sabato 29 aprile 2017

Pod mocnym aniolem (The Mighty Angel) - Wojciech Smarzowski

già il grande Wojciech Has, con Petla, aveva messo al centro un uomo alcolista come pochi, Wojciech Smarzowski fa lo stesso, in un film che fa soffrire come pochi altri film, senza scorciatoie e sorrisi.
Robert Wieckiewicz, attore bravissimo (come tutti, d'altronde), già Walesa nel film di Andrzej Wajda, è il protagonista del film, intellettuale di successo col vizio del bere.
sta in un ospedale per alcolizzati, e di ciascuno dei colleghi d'ospedale conosceremo la storia.
di Wojciech Smarzowski non si sa praticamente niente in Italia, come del cinema polacco, uno dei più vivi d'Europa.
meno male che c'è internet (e i sottotitoli, sempre siano lodati quei pazzi che li fanno).
cercate questo film, soffrirete, ma ne vale la pena.
Wojciech Smarzowski fa Cinema, segnatevi il nome, se vi volete bene.
buone visioni - Ismaele




The films from Polish filmmaker Wojciech Smarzowski are always interesting to follow, no matter what theme he chooses – whether the dark crime thriller of “The Dark House”, the humorous drama of “The Wedding”, the coldness of war in “Rose”, or the severe accusations of corruption and power abuse made by Polish police in “Traffic Department” – each of them had something valuable to say in its harshness and objective rawness. “Pod Mocnym Aniolem” (translated “The Mighty Angel”) is another powerful drama focused on alcoholism and based on Jerzy Pilch’s successful fourth novel with the same title. The film follows Jerzy (Robert Wieckiewicz), an intelligent and talented writer who can’t keep off from the bottles of vodka, even doing frequent treatments in a rehabilitation house and attending group sessions. Evincing a corrosive sense of humor, his denial takes him to a cynicism and to a spiral of degradation that not even the woman of his life is capable to bear. He wanders and writes in a sort of limbo state where reality and imagination interweave. We are taken through the stories told by other alcoholics, but also to Jerzy’s memories of his drunken father. Horrible images haunt us, depicting embarrassing situations, deliriums, vomiting, and crazy hangovers. It’s a sad film, about suffering, about loss, about fate… Its finale is simply devastating, even cruel. I was touched in two ways – one given the last hope sought by Jerzy, and the other through the creepy loneliness that can ruin everything again. Although with a slow-burning start, “Pod Mocnym Aniolem” won me over.

The Mighty Angel is not an extended sermon, it’s far more subtle and human than that. Director Wojtek Smarzowski has a keen eye for detail, for the subtle shifts in tone that mark human conversations when the subjects are trying to resist cynicism and cling to hope and compassion. This is alcoholism set within the much broader and more complex issue of heavy social drinking, which is a problem many are unwilling to discuss, not just in Europe, but in countries around the world.
The Mighty Angel is also a visually impressive film. Hand-held GoPro (point of view) shots and closed circuit video feeds are mixed with more conventional cinematic techniques to create a shifting range of perspectives. The timeline of the film often shifts, so we are often not sure at what point in the story we are, or whether the conversation is real, imagined, or reconstrucated from the drunk’s fragmented memories.
The Mighty Angel is a stark, harrowing and thoroughly intelligent look at both alcoholism and the all-pervasive place of alcohol in society. Brilliantly directed and anchored by a remarkable lead performance, The Mighty Angel is essential viewing – highly recommended.

