inizia col ripescaggio di un cadavere, poi sembra un film leggero, una nouvelle vague jugoslava, divertente, un storia d'amore e di amori. Izabela fa la telefonista, è una ragazza solare, disinibita, innamorata, quando il fidanzato va a lavorare lontano lei cede alle lusinghe di un compagno di lavoro. e per quella volta ha la sfortuna di restare incinta. il fidanzato impazzisce per questa situazione e il resto lo saprete vedendo il film. un bellissimo bianco e nero e una regia da maestro fanno di questo film un piccolo gioiello - Ismaele …"Love Affair, or the Case of
the Missing Switchboard Operator," is nominally about a switchboard
operator who seduces a rat control expert. He eventually does not exactly hurl
her into a deep well. The story is told in an improvised style very much like
early Godard orBuster Keaton.
But Makavejev
pretends that he wants to do more. To tell the tale of the girl and her
People's Rodent Control Hero is not enough; a film must inform the masses and
be ideologically sound, right? So Makavejev spoofs those deadly dull Russian
morality films of the 1940s, where workers triumphed over capitalist-imperialist
warmonger and ended the steel shortage while singing labor songs…
…Structured like a true police drama where we know
there has been a killing before we know how or why, the second interlude shows
Izabela's body being retrieved from a well while we hear a criminologist, Dr.
Zivojin Aleksić, explain the process of cleaning and identifying a corpse. It's
a harsh, clinical lecture, and it makes us feel uneasy even though our
connection to Izabela is not all that strong as of yet…
…We find out that the killer who drowns the corpse in
the well is not a criminal, but comrade Meho acting out of desperation. Love,
it turns out, is stronger than ideology.
…AsLove Affair fatalistically
wends its way to the tragic circumstances that bring about its end, Makavejev
continually throws in ironic surprises in his collage of found footage that
barges in on viewers at crucial strategic moments. Though he fits quite
naturally into that late-60s fad of throwing random crap together as an affront
to cinematic and cultural tradition, there’s enough substance and imagination
offered to overcome the dated frivolity of similar exercises from that era. And
at just over an hour in length, this is a Love Affair that doesn’t wear out its welcome or demand excessive
concentration from the audience, even with its skewed timeline.
Here’s
another aspect of what makes Love Affair a cool old movie –
its versatility (and relative lack of copyright-enforcing authorities hovering
nearby) as a source for music video material. I found this nice tribute to what
Makavejev himself practiced, reconfiguring other people’s material for his own
purposes. It’s a homemade mash-up of a Mercury Rev song and scenes fromLove
Affair– a rather charming combination…
un film minore di Dusan Makavejev è sempre un film che non dispiace. poteva essere meglio, ma ogni tanto bisogna accontentarsi, viste le difficoltà di trovare produttori per i suoi film. Greta Scacchi è un valore aggiunto, vedere per credere - Ismaele
Dice Tullio Avoledo: il maggiore influsso sulla composizione di "Mare
di Bering" l'ha avuto un film del regista serbo Dusan Makavejev,
"Coca Cola Kid". L'ho visto nel 1985, ed è riemerso dalle nebbie del
mio inconscio quasi vent'anni dopo. Il finale del romanzo nasce dalla didascalia
finale di quel film, che sull'apparente lieto fine diceva, se ricordo bene:
"E mentre in Giappone il ciliegio fioriva / in Europa la Terza Guerra
Mondiale cominciava".
…It’s
not easy for a rascally iconoclast to survive during the '80s, so Dusan
Makavejev heads out to Australia withLocal Hero in
mind and his main actor’s gung-ho mannerisms in hand. The satire is peculiarly
fizzless, boiled down to the reds of Coke trucks cutting through jungle greens
and a line of Santa Clauses bobbing with bottle in hand to "Waltzing
Matilda."…
Un
giovane executive della CocaCola parte per l'Australia, obiettivo un
miniconcorrente locale, che si rivelerà osso parecchio duro. Bizzarra e
surreale commedia, che sfrutta i luoghi comuni sul confronto tra culture e
caratteri diversi. Eric Roberts (attore che avrebbe meritato qualcosa di più) è
bravo e Greta Scacchi non gli è da meno (oltre a sfoderare la sua clamorosa
sensualità). Però lo spunto non tiene per tutto il film e alla fine la
sensazione è quella di un'occasione un po' sprecata. Comunque curioso.
