Clean Shaven - Lodge Kerrigan

far vedere le cose con gli occhi e la testa di un altro, questa cosa Lodge Kerrigan la fa benissimo, merito anche di un bravissimo Peter Greene.
il film inquieta e disturba, e questo è un suo merito, non siamo abituati a stare dentro gli altri, specie se malati.
(in più Ramin Bahrani lo ringrazia qui, insieme ad Amir Naderi, adesso capisco la stima)
un film che merita - Ismaele

Lodge Kerrigan

« Ho cercato di esaminare la realtà soggettiva di qualcuno che ha sofferto di schizofrenia, per provare a mettere il pubblico nella posizione di percepirne i sintomi come io immagino che siano: allucinazioni uditive, paranoia crescente, sentimenti dissociativi, ansia. »

« Ho fatto in modo che Peter, che soffre di schizofrenia, potrebbe essere l'assassino, portando il pubblico su quella strada, ma ho nascosto le prove. Non c'è evidenza definitiva che lo sia e se lo spettatore sente che è colpevole, spero che il film lo ritenga responsabile per aver ricavato questa conclusione. »

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…Uno dei film misconosciuti (nel senso non fruibili al grande pubblico italiano) piu' belli che io abbia mai visto assieme, per stare sull'argomento pazzia, ad Angst.
Clean, Shaven è una soggettiva su questo personaggio che affetto da gravi disturbi cerca di riprendersi la figlia.
E' un film che fa male perché quest uomo continua la sua esistenza disgregante tramite suoni e immagini distorte, tramite azioni "malate" come la presunta colluttazione con una bambina, vive nel suo mondo che senza retorica, moralismi ecc... il regista cerca di proporci in modo piu' fedele possibile. E nel mezzo oltre al tentativo di recupero della figlia, alla madre che lo tratta ancora come un bambino, a suoni pesanti anche una ricerca della polizia che lo crede un assassino. Sarà? Non sarà? 

Opera davvero suggestiva e molto molto bella. 
Dovessi frullarlo direi che dentro c'è dello Schramm meno pesante, del Cronenberg , del Lynch, del Kern . Un film che ti spiazza, commuove, fa arrabbiare, lascia basiti... una esperienza che ti lascia addosso sensazioni particolari…

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Clean, Shaven is not so much a traditional narrative, but an attempt to subjectively depict the psychological state of schizophrenia. As one can imagine, being inside the head of a schizophrenic is hardly a pleasant cinematic experience. And by attempting to dramatize such an unsettling condition, Lodge Kerrigan finds himself in a paradoxical position: the more we empathize with Peter—get in his head, so to speak—the more effective the movie is. However, by so accurately portraying the paranoia and delusions of schizophrenia, Clean, Shaven ensures alienating a sizeable amount of its audience.

Indeed, Kerrigan deserves a lot of credit for making such an uncompromising, unrelentingly disturbing film…

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A very effective study on schizophrenia posing as a serial killer movie. The mental state, fears and nerves of a man just released from an asylum is portrayed grippingly by both a great performance and minimalist, inventive cinematography and sound. As he travels to see his long lost daughter, sounds in his head make him a nervous wreck, mirrors set him off on an obsessive shaving spree that causes self-mutilation, and he becomes convinced that a radio transmitter is in his head and fingernail, leading to a stomach-churning mutilation scene. In a brilliant twist, an obsessive, pedantic and neurotic policeman thinks he is a killer and tracks him down.

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…Of the films that have tried to evoke or arrive at an understanding of insanity, from the inside or outside, using the first or third person, none have done so with Clean, Shaven's remarkable alchemy of clinical detail and raw poetry. The abrasive, subjective sound design, the visual abstractions, and the nerve-jangling ellipses all inch the movie toward the realm of experimental film—which is only fitting, given that the condition in question is characterized by discontinuity, the erosion of boundaries, and the failure of narrative. Kerrigan does not in any way venture that his protagonist has a beautiful mind—this is as unsentimental a depiction of mental illness as you'll find in movies—but the film has a frayed, terse lyricism all the same…

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"Clean, Shaven" is an attempt to enter completely into the schizophrenic mind of a young man who is desperately trying to live in the world, on whatever terms will "work" in his condition. It is a harrowing, exhausting, painful film, and a very good one - a film that will not appeal to most filmgoers, but will be valued by anyone with a serious interest in schizophrenia or, for that matter, in film.