Polish cinephiles await Wojtek Smarzowski’s every film as impatiently as cinephiles in the USA wait for, let’s say, Quentin Tarantino’s pictures. Smarzowski is now a trademark of Polish quality cinema that can proudly be exported. He is an auteur. Surprisingly enough, after his latest success with Traffic Department (2013), his newest film The Mighty Angel (2014), an adaptation of a Jerzy Pilch novel, has been met with cold indifference and at times strong revulsion. But while Smarzowski’s newest production is yet another brilliant (yes, brilliant) piece of cinema, the reasons why it is criticised shed some light both on society’s attitude towards alcoholism and on the way in which we idealize the role of director in the collective art of filmmaking.
Between Wojciech Jerzy Has’ The Noose (1957) and The Mighty Angel, there was no remarkable film produced in Poland that tackled alcoholism in a comprehensive way. Smarzowski in his trademark sensory way reveals the worst about the disease: numerous alcoholics flood each scene with rivers of cheap spirits, vomit, urine and desperation. Rare glimpses of “normal life” – where love triumphs and people are pretty and kind – are continuously overpowered by the dark ugliness of poor living conditions and the even poorer shape of human morale. Despite being a famous writer who supposedly finds the love of his life, protagonist Jerzy is repeatedly hospitalised due to excessive drinking. Each of Jerzy’s detoxifying visits is yet another visit that should – one day – cure him completely. Certainly, refined aesthetes will shy away from almost every scene exposing the interiors of alcoholics’ stomachs. And that seems to be the problem…

I just watched this move today. Like all movies directed by Smarzowski this is not Hollywood-like story. A story about real problem in our life - alcohol. If you ever get wasted, if you ever had hangover and if you ever had black out or hunger for drinking another shot - you would not be satisfied after watching it. It is not a romantic story about drinking problems like "When a Man Loves a Woman". It is funny at first but then you realize that you might behave the same when you drunk - then it's not funny any more. No-one laughed at the end of this movie. My wife even wanted to leave cinema without watching it till the end. But don't get me wrong- it's a great movie. It's comparable to "Requiem For A Dream" but without such great music. That's why I gave it a nine.



venerdì 28 aprile 2017

Ma Loute – Bruno Dumont

in Ma loute appaiono i grandi attori, che impersonano dei dementi, le bambine diventeranno come loro, chissà.
qui non c'è speranza per nessuno, tutti sono dannati, non ci sarà mai un incontro e una comprensione fra los de arriba e los de abajo, la mobilità sociale è impensabile, i servi saranno sempre servi, come i loro figli, non si discute, i ricchi fanno schifo, classisti fino al midollo.
questo il film lo fa capire benissimo, ma è un film esagerato, grottesco, sopra le righe.
tutti sono caricature, macchiette, i poliziotti per primi, sembra di vedere le comiche (che erano mute, ma qui si parla una lingua a noi incomprensibile, per cui l'effetto è quasi lo stesso).
i ricconi sono dei parassiti, chissà se lo capiscono, la religione è un collante fra le classi, anche il prete è un demente.
il regista è tecnicamente bravissimo, ma il film non mi ha convinto,
Ma Loute sembra una variante di P'tit Quinquin, che era davvero bello, Paganini non ripete, Bruno Dumont invece si ripete, riuscendo anche un po' ad annoiare, alla lunga.
(i Cahiers de Cinema lo mettono al quinto posto rispetto alla prima posizione del precedente)
comunque buona visione, giudicate voi - Ismaele








 Si contrappongono personaggi di due diverse classi sociali. I poveri, la famiglia Brufort a cui appartiene Ma Loute, interpretati da attori non professionisti, sono pescatori, raccoglitori di mitili e trasportatori a braccia di turisti tra una riva e l`altra della baia durante la bassa marea. Dall`aspetto ricordano i mangiatori di patate di Van Gogh. Sono antropofagi, divorano carne umana (borghese) ed emettono grugniti bestiali. I ricchi, la famiglia Van Peteghem, interpretati da attori famosi: Fabrice Luchini, Juliette Binoche, Valeria Bruni Tedeschi, vengono a trascorrere le vacanze in una villa di stile egizio sopra il villaggio. Borghesi in decadenza, atteggiati e inebetiti, per i quali è tutto meraviglioso e fantastico, che nascondono un passato incestuoso e perverso. Si sono sposati tra cugini per favorire la fusione dei loro capitali.
Alto e basso, ricchi e miseri, si cade e si vola, da un lato si mostra un perbenismo di facciata, dall`altro una primitività bestiale.
Un film dalle immagini forti, tra il reale e il surreale, tra il comico e il crudele (alla Tarantino) che non è altro che la trasposizione della commedia umana con tutte le sue sfaccettature e le sue contraddizioni.