…E'un film sghembo,curioso nel suo modo di raccontare
con una certa verve che assomiglia a certe commedie sentimentali anni 40 e 50
in cui oltre alle baruffe tra il legnoso Eric Roberts e la sensualissima Greta
Scacchi c'è una volontà di fare satira sull'imperialismo economico.L'egemonismo
che caratterizza l'America abituata a esportare di tutto e a fagocitare le
realtà locali è criticato ma il tono è bonario,sempre con il sorriso sulle
labbra…
…"The Coca-Cola
Kid" is light on violence and the politics are implied rather than stated
(Coke represents American imperialism, I think). But the sex is accompanied by
the usual Makavejev trademark, an interest in textures.
In "Sweet Movie," sex took
place on giant mountains of sugar. This time, Scacchi dresses in a red-and-white
Santa suit, and tries to seduce Roberts in a flurry of feathers.
The movie is filled with moments of
inspiration, of which the most unforgettable include an Aborigine Coke
commercial; Scacchi creeping about the office and hiding in a Coke cooler, and
T. George's final solution for his steam-powered soda factory.
The last half of the film, alas,
does not quite deliver on the promises of the first half, perhaps because Eric
Roberts' performance is so intense and mannered that he eventually seems to be
sliding off into another level of existence. He never really connects with
Scacchi, so we don't know how they feel about each other, and therefore we
can't track the progress of their relationship.
The movie has so many other
delights, though, that it's fun anyway. Maybe it wasn't exactly intended to be
a love story.
un film molto diverso da "Au hazard balthazar" e "Mouchette", un po' assomiglia a "Le diable probablement", vita di città e personaggi che cercano la loro strada. Jacques si innamora di tante donne, non riesce a essere indifferente, in quel suo modo timido e sincero, lui è pittore, le donne sono una fonte d'ispirazione, ma non riesce a trovare quella giusta, Marthe usa Jacques per poter tornare con un altro, e Jacques si fa usare, lui cerca la bellezza, il bene, vuole trovare l'ispirazione, sta bene solo coi suoi quadri, i suoi sogni, le sue illusioni, i quadri li tiene per sé, non sai se sono finiti o manca un ultimo tocco, chissà. e i musicisti di samba sono un'apparizione, e cantano una canzone triste, con una musica allegra. e per capire cosa manca nei quadri, se manca, bisogna guardare il film, Bresson non fa le cose facili, ma nessuno se ne pentirà, promesso. ricordo che il film è stato prodotto (anche) da Gian Vittorio Baldi - Ismaele
…"Noi
passeggiamo sempre nel parco mano nella mano, sperando e sperando. Il castello
è triste, lei vi passa metà dell'anno con il suo vecchio marito taciturno,
annoiato, che fa paura, ma il nostro amore è puro, innocente. La ritrovo a
Venezia; non è forse lei in quel palazzo pieno di luci e di musica? Si, e
balla... Lei mi vede da lontano, mi viene incontro. E' una notte chiara,
meravigliosa, come non c'è ne che una nella vita. Jacques, Jacques, è tutto
dimenticato: separazione, dispiacere, lacrime. Jacques, perdonami se ho
sbagliato; ero cieca, ho fatto del male a tutti e due. Per te ho sofferto la
morte, però è te che amo. Sono stupefatto, esaltato. Marta, quale forza fa
brillare così i tuoi occhi e illumina il tuo viso dolcissimo? Grazie per il tuo
amore, che tu sia benedetta per la felicità che mi dai"...
Ed è così,
che nuovamente confinato nel suo appartamento, lontano dal Pont Neuf di
Parigi dove le imbarcazioni navigano tra musica e luci, l'artista romantico,
pennelli alla mano, torna ad immergersi fra i colori dei suoi quadri; torna a
ridipingersi, in quella sua vita da sognatore.