I was on a program the other day with Tom Wolfe, the author and social critic, who was defending novels as the only medium that truly allows us to enter into another person's point of view. We can go inside the heads of written characters, he said, in a way that doesn't work with movies or the theater. In many cases he may be right, because movies more often encourage us to be voyeurs than to identify with characters. But a film like "Clean, Shaven" is a shattering exception to his rule, since it restricts itself almost entirely to the way a person with schizophrenia must negotiate the horrors of everyday life...

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Peaceful Warrior – Victor Salva

una specie di guru, Nick Nolte, insegna a Dan la consapevolezza e gli fa vedere le cose in modo diverso.
detto così sembra una mezza scemenza, ma il film si fa vedere bene, anche se non resterà nella storia del cinema - Ismaele

QUI e QUI il film completo in italiano

…Pillole di saggezza (che sono il frutto dell’esperienza di una vita, ripetono nel film)  inserite all'interno di un dramma fluido che cerca un equilibrio tra narrazione cinematografica e dichiarata volontà di veicolare un messaggio. Non sarebbe sbagliato dire che il film può essere visto come un bignami sulle filosofie della consapevolezza di sé nel presente. Ma potrebbe essere anche un modo per criticarlo perché in effetti, soffre di alcuni semplicismi e debolezze. La più grossa, forse, è la contraddizione finale. In tutta la narrazione si ribadisce di non proiettarsi negli altri pensando di dar dimostrazione di sé, ma poi il regista nella sequenza finale ci propone sfacciatamente le gesta del nostro protagonista che lasciano sbalorditi chi le guarda…

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…Nolte has been through some hard times, and posed for at least one mug shot that went around the world. He has picked himself up and patched himself back together, and is convincing as a wise survivor. A movie based on his life might have the same parabola as Millman's, if you substituted drinking for gymnastics. There is a sense in which the role of Socrates speaks to him more loudly than to Dan, and that sense makes the performance sort of fascinating.
All the rest is formula: The coach, the team, the training, the accident, the comeback. The fact that doubles and visual effects are used for some of the gymnastics stunts is obvious, but not objectionable, because of course they are. But it's funny, isn't it, how the most amazing stunt in the movie is performed off-screen. Howdid he get up there?

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…This movie provides an example of what life can be like if we ponder these thoughts and implement them in our lives in a concrete and practical way. It's not necessary to be a champion gymnast to derive the fundamental teachings from this film. It is a teaching that anyone can understand. This is why I see that Peaceful Warrior can inspire those who embrace the possibilities which it offers to become peaceful guerrilla warriors, working tirelessly underneath the radar, changing the world.
This is not only a good movie, it's an important one. 

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(Take) Aim at the Police Van - Seijun Suzuki

non sarà un capolavoro, ricorda tanto bel cinema Usa, una musica perfetta, una storia semplice e complessa insieme, un investigatore che come Pollicino segue le tracce, qualcosa de "I soliti sospetti",
insomma, un film che vale la pena vedere - Ismaele

…Noir targato Nikkatsu intricatissimo quanto essenziale, molto ben fotografato in bianco e nero e Nikkatsu Scope (il CinemaScope della casa nipponica).

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…Take Aim is a classic whodunit tale penned by Shinichi Sekizawa and Kazuo Shimada. They try to keep you guessing until the very end of the film and have just enough seedy character types and a level of mystery around the main cast to keep you doing just that. Without giving too much away, the main villain is quite the bastard, so the ending feels more satisfying than one would expect. There are a couple of plot points that are left dangling in front of the viewer, such as why the prisoner transport van was attacked in the first place. There is also the bit about the main containing a certain set of skills that probably shouldn’t belong to a simple prison guard, but the film never really touches on Tamon’s past…

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…Each scene is carefully composed and frames our characters (good and bad) appropriately. I have to think that this particular film was included in the Nikkatsu set as a representative sample of Suzuki stretching past the point of being able to snap back. After a film like this with its obvious stylistic devices, how could he go back to shooting something generic?

