chacun trouvant sa place dans le récit, avec peut-être une mention particulière pour l’accent et les expressions ch’ti de Dany Boon.
Pourtant, dés la projection terminée, on se rend compte des défauts dont pâti le film. Christian Carion nous présente ici une version édulcorée de la guerre, une guerre propre puisque lors de la bataille les morts s’éteignent paisiblement, sans une goutte de sang. De même le destin de ces hommes est lui aussi aseptisé, les fraternisations ayant plus souvent entraîné des fusillades que des démobilisations…

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Jenin Jenin - Mohammed Bakri

dal primo all’11 aprile 2002 a Jenin ci fu una battaglia terribile che distrusse il campo profughi, la potenza di fuoco israeliana era (ed è) terribile e senza pari.

ci resta il coraggioso, non facile da girare (e neanche da guardare, ma è necessario),  documentario di Mohammed Bakri (grande attore e regista palestinese), intitolato “Jenin Jenin” - Ismaele

The Spanish Prisoner (La formula) - David Mamet

David Mamet sa come far ripartire una storia che ha portato in un vicolo che sembra chiuso, poi, oplà, siamo di nuovo nello spazio aperto di una storia che ha ancora tanto da dare.
attori che si fanno forgiare da una storia che racchiude tutto, dove niente è come sembra, e una sceneggiatura che stupisce.
imbrogliare è un'arte, e i polli non mancano mai, ma il diavolo si nasconde nei dettagli.
da non perdere, per gli estimatori di David Mamet, e quindi, spero, per tutti - Ismaele

La versione italiana è stata ribattezzata proprio così: ”La formula di David Mamet”. La dicitura originale, invece, suona “Il prigioniero spagnolo”: l’ermetica espressione suggella una vecchia leggenda che da noi potrebbe essere “Bidone all’italiana”. Il “pacco” o la “sola” che viene propinato/a a un funzionale Campbell Scott (la cosa migliore del film) è di quelle che non si dimenticano: inventore di una formula che potrebbe far lievitare gli zeri alla società per cui lavora, l’ingenuo giovanottone viene prima circuito da un presunto uomo d’affari conosciuto in un villaggio turistico, quindi dalla segretaria del suo ufficio che finge amore per il più elementare dei bisogni: i soldi.

Qua e là nichilista e disseminato di eleganti battute.

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…"La Formula" è un film imperdibile non solo per i cultori del genere, ma per tutti coloro che amano un cinema elaborato ed intelligente, che si distacca da questa moda odierna di propinare al pubblico bue filmoni pompati a forza di effetti speciali, ma privi di costruzione narrativa e di dialoghi significativi.

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…Así es cómo la trama converge con añejas obsesiones de Mamet, que vuelve a sugerir un mundo saturado de almas codiciosas, cínicas, volubles, siempre listas para sepultar lealtades o amistades bajo un fajo de billetes. No poco paranoica, y acaso emparentada con la verdadera historia de este hombre, que asumió haber escrito más de un guión hollywoodiano a regañadientes, semejante mirada se traduce en todos esos vuelcos intempestivos, demasiado bruscos, de los personajes. Tal o cual, en manos de Mamet, puede pasar de naïf a cínico, de honesto a estafador, de policía a ladrón prácticamente sin escalas. Muchos de estos virajes ocurren en momentos claves, lo que dificulta todavía más su digestión.

El film, al avanzar, reclama otras concesiones a ritmo creciente. Hay que conceder, ya desde el vamos, que en el umbral del nuevo siglo el invento de Joe conste apenas en un manuscrito (¡ni siquiera en un floppy!). Hay que aceptar que el FBI sea tremendamente ingenuo en un momento, y enormemente perspicaz después. Y exactamente lo mismo, aunque en sentido inverso, respecto de los fascinerosos. Hay que comerse, en fin, que en medio de climas más o menos culminantes los héroes y villanos entablen diálogos que remedan a la vieja teleserie Batman(que estaba muy bien... ¡pero a años luz del escepticismo!). La sensación, en todo caso, es que la filosofía de Mamet operó menos como punto de partida que como prejuicio contaminante: lo hizo apurarse, sacrificar rigor, omitir causas pero no efectos. Construir una película a espaldas del espectador.