da un lato la derisione è universale, e colpisce tutti. C'è però una differenza cruciale, ed è una differenza di classe (sociale): i viziatissimi altoborghesi, al limite dell'idiozia, sono derisi in quanto caricaturali; i poveri lo sono perché sono grotteschi. Pur con una certa approssimazione, è possibile affermare che mentre il grottesco sta per una deformità naturalizzata, considerata come inerente all'ordine delle cose, il caricaturale è una questione di stile. È  una deformazione deliberata e intenzionale di un oggetto la cui originaria non-deformità è fuori questione, e data tanto implicitamente quanto inequivocabilmente. Per questo i ricchi personaggi violentemente caricaturati sono interpretati da attori famosi; non così i poveri, non di rado interpretati addirittura da non professionisti.

Certo, dietro l'individuazione di questa stessa differenza c'è ancora la classe: sono i ricchi a pensare, ipocritamente, che la turpitudine dei poveri non abbia origini sociali, ma sia nell'ordine naturale delle cose. Il gioco a cui gioca il film è in effetti, proprio questo: costringe lo spettatore a spostare una mal riposta illusione ideologica per poi sbattergli in faccia l'evidenza di quanto torto abbia. Lungo più di metà del film, infatti, Dumont sembra suggerirci che una mediazione pacifica tra i due mondi sia tutto sommato possibile (l'eponimo Ma Loute, primogenito dei miserevoli Brufort, si innamora ricambiato della figlia dei ricchi). Poi però lungo tutta la seconda nega recisamente la percorribilità di qualsiasi conciliazione, schiaffeggiandoci con un “no” dietro l'altro, vale a dire con altrettanti ribaltamenti e U-turn narrativi che, per pura virtù di accumulo, finiscono per fare esplodere qualsiasi forma di integrità del racconto. Opportunamente, uno dei personaggi a un certo punto non la smette di confondere il termine dénouement (scioglimento narrativo) con débordement (l'eccesso, lo straripare fuori dai margini)…

Nella seconda parte alcune dinamiche si fanno ripetitive e il gioco mostra leggermente la corda, ma le trovate surreali e la caratterizzazione dei personaggi sono divertenti fino all'ultimo e non mancano sequenze visivamente geniali…

Osserviamo il poster: all’interno dell’ovale si nota una variegata umanità dalla quale emerge almeno un tratto comune: ognuno dei soggetti ivi riportati ha una posa da perfetto imbecille, poi leggiamo sotto al titolo la paternità dell’opera e un pochino di dubbi si materializzano: ma come? È proprio quel Dumont lì? Quello che faceva quei film là e a cui difficilmente si sarebbe pensato di accostare una locandina del genere? Perché comunque le locandine sono importanti nei circuiti di vendita, presentano il prodotto, lo identificano, attraggono, ed è per tale motivo che, ad esempio, le opere sperimentali non hanno bisogno di poster poiché non necessitano di pubblico ma di persone, di esseri umani, ed è sempre per questo che Dumont ha piazzato già nel primo strato di Ma Loute (2016) con cui dobbiamo rapportarci la quintessenza del film stesso, ovvero un prodotto di marcata attorialità, di focus caricaturale, di commedia esacerbata e a volte anche un po’ scema…

Va bene tutto però dopo un po’ uno si annoia, si infastidisce. Ma Loute parte anche bene, per mezz’ora il film è piacevole e divertente in tutte le sue eccentricità; c’è la critica sociale, c’è uno sfondo politico (ma anche Grease è politico!), ci sono le solite derive umane di Bruno Dumont. Però poi hai la sensazione che il regista ti molli per strada, che si dimentichi che tu sei lì, come un fesso, seduto in sala a fissare uno schermo enorme in una sala semideserta con qualche altro poverino che ha provato il brivido del film francese pazzariello proveniente da Cannes. E finisce che con il sopracciglio alzato osservi un grande obeso volare nel cielo con un effetto visivo che nemmeno Méliès, che nemmeno alle prime dieci ore di un corso serale di After Effects faresti così male – ma male male!...