The plot is purposely confusing and Suzuki has likely jumbled it a bit just to keep the viewer off a step and allow them the chance to play catch up. He's created an artful and sumptuous film to look at while always keeping in mind the goal of also entertaining his audience. I may be biased towards his films, but there's a good reason why that is.

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…Take Aim at the Police Van is rarely anything more than an efficient programmer, but Suzuki does a more than adequate job of transferring the narrative machinations of the American film noirs of the era to the Nikkatsu production line.  The occupation of the film’s hero enables him to inherit one of the key characteristics of the more popularly utilised private detective in that Daijiro occupies the economic middle ground with sufficient social mobility to be well-acquainted with both ex-cons and law enforcers.  In addition, Suzuki’s tour of the criminal underworld takes in both the seedy club circuit and more exclusive inns that provide services to men whose wives think they are away on ‘business’.  Yet such conformity to the rules of the film noir genre and the studio suits does not entail that Take Aim at the Police Van is an entirely impersonal undertaking; Suzuki is less interested in the story than he is in staging some energetic action sequences and setting up a series of encounters between Daijiro and people who are more in-the-know than he is, while also indulging in a fever dream sequence.  Take Aim at the Police Van is terrific entertainment from a filmmaker who was starting to have fun with the script en route to throwing it out of the window.

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Argo - Ben Affleck

un film che ti tiene col fiato sospeso, una tensione che non molla mai, un'americanata come si deve.
poi, certo, i buoni sono da una parte, i cattivi dall'altra, ma è un gran film.
il cinema vi aspetta, e non vi deluderà - Ismaele

…Affleck convince per il tono secco e privo di fronzoli, è ammirevole per come sa creare tensione da una vicenda che potrebbe esaurirsi dopo mezz'ora, costruendo una serie di complesse sequenze che inchiodano alla poltroncina (dall'assedio iniziale all'ambasciata americana, alla "fuga" in aeroporto conclusiva, benché estremamente spettacolarizzata rispetto alla realtà dei fatti), e, inoltre, sa scegliere con intelligenza il cast di comprimari (a partire dai sublimi John Goodman -in un ruolo, non a caso, quasi identico a quello in "Matinée"- e Alan Arkin, attori che piacerebbe vedere più spesso sul grande schermo…

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…Argo è una calibratissima macchina spettacolare, perfetta nel bilanciare i suoi vari ingredienti: a una prima parte in cui viene illustrato velocemente il contesto storico, segue una corsa verso il tempo per cercare di salvare gli impiegati americani la cui faccia sarà presto svelata dai documenti presi nell'ambasciata un po' come succedeva in Senza via di scampo in cui il protagonista , Kevin Costner, doveva dimostrare la sua innocenza prima che la sua faccia fosse ricostruita da un computer.Senza dimenticare la satira su Hollywood inscenata  dalle intenzionalmente sgangherate caratterizzazioni di vecchie volpi hollywoodiane ad opera di un sempre vispo Alan Arkin e di un debordante John Goodman a far intuire il lato cialtronesco della fabbrica dei sogni.
Dei cialtroni dal cuore d'oro, però…

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...c'è un amore incondizionato per la settima arte, prima di tutto - dagli impagabili John Goodman e Alan Arkin alle reazioni a metà tra l'ebete ed il felice dei soldati iraniani omaggiati del contenuto dell'artbook di Argo -, il gusto per il suddetto Classico e la costruzione quasi geometrica di un climax conclusivo da cuore in gola, ritmo martellante, interpretazioni convincenti di un cast eterogeneo ed in gran forma, e soprattutto molta ironia…

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...Ben Affleck orchestra un film che forza la realtà dei fatti quanto serve per creare tensione e suspense ma non manca mai di rimarcare gli elementi di veridicità e di confinare in maniera netta le licenze cinematografiche.