…Bresson
rounds out his leveling comedy with shaggy troubadours and painterly jibes
(which vexed Manny Farber), leaving romance disembodied and the hero bent over
his canvas, waiting to be picked up again twenty years later by Leos Carax…
Un film di Bresson un po' atipico rispetto al suo cinema che
generalmente lascia poco spazio al sogno e al contrasto con la realtà
prediligendo la durezza di quest'ultima. Interessante è il confronto con il testo da cui
è tratto il film, ovvero le Notti Bianche di Dostoyevsky, e di conseguenza con
l'altra versione cinematografica di Luchino Visconti. In sostanza mentre in
questi due c'è molta attenzione alla componente romantica del sognatore, e alla
solitudine amorosa, Bresson (che raramente parla d'amore!!) trasforma il
protagonista in un artista. Jacques (anche la location si sposta, a Parigi,
lungo la Senna) è infatti un pittore sospeso completamente nel limbo della sua
fantasia, i suoi quadri sono astratti e costruiti a partire da sue registrazioni
dei suoi sogni, dei suoi pensieri, delle sue notti a caccia della bellezza, in
giro per Parigi…
…Told
with conviction, it seems to have its pulse on the fragile nature of love and
the clichéd thoughts on romance both the naive artist and susceptible young
lady share together. Bresson is at his cynical best, dislodging such foolish
pipe dreams with a mixture of compassion, subtle humor and cold reality.
Jacques's loss doesn't seem tragic, more experiential, because he never
believed Marthe was anything but a lost dreamer like himself, who are both
alike because in their loneliness they fall hardest for those they never see
clearly enough to draw an accurate picture of them in their mind.
"Quattro Notti di un Sognatore" è uno dei miei
Bresson preferiti, per il semplice fatto che il protagonista - Jacques, un
giovane pittore - sono io, quello lì, molto simile anche fisicamente, incline a
gesticolare, a parlare poco, un ragazzo "innamoratosi un numero
imprecisato di volte ma di nessuno, di un ideale". "La mia storia? Ma
io non ho una storia, non vedo nessuno, non parlo con nessuno". Il film è
raccontato in quattro notti, dove l' ossessiva narrazione per monologo
interiore già usata dall' autore, qui può diventare una registrazione da
ascoltare, ancora più ossessivamente, anche in un tram affollato. Il
protagonista una sera salva la bella Marta da un tentativo di suicidio (film
successivo a "Una Femme Douce" tra l' altro) da un ponte di Parigi;
il "peccato" e la salvezza sono ridotti a simboli: un paio di scarpe
riposte simmetricamente sul cornicione del Pont-Neuf, e una mano che afferra il
braccio. Marta è una ragazza che ha perso la speranza di rivedere il suo amato,
e della quale Jacques si innamora subito, e realizza che forse, a qualcuno,
vale la pena raccontare se stessi; d' altro canto, pure Marta scopre di essersi
innamorata di Jacques. Dalla particolare teoria di un amico, pittore accademico
pure lui, che mostra un paio di foto con delle piccole macchie "più sono
piccole, più è grande il mondo che definiscono suggerendo, quello che conta non
sono le macchie, ma tutto ciò che non si vede" emerge forse il pensiero
dell' ultimo Bresson, di un mondo astratto, popolato da uomini piccoli in balìa
di un Male metafisico (in "Lancillotto e Ginevra" le armature
contengono il vuoto dell' anima, nell' "Argent" le persone e le cose
sembrano mosse per mezzo di fili). E' comunque un Bresson diverso, nessuna
tragedia, c' è spazio per qualche inserimento blues. Solo una storia come tante
altre, e quando lei, dopo quattro notti rivede il suo amato in mezzo alla
folla, lascia Jacques con un bacio sulla guancia e un vuoto dentro marcato
dalla solitudine.
…Jacques and Marthe walk as a couple when the boarder
shows up, and calls Marthe. Typically, the sacrifices Jacques has already made
would ensure Marthe's changed loyalties, but Bresson, in an ingenious attack
against romanticism and lovers' dreams, insists on the illogical. Marthe walks
towards the boarder and gives him a torrid kiss, returns to Jacques and pecks
him a number of times and in a twist of human unpredictability, returns to
boarder and walks away with him. Jacques is left a dreamer in search for that
perfect ideal that may never arrive.