 Estremizzando i due mondi, il regista francese chiede alle sue star di non trattenersi in un alcun modo, cercando anzi una recitazione sempre sopra le righe, oltre il teatrale, per rimarcare l’ipocrisia di una nobiltà già all’epoca antistorica e decaduta. Di contro, alla famiglia di pescatori, suggerisce di non dimenticare mai la natura ferina che ne contraddistingue anche i tratti somatici, costringendoli a fagocitare (letteralmente) le carcasse di una specie destinata all’estinzione.
Il tutto, naturalmente, incastonato nella cornice struggente e mozzafiato di un luogo selvaggio che, a quanto pare, neanche la forza del vento è capace di trasformare. Saranno le persone, piuttosto, a volare via, vuoi per miracolose ascese verso il divino, vuoi per trasformarsi in veri e propri palloni aerostatici con cui adornare una festa in giardino. Ed è anche nell’insistenza di questo nonsense esasperato che Dumont, trascorsa la prima mezz’ora del film, finisce per annoiare. Quasi incapace di arrestarsi, come accade con gli innumerevoli ruzzoloni dell’irresistibile Machin, personaggio che sembra uscito dalle comiche in bianco e nero dei primordi della storia del cinema. Ma anche quello è un giochino che dopo un po’ stanca.
Chissà, forse è ancora presto per dirlo con certezza, ma ancora tendiamo a preferire il Dumont vecchie maniere. Si rideva meno (anzi, per nulla), ma i suoi film erano capaci di durare ben al di là dei titoli di coda. Un cinema cannibale, quello sì capace di mangiare anche lo spettatore, che non faceva prigionieri.

 Il digitale può - in altri film - aver appiattito alcuni elementi visivi, ma fornisce molti aiuti a un film come questo. Rende possibile inquadrare campi larghissimi su cui far irrompere nettamente un volto stravolto in primo piano. Rende a portata di mano semplici effetti speciali digitali molto utili per le scene slapstick, con i personaggi che letteralmente volano di qua e di là. Il dominio della post-produzione infine consente scene spettacolari come la tempesta a un passo dalla spiaggia assolata, forse l'apice visivo e  drammatico del film, dal sapore quasi verghiano. D'altro canto un film del genere vive sul fisico dei propri attori in particolare quelli non protagonisti (i già citati Billie e Machin, ma anche Eternel, il padre di Ma Loute) che comunicano potentemente con la loro sola presenza - ma anche sull'autodeformazione di Luchini.
Dumont sostiene che nessun registro richieda la stessa attenzione formale del comico. Nei tempi, ovviamente, si veda l'estenuante taglio della cacciagione, ma anche nella fotografia, con la selezione ad ogni caduta di Machin della prospettiva in cui risulti maggiore la ridicolaggine.  Seguendo questo principio il regista mantiene un estremo controllo formale - si veda ad esempio il lavoro sul suono - ma allo stesso tempo si sente libero di strabordare con i temi e le svolte narrative. L'unico vero difetto del (bel) film sta in questa simpatica ingordigia che a volte taglia fuori lo spettatore a forza di accumulare gag, brevi sottostorie e temi assurdi. Come in cucina, mescolare sempre tutto - ad esempio il dramma e il grottesco nel dialogo tra Luchini e la Binoche - conduce a pasti che vengono ricordati di più per la loro stranezza che per la loro bontà.  "La trasgressione mi interessa, che sia l'ambiguità sessuale, il cannibalismo, l'incesto, etc. - sostiene Dumont - Posso trattare la mostruosità, il proibito, attraverso il comico." Il film è pregevole visivamente e regala risate sincere, ma alla fine piacerà anche nella misura in cui si accetta questo punto di vista.