Il risultato è un'opera di sorprendente solidità, animata da un'etica di ferro e capace di muoversi attraverso i tre registri principali del cinema, amalgamandoli con l'invisibile maestria di un veterano del cinema. Nonostante sia solo al suo terzo film da regista Ben Affleck si conferma uno degli autori giovani più interessanti in assoluto, capace di fondere l'azione da cinema di guerra della prima parte con la commedia hollywoodiana della seconda e infine la tensione del dramma storico della terza. Un viaggio tra diversi toni in cui l'unica costante è il regista stesso, che incarna il protagonista Tony Mendez con una recitazione minimalista e pacata, esplorando tutte le declinazioni di un'infinita malinconia di sguardo che fa il paio con il rigore morale profuso nel raccontare la sua storia.
In questo straordinario esempio di modernità cinematografica c'è tutta l'esperienza del cinema politico, teso e aggressivo della Hollywood degli anni '70, unita ad uno stile fluido ed invisibile, ad un gusto post-Mad Men per la precisa ricostruzione dei diversi costumi della società di qualche decennio fa e ad una capacità non comune di lavorare sul dettaglio della messa in scena…

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…Affleck is brilliant at choreographing the step-by-step risks that the team takes in exiting Tehran, and "Argo" has cliff-hanging moments when the whole delicate plan seems likely to split at the seams.

The craft in this film is rare. It is so easy to manufacture a thriller from chases and gunfire, and so very hard to fine-tune it out of exquisite timing and a plot that's so clear to us we wonder why it isn't obvious to the Iranians. After all, who in their right mind would believe a space opera was being filmed in Iran during the hostage crisis? Just about everyone, it turns out. Hooray for Hollywood.

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Un reproche que se hizo al mago del suspense en aquella ocasión se podría emplear también contra Argo: es una americanada. Esa misma expresión se escuchó al final de su proyección en una sesión para la prensa en el pasado festival de San Sebastián. Pero el grito no acalló la salva de aplausos que recibió. Y es que, desde la perspectiva ideológica, no cabe duda de que es una obra «a mayor gloria» de la Agencia de Inteligencia estadounidense, que no se ha distinguido últimamente por su capacidad para evitar situaciones embarazosas a los ciudadanos de su país (sin ir más lejos, la muerte reciente de su embajador en Libia). Como todavía seguimos inmersos en lo que se llamó primavera árabe y que se ha convertido, más bien, en una escabechina sangrienta, el film no se libra de una interpretación socio-política pro-americana, pero esa lectura no debería empañar los muchos méritos que la película encierra. Y es que es una excelente muestra del cine de acción, de tensión e interés sostenidos, durante la cual el espectador disfruta con un relato narrado con recursos de buena ley (aunque no todos), una factura brillante, un ritmo constante, una música aceptable y una interpretación de todo el reparto francamente excelente con un sobresaliente para el propio Affleck, John Goodman y Alan Arkin. Argo es algo más que un mero pasatiempo o una americanata…

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…Sans entrer dans les détails d’un scénario qui mérite une découverte totale au cinéma tant il est habile, Argo est un petit bijou de confection, digne héritier de ses modèles cités plus haut et desquels il tire les enseignements nécessaires, mais également un beau morceau de mise en scène. La reproduction des années 70, au niveau de la direction artistique, est remarquable, mais elle est surtout sublimée par une réappropriation des codes de réalisation. Autant à travers l’image granuleuse, la photographie délavée, le sens du découpage ou quelques mouvements de caméra qui en appellent à ceux de Scorsese (quelques travellings-signatures et un plan-séquence magnifique lors de l’entrée en soirée de presse), tout est construit de façon classique sans que jamais rien ne paraisse artificiel…

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Night Moves (Bersaglio di notte) - Arthur Penn

al livello de "La conversazione" di Coppola, con lo stesso protagonista, ricorda "Il grande sonno".
bravi attori, un film ruvido, non pacificato.
Arthur Penn con una piccola storia, dentro la Storia più grande, tira fuori un piccolo (grande) capolavoro - Ismaele