…Perhaps the lightest and
most idiosyncratic film in Bresson's body of work,Four Nights of a Dreamernevertheless broaches his recurring
themes on the division between the physical and the ephemeral. Within this
framework, the film serves as a deconstruction of the romantic myth in all its
manifestations and illusions. This idea of artificiality is first explored
during Marthe's recounted story of receiving tickets from her then presumptive
lover to attend the premiere of a trite potboiler entitledThe Bonds of Lovethat ran the gamut of popular film
conventions from extended shoot-outs to the clutching of a beloved's photograph
- accompanied by swelling music - in the moments before death. But Jacques
coming to Marthe's aid at a bridge is also a familiar scenario - the proverbial
rescue of the damsel in distress - a romantic sentiment that is further reinforced
by his continued arrangements to meet her on the same bridge as their
relationship develops (the bridge itself suggesting a metaphoric point of
convergence between these two drifting souls). This sense of contrived romantic
destiny is also reflected in Jacques's recorded messages describing his
beloved's separation from him for six months that alludes to Persephone's
descent into Hades (further elevating the idea of love into the realm of
mythology), as well as the musical interludes that seem to coincidentally
insert themselves during key moments throughout their brief encounters. In this
respect, Bresson reflects on the role of the artist as a creator of images,
where the ideal lies in the pursuit of the elusive - in the empty spaces that
reveal the essential "gesture which lifts its presence from the
object" - the illusion of transcended love.
un regista islandese, fra Texas e Juarez, se la cava benissimo, in un film non facile. una storia economica, acquisti e vendite, fino a che ci sono compratori ci saranno venditori, così funziona. e, come quasi sempre succede, se conosci chi muore la scelta sarà davvero difficile. senza troppe parole e senza tante morali, bel cinema da non trascurare - Ismaele ps: mi ha ricordato questo, un gran film sconosciuto da noi, purtroppo, e questo, grandissimo film di Stephen Frears, con attori bravissimi, scritto da Steven Knight (quello di "Locke", e di tanti altri ottimi film scritti per altri), una garanzia.
…Un film intenso ed emozionante, come ho
detto prima è adrenalinico, la mdp riesce a scivolare nella storia quasi come
lo spettatore si trovasse in mezzo ai protagonisti, ne senti tutti i dettagli,
le emozioni, i palpiti, lo scandire dell'orologio che segna il tempo che rimane
che è sempre di meno, la tensione che cresce, il dolore tutto, e Komàrkur
grazie alla sua regia accurata, ci fa comprendere il dolore dei protagonisti,
rendendoci parte del film, che è girato in maniera documentaristica, e
viscerale, il regista non perde tempo in inutili sentimentalismi e lo dimostra
scena dopo scena.
…La
tensione poggia su una costante ambiguità, in cui i tradizionali chiaroscuri
del cinema nordico si sovrappongono ai giochi allusivi tipici dei popoli
latini, a volte raffinati, a volte brutali. È in questo modo che la
storia avvince, facendosi strada attraverso l’intricato linguaggio verbale ed
operativo della malavita, ed anche, sul piano estetico, facendo
progressivamente saltare l’aspetto convenzionale della superficie narrativa,
per mettere a nudo, infine, il tragico succo del discorso. Kormákur ama
non concedere tregua allo spettatore, e in questo film raggiunge lo scopo
trattenendoci in una perenne incertezza, non solo rispetto allo sbocco
complessivo della vicenda, ma anche e soprattutto rispetto alla reale valenza
delle singole situazioni, la cui interpretazione varia, retrospettivamente, nel
corso del racconto.Inhale è un film d’autore privo di
autorialità, il cui valore è una grande potenza espressiva, abilmente
confezionata nella levigata veste delthriller hollywoodiano.