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… This is masterful filmmaking, perfectly calibrated, and Mamet's visual acuity becomes even more apparent in the second half when his camera moves begin to mirror those in the first half, this time exposing new aspects of the situation. There's a camera move — a pan across the screen of an airport baggage X-ray machine — that's repeated several times, each time treated with the importance of a big moment, a climactic reveal, and then each time allowed to pass without fuss. It becomes routine, so by the time Mamet repeats the shot towards the end of the film, at a pivotal moment, it becomes startling again, devastating even. Mamet knows how to use repetition and patterns, how to tweak audience expectations. In the film's second half, as Joe revisits familiar places, subtle shifts in framing reveal previously unseen facets. It's as though the world is simply an elaborate theater set, and Joe had never before bothered to peek around the edges, to see that what he assumed was the whole picture was in fact only a 2D façade. When he finally looks deeper, the audience gets a peek as well…

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America, America (Il ribelle dell’Anatolia) – Elia Kazan

un film epico, dentro c'è un pezzo importante della storia del mondo, quando in quasi tutta l'Europa, in condizioni di povertà e con rapporti sociali spesso di tipo feudale, splendeva il mito dell'America, terra di libertà e di prosperità.
poi non era vero, la maggior parte si continuava  a fare la vita da schiavo, ma la necessità della fuga dal vecchio mondo era troppo forte.
nel film si racconta la storia di molti milioni di migranti.
bravissimo il protagonista Sravros, e tutto il film funziona grazie alla mano sapiente di Elia Kazan.
un film epico, vedere per credere - Ismaele




QUI il film con sottotitoli in italiano

…Kazan riesce a restituirci con disinvoltura magistrale un mondo arcaico e misterioso, visto quasi sempre attraverso un occhio documentaristico e accurato.
Una gran parte della pellicola possiede un forte impianto narrativo di genere documentaristico che viene alternato sapientemente alla finzione.
I due elementi narrativi sono sposati alla perfezione e non vi è attrito. 
Il viaggio avventuroso di Stavros viene raccontato esternamente come se si volesse documentare un fatto di cronaca, l’uso sistematico della macchina da presa a spalle, favorisce un linguaggio più spoglio e concreto…

…Stathis Gialleis come ogni scoperta di Kazan si dimostra la carta vincente del film. Questo James Dean greco dagli occhi tenebrosi ricalca perfettamente la figura di Stavros anche non essendo un attore professionista come il suo predecessore americano. Questo da ragione a quella massima, che un attore al cinema deve essere soprattutto personaggio e Gialleis lo è in tutto e per tutto. I gesti i modi l’andatura ma soprattutto lo sguardo mostrano l’assoluta bravura di Kazan nell’utilizzare prima di tutto il modello e poi l’attore. Gialleis non essendo da Actor’s Studio recita misuratamente diretto in questo da un accorto Kazan che sa far misurare le battute ai suoi attori. Gli altri attori sono perfetti e la scelta di casting risulta oltremodo ottima in un film composto sopratutto da volti e non da personaggi a tutto tondo…

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Un film che è un capolavoro, un documento storico importante, risultato dei racconti che sono tramandati di generazione in generazione. E’ la storia delle minoranze greche e curde in Turchia alla fine del diciannovesimo secolo, e la violenta repressione che subirono per mano delle guardie del sultano. Genti desiderose di ricominciare la vita da un’altra parte del mondo, con il miraggio della lontana e opulenta America. Tutto questo si riassume nelle gesta di un ragazzo greco coraggioso e sognatore, disposto a tutto pur di riuscire nell’impresa di attraversare l’Oceano. Molte saranno le insidie che incontrerà durante il cammino, che diventerà man mano sempre più doloroso.
Elia Kazan, il regista americano discendente di un emigrante greco fuggito dalla Turchia, compie bene il suo compito di narrare la storia di quelle genti, in un film uscito nel 1963, molto coinvolgente, picaresco, brutale. Gli attori sono per la maggior parte non professionisti, reclutati tra la povera gente per ottenere un effetto reale anche nella sofferenza disegnata sui volti.
Questo titolo però, non è mai uscito in Italia e non è reperibile in commercio. Esiste una copia in pellicola di proprietà di un cineamatore e poi il vuoto. La RAI lo trasmesse in un unico passaggio nel 1980. Questo ostracismo per un’opera di così alto valore è inspiegabile, ed è per questo che un team di appassionati è riuscito a recuperare una vecchissima registrazione su nastro, restaurarla (per quanto possibile) riproponendola al pubblico. 