…ciò che viene fuori da Bersaglio di notte, noir fortemente non convenzionale, è quindi una crisi “al quadrato”: la profonda difficoltà del momento storico americano è infatti significata sia dal ritorno al genere dark per eccellenza che dalle trasgressioni da Penn operate sulla struttura del genere stesso. 
Nel film, l’investigatore privato Harry Moseby viene incaricato di rintracciare e riportare a casa la sedicenne Delly, giovane figlia dei tempi dissoluta e libertina, fuggita non si sa dove: ciò che dal torbido intrigo verrà a galla - letteralmente - non sarà facile da decifrare, e tanto meno da accettare. 
Sgombriamo il campo da dubbi: tutto concorre a che l’ottavo film del regista sia ancora una volta un grandissimo film, uno dei suoi migliori. L’imprevedibile incursione nel noir di Penn non somiglia a nient’altro; merito dell’ottimo script di Alan Sharp, dell’ispiratissima messa in scena dell’autore - governata dal sapiente montaggio della fidata Dede Allen, qui più libera e creativa che mai - oltre che di uno stato di grazia attoriale difficile a trovarsi in un “film di genere” (ma l’espressione - seppur virgolettata - ci fa rabbrividire, tanto più parlando di anni settanta americani). 
Gene Hackman consegna al suo Harry Moseby statura ben più ampia di quella che spetterebbe al private eye di turno; la sua figura fa il paio con l’Harry Caul de La conversazione - era sempre lui - e arricchisce la straordinaria galleria di perdenti che il “nuovo cinema” ci va consegnando in quegli anni. La struttura di fondo è la medesima per tutti: individui in profonda crisi, incapaci di decodificare una realtà che non si dà mai come leggibile o abitabile, per i quali la ricerca di qualcosa, o qualcuno - la ragazza scomparsa -significa anche sempre ricerca di se stessi…

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…Il film di Penn però, non è solo una storia e non è nemmeno una sola storia (crisi di fiducia negli Stati Uniti), è anche e soprattutto un discorso cinematografico (quando la moglie va al cinema e gli domanda di accompagnarlo a vedere La mia notte con Maud, Harry risponde“No grazie, ho veduto un film di Rohmer, perché spendere per sbadigliare?”, oppure durante una colluttazione si sente dire “Adesso picchiami come fa Sean Connery”). Gran bel film, che nell’ultima mezz’ora capovolge, contorce, comprime e confonde verità e soluzione. Delly è interpretata da una giovanissima Melanie Griffith mentre James Woods è il tumefatto Quentin. Gene Hackman invece, interpreta un gran perdente della storia del cinema.

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Realizzato da Penn sulla base di una sceneggiatura preconfezionata, che il regista accettò anche come via d’uscita a un difficile periodo sul piano personale, Bersaglio di notte riflette tutto lo smarrimento dell’America post kennedyana (e post Watergate) degli anni Settanta. Una delle sequenze più significative è, infatti, quella in cui Paula chiede a Moseby cosa stesse facendo quando è stato ammazzato Kennedy. «Quale Kennedy?» ribatte lui. Moseby, ex giocatore di football, ricorda perfettamente cosa stesse facendo quando uccisero JFK, un po’ come tutti gli americani (così come da noi, chi all’epoca aveva l’età sufficiente, si ricorda cosa stesse facendo quando seppe del rapimento di Moro), ma si ricorda bene anche dov’era quando fu assassinato Bob…

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…A Hollywood divorcee, clinging to the last shreds of a glamor that once won her a movie director (and half the other men in town, she claims) hires him to trace down her missing daughter. Harry takes the case, pausing only long enough to track down his own missing wife -- who is, it turns out, having a not especially important, affair with a man with a beach house in Malibu. His confrontation with the man, like so many scenes in the movie, is done with dialog so blunt in its truthfulness that the characters really do escape their genre.

Harry traces the missing girl to her stepfather, a genial pilot in the Florida Keys, and goes there to bring her back. And from the moment he sets eyes on the stepfather's mistress, the movie, which has been absorbing anyway, really takes off. The mistress is played by a relatively unknown actress and sometime singer named Jennifer Warren, who has the cool gaze and air of competence and tawny hair of that girl in the Winston ads who smokes for pleasure and creates waves of longing in men from coast to coast. Miss Warren creates a character so refreshingly eccentric, so sexy in such an unusual way, that it's all the movie can do to get past her without stopping to admire. But it does.

The plot involves former and present lovers of the girl and her mother, sunken treasure (yes, sunken treasure), conflicts across the generations and murders more complex by far than they seem at first.

These are all the trademarks of the Lew Archer novels by Ross MacDonald especially the little-girl-lost theme, and Alan Sharp's screenplay uses them infinitely better than "The Drowning Pool" did -- even though that was actually based on a Macdonald book. By the movie's end, and especially during its last shock of recognition, we've been through a wringer. Art this isn't. But does it work as a thriller? Yes. It works as about two thrillers.