…The conclusion has two key weaknesses. I
trust that it won't come as a surprise that the group offering Stanton a set of
lungs doesn't just have a spare set lying around. In a coincidence of
Dickensian proportions, Stanton just happens to be on the street when a donor
is "recruited," leading to the climactic confrontation between
Stanton and the doctor who offers Chloe a chance at life. Here's where the
second problem rears its head: When Stanton confronts the doctor, he tells
Stanton (more or less), "Idiot, how did youthink we were going to get a pair of lungs
on such short notice?" It's a valid question—it's beyond implausible that
an experienced prosecutor such as Stanton can't put two and two together. That
said, by the time film gets to that point, it has developed enough momentum to
move past it.Barely. It's
a good example of strong direction and editing overcoming a weakness in the
script…
…Un film intenso ed emozionante, come ho
detto prima è adrenalinico, la mdp riesce a scivolare nella storia quasi come
lo spettatore si trovasse in mezzo ai protagonisti, ne senti tutti i dettagli,
le emozioni, i palpiti, lo scandire dell'orologio che segna il tempo che rimane
che è sempre di meno, la tensione che cresce, il dolore tutto, e Komàrkur
grazie alla sua regia accurata, ci fa comprendere il dolore dei protagonisti,
rendendoci parte del film, che è girato in maniera documentaristica, e
viscerale, il regista non perde tempo in inutili sentimentalismi e lo dimostra
scena dopo scena.
…La
tensione poggia su una costante ambiguità, in cui i tradizionali chiaroscuri
del cinema nordico si sovrappongono ai giochi allusivi tipici dei popoli
latini, a volte raffinati, a volte brutali. È in questo modo che la
storia avvince, facendosi strada attraverso l’intricato linguaggio verbale ed
operativo della malavita, ed anche, sul piano estetico, facendo
progressivamente saltare l’aspetto convenzionale della superficie narrativa,
per mettere a nudo, infine, il tragico succo del discorso. Kormákur ama
non concedere tregua allo spettatore, e in questo film raggiunge lo scopo
trattenendoci in una perenne incertezza, non solo rispetto allo sbocco
complessivo della vicenda, ma anche e soprattutto rispetto alla reale valenza
delle singole situazioni, la cui interpretazione varia, retrospettivamente, nel
corso del racconto.Inhale è un film d’autore privo di
autorialità, il cui valore è una grande potenza espressiva, abilmente
confezionata nella levigata veste delthriller hollywoodiano.
…The conclusion has two key weaknesses. I
trust that it won't come as a surprise that the group offering Stanton a set of
lungs doesn't just have a spare set lying around. In a coincidence of
Dickensian proportions, Stanton just happens to be on the street when a donor
is "recruited," leading to the climactic confrontation between
Stanton and the doctor who offers Chloe a chance at life. Here's where the
second problem rears its head: When Stanton confronts the doctor, he tells
Stanton (more or less), "Idiot, how did youthink we were going to get a pair of lungs
on such short notice?" It's a valid question—it's beyond implausible that
an experienced prosecutor such as Stanton can't put two and two together. That
said, by the time film gets to that point, it has developed enough momentum to
move past it.Barely. It's
a good example of strong direction and editing overcoming a weakness in the
script…
“That Dirty Black Bag“.
Ovvero, “Quella Sporca Sacca Nera“.
Ilregista è Mauro Aragoni, ogliastrino di Villagrande Strisaili. Ha vinto sei “Oscar” nella notte degli Awards al Los
Angeles Webfest 2015, il più importate Festival delle Serie Web al
mondo. “That Dirty Black Bag” è stato pronunciato sei volte dall’attore
Kevin Ross, per l’occasione presentatore della serata. Le opere in gara erano
199, il meglio della produzione web del momento.
“Quella sporca sacca nera” ha vintosei Premi della sezione Drama,in cui erano inserite altre cinquanta
opere serie. La produzione di Aragoni ha portato a casa, ex aequo con altre
opere, un premio per la migliore Cinematografia, due premi per i migliori
attori protagonisti, (Maurizio Pulina e Antonio
Luvinetti, entrambi di Alghero), un premio per la scrittura,
uno per il miglior Sound Design e quello per il miglior Editing.
A conti fatti, sei premi su otto nomination: davvero un bel
bottino per essere questa opera prima del ventisettenne regista ogliastrino.
“Sono felicissimo – ha commentato Aragoni -.Mi hanno stupito gli americani e il loro
interesse. Speravo di ottenere qualche riconoscimento, ma non
così tanti premi. Finalmente le fatiche sono ripagate. Ora abbiamo un
riconoscimento all’estero, nella città del cinema mondiale. Sono orgoglioso di
tornare a casa con questi successi”.
Dello stesso tenore, le dichiarazioni degli altri
protagonisti. “Per me l’America è una terra da amare. – dice Maurizio Pulina -.