A very different film from Dumont. This absurdist film takes place in the 1910s at a beach site where local poor fishermen literally live off tourists and the inbred bourgeois rich family that keep a mansion on the beach. I say literally, because they not only make money by being their ferrymen, they also eat them when they get too hungry. The rich family of inbreds are all acted over-the-top, from the bumbling incompetent hunchback, to the hysteric women, and they have a girl that frequently changes her sex and clothing on a whim. A Laurel & Hardy police-man duo are investigating the missing people, the fat one frequently rolling down hills or falling down, and trying not to be distracted by the cross-gender teenager, a budding romance between the two families, and a nudist beach. This leads to a surreal, fantasy climax that doesn't seem to go with the rest of the movie. Although this may bring up comparisons to Delicatessen thanks to the cannibal comedy, the slapstick is awkward, and the over-the-top treatment is also annoying and also doesn't allow the satire to be anything other than silly. But it's odd enough to keep one entertained, and it's visually beautiful to look at.
da qui

lunedì 24 aprile 2017

Escobar (Escobar : Paradise Lost) - Andrea Di Stefano

Pablo Escobar poteva farlo solo Benicio Del Toro, alla fine credi che sia stato davvero così, quel delinquente assassino, amico del popolo.
il film non sarà perfetto, è un'opera prima, ma Andrea Di Stefano ha stoffa, se gli faranno fare film e se glieli distribuiranno vedremo belle cose.

non ha grandi giudizi positivi, leggendo qua e là, ma a me è piaciuto abbastanza, Benicio Del Toro che recita è proprio un bel vedere - Ismaele







 Con Escobar: Paradise lost nasce un regista. Andrea Di Stefano, attore italiano dalla carriera internazionale, dimostra con il primo film di possedere tutte le qualità del buon regista, compresa l'ambizione, quando è ben riposta come in questo caso. Si confronta con una materia complessa, potentemente schizofrenica, e con un altro regista, uno dei più grandi e dei più folli. Escobar, dio della povera gente e demonio incarnato, si curava moltissimo dell'immagine di sé che voleva restituire, sapeva confondere, illudere, e non sono poche le sequenze in cui Di Stefano lo mette dietro un obiettivo fotografico, a dirigere un matrimonio o una folla ("porta via Maria da qui" arriverà ad ordinare ad un certo punto a un suo scagnozzo, in un attimo di delirio, in un campo di calcio gremito di gente accalcata). 
Benicio Del Toro, già Che Guevara, indossa un'altra icona latinoamericana, di segno diametralmente opposto. La forza della sua interpretazione è la stessa del suo personaggio e ha a che vedere con le sfumature profonde e insondabili dell'autoinganno. Quell'uomo che parlava con Dio prima di ordinare i più atroci massacri, che cantava struggenti canzoni d'amore alla moglie, leggeva le fiabe ai figli, ma non si fidava nemmeno dei collaboratori più stretti, s'ingannava lui stesso rispetto alle proprie azioni ("tutto quello che facciamo lo facciamo per la nostra famiglia") o covava un'anima più nera del nero? Senza che in alcun modo questo dubbio passi mai per una sfumatura di giustificazione, Del Toro ne fa la pasta della propria performance, ipnotizzante…

…El film tiene sin duda un aire padrinesco, la cinta de Coppola es una influencia casi inevitable para cualquier película sobre el crimen organizado cuando sus protagonistas dicen preocuparse de su familia, y son dados a una extraña piedad religiosa, mientras matan sin compasión. Aquí se suma la idea de que el pueblo humilde está contento con Escobar, que les ofrece un modo de vida, de modo que el gángster se puede permitir darse algunos baños de multitudes.
Si toda la narración se sigue con interés, todo cobra un ritmo vertiginoso y desasosegante cuando se cierra el flash-back con que se inicia el film, y nos toca seguir a Nick, al que se le ha hecho un impresentable encargo mientras Pablo Escobar debe entregarse a las autoridades, según el acuerdo al que ha llegado con el gobierno. Realmente Di Stefano y Hutcherson logran meternos en la piel del pobre Nick, empujado a cometer acciones inmorales que sabe que no debe ejecutar. El film se prestaba a la violencia, pero el director opta casi siempre por el fuera de campo sin que la fuerza de lo narrado se resienta lo más mínimo.