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One-Eyed Jacks (I due volti della vendetta) - Marlon Brando

unico film diretto da  Marlon Brando, amato da Scorsese, è davvero un gran bel film, non lo immaginavo prima di vederlo.
Brando sciupafemmine, con un preciso senso dell'onore. un grandissimo Karl Malden, 141 minuti di grande cinema.
insomma, un film da non perdere - Ismaele

One-Eyed Jacks (1961, Marlon Brando). It’s a shame this movie has to be included here. It’s unique: so extraordinary and so personal a vision, I can’t see how it could have been a flop. Brando even has the guts to ride off into the sunset, waving, on a white horse — and he gets away with it. Even in its cut version, it’s an amazing achievement — one of the best Westerns ever made.

secondo Martin Scorsese

 

"I due volti della vendetta" è un film particolare. 
Si tratta infatti dell'unico western che avrebbe dovuto girare Stanley Kubrick, che avrebbe apportato la sua mano anche nel genere + nobile del cinema americano. 
E' diventato invece l'unico film diretto dal grande attore Marlon brando. E' una buonissima opera prima, che tocca vari temi, quella dell'ossessione per la vendetta, ma anche sulla violenza, sulla libertà, sul fascino della cultura orientale. 
Brando tra l'altro è capace di descrivere delle figure non semplici a livello psicologico, e il rapporto che lega Malden a Brando è molto di + di una ex amicizia finita male. 
Le interpretazioni poi sono intense, sopratutto quella di Karl Marlden. Il ritmo è lento e riflessivo, ci sono momenti davvero affascinanti e inusuali per l'epoca. Sicuramente è uno dei film che avvrebbero contribuito successivamente alla nascita cinematografica di Sam Peckinpah (che aveva anche collaborato per questo film). 
In definitiva è un film da vedere, a mio avviso. Ha dei difetti ma come opera prima è notevole. Se poi consideriamo che è la prima e unica regia di un attore come Brando, allora bisogna per forza vederlo. 

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…One-Eyed Jacks semble même se nourrir de ses lenteurs, des évidentes hésitations d'un scénario dialogué et d'une néophyte réalisation. Celles-ci procurent d'ailleurs aux quelques épisodes d'action (souvent cruels) une brusquerie inattendue. Le western préféré de Martin Scorsese confine aussi parfois à la tragédie romanesque…

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…La Vengeance aux deux visages ne possède ni le nihilisme du premier ni l’ironie du second ; si violence il y a, elle est souvent plus psychologique que physique et si l’humour est bien présent dans les réparties et le caractère de Rio, il n’est pas utilisé avec l'intention de vouloir dynamiter le genre de l’intérieur. Car le film de Brando, outre une histoire de vengeance, se révèle être aussi un beau film romantique et contemplatif. Malgré la réduction de sa durée de moitié, le rythme demeure lent et l’acteur-réalisateur ne cherche pas particulièrement le spectaculaire à tout prix…

 

…Non seulement Brando rend captivante son histoire malgré un rythme lent, assure une tension dramatique presque constante et contrôle parfaitement sa direction d’acteurs mais sa mise en scène, malgré quelques tâtonnements, piétinements et fautes de goûts (les transparences derrière les gros plans en champ/contrechamp lors des retrouvailles de Rio et Dad au bord de la mer) s’avère elle aussi méticuleuse, dense et remarquablement maîtrisée. Ses recherches esthétiques, son sens de la composition plastique sont eux aussi non négligeables, d’autant qu’avec la complicité du grand chef opérateur Charles Lang (qui donne lui aussi le meilleur de son talent) il utilise des décors naturels assez insolites pour un western, les désertiques paysages mexicains puis surtout la ville de Monterey située en bordure d’Océan Pacifique. Il se plait à filmer ses cow-boys à cheval devant le tumulte d’immenses vagues qui viennent se briser sur les rivages rocheux, les flots de l’océan venant rythmer quelques unes des plus belles scènes du film comme celle au cours de laquelle Louisa s’est donnée à Rio. D’autres éléments qui confinent au baroque, la présence dans un saloon en fond de plan d’un tableau de la Joconde remaniée puisque si l’on y prête attention, Mona Lisa a des cartes dans les mains…