Gli americani hanno uno spirito di fratellanza tra loro. Questo non accade in
Italia. Da noi c’è mala competizione, non sana competizione. Qui ci hanno
accolto molto bene. Un pubblico non invidioso, anzi partecipe. Ci hanno fatto
sentire a nostro agio. C’erano rappresentanti di diversi web fest del mondo. Mi
sono emozionato molto. Voglio dedicare questo premio ai miei familiari, che mi
hanno supportato fin da quando a 19 anni sono partito perché avevo deciso di
fare l’attore”.
Il viaggio in America di questi ragazzi sardi è stato fatto
con una nutrita rappresentanza della troupe, tra cuiEmilio Canu, direttore della Fotografia, già
premiato al Roma Web Festival del 2014, eRoberto Comida,sceneggiatore. Pure loro si dicono
sorpresi dell’accoglienza ricevuta negli States e della facilità di interagire
con loro. L’aiuto regia, Alessio Cuboni, è contento della selezione avuta anche
per i prossimi due Festival importanti, quello di Bilbao e quello della Corea.
”Quella sporca sacca nera” è unospaghetti western, un’opera creata in poco tempo e con un low
budget. È stata girata nelle colline dell’Ogliastra per gioco e
per passione. E questi ragazzi sardi si stanno prendendo delle belle
soddisfazioni. In seguito ai premi di Roma, infatti, la casa di produzione di
Luca Argentero ha comprato i diritti della serie, assegnandogli una Stella
d’Argento, attributo di merito per il 2014. Ma, ora, dopo il Los Angeles Web
Fest 2015, si aprono le porte di altre realtà.
La squadra di Aragoni sta già lavorando al proseguo della
serie. Ma il gruppo pensa anche a nuovi progetti. L’idea è sempre la stessa:
fare del loro mestiere un lavoro professionistico in Sardegna. Con un
entusiasmo che ora sarà davvero difficile arrestare. E ora che sono stati in
America, hanno fattouna capatina nel deserto di Mojave, per
girare nuove scene nella location originale degli spaghetti western. Quella
che, nell’immaginario collettivo, fu di Leone e Morricone, e della migliore
tradizione west. Una passione che, come si vede, porta lontano, anche i
discepoli dei loro maestri.
il film è tratto da un romanzo di Knut Hamsun, che nel 1920 ha vinto il Nobel per la letteratura (Knut Hamsun ha poi avuto molti problemi per l'entusiastico appoggio ai nazisti, nella Norvegia occupata, ma questa è un'altra storia).
Per
Oscarsson ha vinto il premio come miglior attore a Cannes nel 1966, sulle sue spalle si regge il film, la ragazza è Gunnel Lindblom (attrice di molti film di Ingmar Bergman).
ambientato nella Oslo del 1890 racconta una storia che ricorda un po' Charlot, un po' Andreas Kartak, il santo bevitore, in un bianco e nero bellissimo.
Pontus è un personaggio che soffre la fame, ha una sua dignità e coerenza, il domani è nella nebbia, non solo l'oggi.
amatissimo da Paul Auster, è un piccolo capolavoro da (ri) scoprire - Ismaele
Knut Hamsun's remarkable bookHUNGERwas written in 1890 and it remains one
of the freshest books I've ever read. This 1966 film adaptation,SULT[HUNGER], was the
first ever Swedish/Danish/Norwegian film co-production and it is a masterpiece
of cooperation, subtlety and respect for its source material. It was director
Henning Carlsen's fourth feature film (after fifteen years making
documentaries) and he talks eloquently in the DVD extras interview about the
problems of adapting an entirely first person perspective book to the screen.
In another filmed extra, author Paul Auster talks of his love for the film with
Hamsun's grand-daughter Regine, who both agree that it is one of the best film
adaptations of a novel ever. Auster compares the intensity of the film to
Bresson'sDIARY OF A COUNTRY PRIEST, another of his favourites.
The entire film rests on Per Oscarsson's lead
performance - he is in practically every shot of the film - and he completely
embodies the main character of Hamsun's book (even though he was second choice
for the role).