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…I too am surprised that this monument to Americanism and monument of American cinema, seems not very widely known in America itself. It has all the values of classic American cinema - a strong, simple narrative, a limpid visual style which eschews any directorial histrionics to concentrate purely on the characters. It is the story of young men driven from their homeland and making the long voyage to America - the huddled masses yearning to be free. The journey is long and terribly hard, and even as the shore of American comes into view, sacrifices still have to be made. The end of the film is enormously powerful, one of the most moving I have ever seen - the effect is still with me now, 30 years after seeing it.
It is the story of Kazan's father and uncle - the character who makes an appearance, played by Richard Boone, in Kazan's more heavily fictionalised subsequent film THE ARRANGEMENT. It is a personal story, and the simplicity of the telling seems like the end of a process of endless re-telling around smokey fireplaces, and before children go to sleep, a family saga which has almost attained the status of myth. The savagery of the film's first hour, and the dream-like quality of the last act make AMERICA AMERICA a genuine and powerful part of American mythology.
So don't torture yourself about whether Kazan was morally and politically wrong in betraying his colleagues - see AMERICA AMERICA, and you'll see why he could never have acted any differently. Yes, he was a radical, and a leftist, and a deeply intelligent and passionate man; but he was also an immigrant - and his horror of disenfranchisement and ejection overcame his moral and political views. Kazan may criticise aspects of its culture and politics, but he loves and respects and is grateful to America above all. So he made his choice. He could have made no other.

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…Era, ormai, il 1951. L’America era in piena paranoia anticomunista. Kazan era stato comunista negli anni ‘30, nel periodo del Group Theatre, quando il partito era forte e potente. La commissione del senatore McCarthy lo chiamò a testimoniare. E Kazan parlò. Fece i nomi. Denunciò i colleghi: un tradimento che molti, in America e altrove, non gli hanno ancora perdonato. Pensiamo valga ancora la pena, su questo tema, di sentire cosa disse a Berlino nel 1996, quando venne a ritirare l’Orso d’oro alla carriera: “Sono stato membro del partito comunista per un anno e mezzo. Non mi è piaciuto ciò che ho visto in quel periodo, e ho deciso di dire ciò che pensavo. Ero d’accordo con certe cose, ma non con i metodi. Come iscritto al partito, volevo cambiare l’America, renderla migliore: ho lasciato il partito perché, ripeto, non ne condividevo i metodi, ma quell’idea di fondo mi è rimasta. Amo l’America”. Parole rispettabili se Kazan si fosse limitato a un personale autodafè, come è accaduto molte volte, a molti comunisti, in molti paesi. Ma Kazan, come dicevamo, non parlò di sé. Parlò degli altri. “Cantò”. Rovinò le carriere di alcuni colleghi - e chissà se non lo fece con un certo perverso piacere, ricordando le difficoltà degli inizi e sfogando nella denuncia il proprio senso di rivalsa…

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Last Train Home (Gui tu lie che) - Lixin Fan

un altro mondo esiste, una popolazione pari a due volte gli abitanti dell'Italia si sposta dalle città per tornare ai villaggi e cittadine di campagna di provenienza, tutti nella stessa settimana.
Lixin Fan segue una coppia che torna a rivedere i figli ormai cresciuti, allevati dai nonni e ormai lontani dai genitori, e irriconoscenti.
quei lavoratori, trattati quasi come schiavi, hanno costruito le città cinesi (i grattacieli di Shanghai di "Her", per esempio) e i vestiti e i jeans che indossiamo in tutto il mondo.
la crescita economica cinese ha cambiato la vita dei cinesi, e ormai di tutti, e non se ne vede la fine, purtroppo.
i costi umani sono immensi e le opportunità e la costrizione di cambiare e fuggire da una vita di stenti a un'altra vita di privazioni (per la stragrande maggioranza) sono sotto gli occhi di tutti.
il film non annoia un minuto e ci svela un mondo che molti non conosciamo (più o non ancora).
grande cinema da cercare e guardare con gli occhi aperti - Ismaele

ps: per alcuni istanti il treno del lungo viaggio sembra quello di "Snowpiercer".