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De helaasheid der dingen (La merditude des choses) – Felix Van Groeningen

tratto da un romanzo di Dimitri Verhulst (ho letto un suo libro, anni fa, "Problemski Hotel", merita), è un film che acquista valore col passare dei minuti, e quando arrivi alla fine sei soddisfatto (merito di  Felix Van Groeningen, oltre che degli attori), la famiglia Strobbe ti ha conquistato.
un piccolo gioiellino, promesso - Ismaele

…Van Groneningen fa un film molto "stretto" sui protagonisti, gestendo lo spazio in modo da creare nello spettatore un turbamento claustrofobico che, in sostanza, ricalca quello del giovane protagonista. L'autore propone un film molto sincero in cui, alla fine, non si riesce proprio a disprezzare quei personaggi certamente negativi ma anche così umani.

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…il film di Van Groenigen si esprime col registro del disgusto visivo, basato su un tripudio di liquidi organici: nella spudorata incontinenza dei corpi si manifesta la disgregazione della morale, che conosce solo il richiamo degli istinti più animaleschi, sia pur, in qualche misura, disciplinati dalle regole della convivialità paesana. Sono i riti collettivi a partorire mostri: le bevute in compagnia, le gare amatoriali di ciclismo, le carnevalate, che a Reetveerdegem sono un invito alla depravazione, individuano nella massa, soprattutto quella confinata nelle aree depresse della provincia, il fertile terreno nel quale germogliano le erbacce.  La bruttura inizia e finisce come un gioco, perverso ma ruspante, rozzo ma fantasioso: è impastato di sudiciume eppure sfoggia colori vivaci, è inesorabilmente tragico, eppure è intriso dei toni della commedia. E, allo stesso modo, riesce ad essere, nel contempo, inverosimilmente eccentrico e genuinamente popolare. Forse il suo segreto è la capacità di passare, in maniera pungente, attraverso tutti e cinque i sensi, con le speziate emanazioni della vita che, godendo, si moltiplica e si consuma.

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Quel surprenant tableau de famille que voilà ! Les 4 frères Strobbe sont tous de véritables poèmes : Pieter, l’aîné, tout en muscles et en moustache ne jure que par sa batte de base ball ; Lowie ramène chaque soir une fille différente dans le lit jumeau à celui de son neveu (sa coupe mulet, à faire pâlir un joueur de la Mannschaft, les fait toutes craquer !) ; Koen, le troisième, est insignifiant tant il est déconnecté de la vie réelle. Seul Marcel, le père de Gunther, est réellement attachant. Pourtant ce n’est pas le dernier à boire et à réaliser des paris stupides. Pas facile de grandir avec de tels repères quand on est un adolescent timide et peu doué pour les études…

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…La vitalidad de los afectos contiene algunas escenas memorables en las cuales no se ahorra descripción alguna. El concurso de beber cerveza, la carrera de ciclistas desnudos, el polvo contra la pared del bar, la borrachera con canciones de Roy Orbison y el baño al aire libre donde cagan los Strobbe son postales de un retrato lamentable, hilarante, despreciable, querible y, sobre todo, sincero. Con el aporte de unas actuaciones soberbias, el relato de Felix Van Groeningen (quien a su vez se basó en la novela de Dimitri Verhulst) entrega toda su visceralidad sin golpe bajo alguno. Por toda la mugre que nos hace ver no hay reproche que hacerle.

Lejos de ese pasado de violencia y peinados ochentosos, el Gunther adulto consigue finalmente convertirse en escritor. De vez en cuando vuelve a Reetveerdegem a visitar a esa tribu de salvajes cuya penosa existencia le valió su obra consagratoria. Claro que con el éxito llegó la vida que tanto anhelaba, junto a una nueva mujer y a un nuevo hijo por los que, ahora sí, siente afecto. Algo así como un salto de calidad que lo alejó del infierno anterior. Van Groeningen no lo juzga, y quizá tampoco deberíamos hacerlo nosotros. Si hay algo que no se le puede señalar a su película, como dijimos, es falta de honestidad.

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