The list of interesting people who worked on this film
is astonishing: Bergman regular Gunnel Lindblom plays the female lead; for art
director Erik Aaes (who worked for Renoir, Cavalcanti, Dreyer, etc) it was his
last film; regular Polanski collaborator Krzysztof Komeda wrote and performed
the haunting score; and Birgitte Federspiel (Inger inORDET) has a small role as Lindblom's sister-
If you enjoy beautiful,
Black and White films, HUNGER is one for you to enjoy. The film captures the
look and feel of 1890 Oslo to perfection. According to the commentary, in 1966
this picturesque area of the city still existed, and the film was shot on
location. Another compelling aspect of this film is the depiction of 'madness'.
Per Oscarsson's portrayal really allows the viewer to inhabit his skewed
paranoid world…
If you enjoy beautiful,
Black and White films, HUNGER is one for you to enjoy. The film captures the
look and feel of 1890 Oslo to perfection. According to the commentary, in 1966
this picturesque area of the city still existed, and the film was shot on
location. Another compelling aspect of this film is the depiction of 'madness'.
Per Oscarsson's portrayal really allows the viewer to inhabit his skewed
paranoid world…
Based on the novel by
Knut Hamsun, this Danish film tells the story of a proud, struggling writer who
takes great pains to hide the fact that he's broke and newly homeless. On his
last night in his apartment, he feverishly writes his masterpiece and eagerly
awaits its publication. While wandering in a park, he follows a woman (Gunnel
Lindblom), who then becomes fascinated by him and invites him up to her flat…
Why does Pontus, the
starving writer who narrates the Norwegian novelHunger and
appears in every scene of Henning Carlson's 1966 film adaptation, want to
starve himself? There can be no doubt that his hunger is self-imposed. A friend
invites him to lunch, and probably would treat him to a bowl of stew if
pressed. Concerned neighbors suggest he return to his family's home in the
country, where presumably he could at least have a place to sleep and three
squares a day. Several times, he's openly offered money, by a publisher who
expresses interest in one of his articles, a pawn shop owner who purchases his
waistcoat and a grocery clerk who mistakenly hands him change. Each time,
Pontus devises some excuse to dispose of the money without eating. He'd rather
make himself ill chewing on a salvaged cow bone or pass out in the streets of
Oslo from exposure and malnourishment than accept charity or compromise his
principles. As if reflecting the inner monologue of its
hero, Carlson's film fetishizes suffering and want. Pontus stares longingly
through windows into restaurants and apartments where families sit down for
succulent meals in shots reminiscent of Chaplin or Lloyd's silent comedies
about hapless tramps. Long, funereal shots of Pontus stumbling down streets in
a daze, curling up in alleyways to sob quietly out of public view, elevate his
purposeful hunger strike to the level of an existential crisis. He is a man
desperate to feed his appetites, yet also a committed ascetic, seeking solace
in his own deprivation…
…Pontus
lives to write, and would do nothing to jeopardize what burns inside him. After
obsessively writing his supposed masterpiece with little regard to his
well-being and giving a manuscript to a publisher, he's promised money for an
article he's invited to submit as the editor says he has some talent. Penniless
and unable to secure employment, he's forced to wander the streets when his
landlady gives him the boot for not paying the rent. While roaming the city he
will berate strangers over imagined insults; accompany an unemployed artist
friend to a restaurant but will not eat or let on that he's broke and hungry;
at a pawnbroker's he will sell his waistcoat for some spare change, but his
quilt will not be accepted. He will retreat further into daydreams,
hallucinations and will show signs that he's losing his mind. Strange comments
will start coming from him, as he asks for no apparent reason a number of
policemen the time and then either compliments or criticizes them upon their
responses. Pontus will find another squalid residence on the promise of being
paid for the article, but he can no longer concentrate on that task as his
hunger has become so great. He will also get the boot from here when he can't
pay the rent. While in the park he will attract the attention of a genteel lady
(Gunnel Lindblom) walking with her uppity sister; he will later meet her alone
on the street and get invited to her place, as she finds his ways romantically
mysterious and intriguing. But this stab at love ends in pitiable failure, as
she realizes he's not the romantic bohemian or charming drunk she first thought
but a poor soul living on the edge. Rejecting the romance, she will try sending
him money later. But he's too proud to accept charity and gives it to others he
thinks are more needy. This pride leaves him abandoned without food, shelter,
warm clothes, or friendship, so in the end he opts to leave the city to be a
deckhand on a ship. The point being that as down as he's become, Pontus still
believes in his art, his worth and the future of mankind…
il film racconta una storia davvero successa, tutti conosciamo "Fuga per la vittoria", di John Huston, che abbiamo visto tante volte in tv, film entusiasmante, che finisce bene.