…There is so much to say about this great film. You sense the dedication of Lixin Fan and his team. (He did much of the cinematography and editing himself.) You see once again the alchemy by which a constantly present camera eventually becomes almost unnoticed, as people live their lives before it. You know the generations almost better than they know themselves, because the camera can be in two places and they are usually in one or the other.

There is a quiet moment in a mall. On their day off, Zhang Qin and her friends go shopping. They like a pair of jeans: “Are these made in our factory?” No, in another. Of course they want them. Of course their generation wants them. But their generation doesn't want to work years leaning over a sewing machine and sleeping in a dorm.

We read about the suicides in Apple's plants in China. Seeing this film, you suspect there are many suicides among workers in factories whose brands are less famous than Apple. Chinese peasants no longer live without television and a vision of another world. They no longer live in a country without consumer luxuries. “Last Train Home” suggests that the times they are a-changin'. The rulers of China may someday regret that they distributed the works of Marx so generously.

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…è interessante notare come la spiritualità sia relegata ai margini, in quella campagna che tutti fuggono e che appare senza speranza, il che va a consolidare il materialismo alienante che viene esplicato in quegli squallidi spazi (i dormitori, le fabbriche, le strade) che, pur promettendo a chi è distante da essi lavoro e, quindi, vita, sfornano invece la morte, alienando l'individuo e costringendolo a un'esistenza di sfruttamento e grettezza. Inutile, quindi, fare ulteriori considerazioni a riguardo (sarebbero pleonastiche): l'unica cosa che, dopo aver visto questo film, vien da dire e che, forse, sola centrerebbe il punto focale di Last train home  è 'fanculo il capitalismo, e tanto basta.

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He seems to get his camera into the most unlikely places, such as inside the marauding crowds at the train station, or inside the train itself. It led me to ask certain questions about the filmmaker, who deliberately tries to remain invisible. How did he secure tickets for the train? How many of these shots are staged? At one point, the father, Changhua, leaves the train station, and the camera trails after him, as if he had just given up. A minute later, we cut to outside the station, and the camera is in front of him. This suggests that the shot was staged, that the director asked Changhua to stop walking for a few minutes while he set up a new shot.

In this, the filmmaking is not as invisible as it wants to be, and it can detract from the story. Yet in another scene, Changhua slaps Qin (who has just dropped an "f" bomb in front of her parents). In tears, she turns to the camera and screams at it, "You want to film the real me? This is the real me!" Fan's camera does not blink, and silently holds the shot for a while longer. This family may have known they were being filmed, and agreed to certain shots, but their pain is very much real…

http://www.combustiblecelluloid.com/2010/lasttrain.shtml

…Fan finds power in contrast, from the striking melee of the station where almost an entire city waits hours for a ride home and the stoic images of multitudes of workers crammed on a train, to the intimacy of a family where, through the direct fault of no one, patience is about to snap. On the one hand this is a very personal tale of one family's struggle to make the best of trying circumstances, on the other it is a stinging indictment on a political and economic structure that is stretching families to breaking point.

Although standing in the shadow of Up The Yangtze somewhat due to the similarity of some of the subject matter and a little overlong, this is nevertheless a striking and thought-provoking debut that puts a very personal face on a phenomenon that, Fan hints, could well be tearing Chinese society apart from within.

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…Alternating fixed, self-consciously framed shots with ragged handheld camerawork, Lixin captures both the beauty of the film's rural and industrial settings and the fevered chaos of the family's public and domestic crises. While an overhead shot of a group of thousands of tightly packed workers lining up in the rain turns the masses into a lovely abstraction, their umbrellas adding patches of color to an otherwise monochrome painting, later ground-level shots capture with astonishing immediacy the confusion and desperation of the crowds forced to stand for days, waiting for the train after a snowstorm in another part of the country has knocked out the power grids. Similarly, while lightly ironic overhead shots of the family's rural village suggest a pastoral beauty with the just visible deterioration of the buildings the only sign of difficulty, when Lixin places his camera at the family center, things seem far less idyllic…

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…This is a heartbreaking film. It is a film as much about migration as it is about family, love, sacrifice, rebellion. It's about dreams - dreams of your own, dreams for your children, and your childrens' dreams, one carrying into another, and now conflicting with each other. There are many moments that are so riveting that they seem fictional. They are not. This is human drama, and it is real. Fan resists the urge to embellish and simply allows them to unfold in front of your eyes…

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