la storia vera è ben altra (leggi qui e qui), e "Two Half Times in Hell" la racconta fedelmente.
il film non passa mai in tv, sarà che è in bianco e nero, sarà che non finisce come le favole.
eppure è un gran film, che parla sì del calcio, ma non dimentica la crudeltà e la realtà dell'oppressione nazista.
gli organizzatori della partita omaggio a Hitler sono gli stessi che avrebbero sparato con piacere a Jesse Owens, un negro che aveva osato battere gli atleti bianchi, nel 1936, a Berlino, ma lì c'erano troppi testimoni.
cercate questo piccolo grande film ungherese, non lo si dimenticherà più - Ismaele
…Two half times in hell es una drama aunque
por momentos no lo parezca. Pasa de ser un film simplemente simpático a uno que no se
olvida debido a su final atrevido e inesperado.Zoltán
Fábri,
que tambien participó en el guión, traza unos personajes con motivaciones
dramáticas muy personales consiguiendo que el espectador pueda empatizar
fácilmente con ellos…
…En primer lugar, el campo de juego no será un
lujoso estadio abarrotado de público, sino que el campo de juego en este caso
será una simple explanada aderezada con un par de porterías y las líneas que
demarcan el terreno de juego. Tampoco hay partisanos que tratan de ayudar a
escapar a los jugadores, al contrario, en este partido los jugadores conocen de
antemano que la fuga es imposible, siendo pues el único objetivo la victoria,
animados por el resto de convictos que a medida que pasa el tiempo tornarán su
inicial desconfianza en el teatrillo montado por los nazis en un ánimo sin
fisuras hacia su equipo ante la posibilidad de visualizar aunque sea únicamente
en el escaso espacio temporal de duración de un partido la derrota del enemigo.
Asimismo, Two Half-Times in
Hell carece de jugadores profesionales dentro de su elenco
protagonista, por lo que no contemplaremos jugadas de exacerbada belleza
plástica, ni regates imposibles, ni por descontado rabonas ni taconazos. Aquí
el juego es sucio, al igual que es sucia la guerra que sirve de marco ambiental
al film, pero ello no es óbice para que Fábri filme las secuencias
futbolísticas con un talento solo al alcance de los grandes ofreciendo un
espectáculo cinematográfico al espectador de primera magnitud, inyectando a
medida que transcurre el tiempo las necesarias gotas de suspense y heroísmo que
precisa una película de estas características. Y ello es llevado a cabo con el
talento de los grandes, mezclando con virtuosismo planos cenitales con
travellings tomados a ras de campo que suponen todo un soplo de realismo del
que adolece la cinta americana..
Sobran las palabras para calificar a esta gran
obra maestra del cine magiar. Lo más maravilloso de este tipo de films es sin
duda el hecho de poder conocer estas obras escondidas del cine europeo que
espero que el transcurso del tiempo y la curiosidad del cinéfilo conviertan en
obras de referencia popular. Quien descubra por primera vez Two Half-Times in Hell disfrutará
de una película maravillosa, perfectamente ambientada, montada e interpretada
perteneciente a ese cine europeo de los sesenta que combinaba a la perfección
entretenimiento con filosofía trascendental y humanismo. Sin duda una película
que marca.
To celebrate Hitler’s
birthday, the commander of a Hungarian labour camp decides to arrange a
football match between his inmates and a team of visiting German soldiers, and enlists
the talents of a celebrated former footballer to help make it happen, whose
only request being that he and his teammates be properly fed and excused from
work. However, the minds of the eleven men – comprising of Communists,
criminals, and Jews – soon turn to thoughts of escape, in Fábri’s unevenly
diverting wartime comedy-drama. Strange tonal changes, unlikely plot
developments, and a general overlength detract somewhat from the entertainment,
but charismatic performances and several laugh-out-loud moments make this film,
which was remade by John Huston asEscape
to Victory (1981), more than worth a watch.