… Probabilmente il film soffre di quei difetti che emergono da molte opere prime, ma c’è da dire che ad Escobar non manca certo l’ambizione. Il dualismo tra i due protagonisti (Pablo Escobar e Nick, interpretato da Josh Hutcherson) è il filo rosso principale che, però, non si esaurisce con il confronto tra i due. Attorno al contrasto tra le due personalità ruota tutta una serie di argomentazioni che in un certo senso caratterizzano il pragmatismo con cui agisce una person(alit)à come Escobar. Religioso benefattore per il popolo, padre amorevolissimo per i figli, spietato e cinico uomo della malavita per chiunque altro, amici compresi.
È proprio con l’intento di farci perdere l’orientamento su qualsiasi definizione di “bene/male” che il regista gioca le proprie carte scrivendo una sceneggiatura interessante e originale, uscendo dagli schemi del biopic e prendendo in considerazione quel breve periodo della carriera politica di Escobar. In questo modo rappresenta il più grande criminale di sempre nel momento di maggiore popolarità tra la propria gente, mettendo in moto un meccanismo dove viene assolutamente annullato il rischio di creare una situazione di stallo.


No Borders - Haider Rashid



Dopo aver vinto il Premio MigrArti come Miglior Documentario alla 73esima Mostra del Cinema di Venezia, No Borders porta a casa anche una menzione speciale ai Nastri d’argento per la particolare attenzione all’attualità. Il cortometraggio di Haider Rashid è stato uno dei prodotti più importanti del 2016 per il cinema italiano, in quanto è riuscito a usare le nuove tecnologie per raccontare come mai prima la crisi dei migranti.
Il regista fiorentino, nato da padre iracheno e madre italiana, è stato il primo in Italia a realizzare un esperimento di realtà virtuale: il suo documentario, girato a 360 gradi, permette allo spettatore di esplorare in prima persona il centro Baobab di Roma e il presidio No Borders di Ventimiglia. Sul web, basta utilizzare il mouse per guardarsi intorno, mentre, durante alcune speciali proiezioni, come quella organizzata alle Giornate degli Autori di Venezia, sono stati forniti degli schermi-maschera per fare immergere gli spettatori nella quotidianità degli emigrati. Un’esperienza visiva che crea empatia utilizzando l’obiettività anziché il pietismo: Rashid ha scelto di mostrare situazioni di estremo disagio senza mai dare voce a storie personali…

domenica 23 aprile 2017

Lasciati andare - Francesco Amato

il film per tutta la prima parte è un film bello, ma normale, del genere screwball_comedy, piena di battute sempre più a fuoco.
Toni Servillo fa Toni Servillo al meglio, come sempre, e gli altri sono tutti bravi.
poi appare Ettore (Luca Marinelli) e il film spicca il volo.
Ettore sembra uscire da qualche miracoloso film degli anni sessanta, di quelli della commedia italiana di Monicelli e Comencini, un po' Gassman e un po' Mario Adorf.
un film che non lascia delusi, merito di una sceneggiatura con gli incastri giusti.
non aspettate che lo tolgano dalle sale, non fate come Napalm 51, avrebbe voluto vedere quel film, ma poi non c'era più al cinema.
buon film a tutti! - Ismaele





Toni Servillo movie, che è ancora un genere a parte, dove tutto è costruito per il buon funzionamento del protagonista, anche se Luca Marinelli come coatto vendicativo finirà per rubare la scena a tutti come faceva Diego Abatantuono nei primi film dove non era ancora protagonista. Ma questo Lasciati andare, grazie anche alle forze che mette in campo, è di fatto uno dei film più riusciti e divertenti della stagione e va quindi trattato con un certo riguardo…

Esclusa qualche sporadica battuta e un paio di gag fisiche molto blande non è al suo psichiatra Elia Venezia che sta il compito di portare avanti la leggerezza del film, anzi sembra fare di tutto per professarsi fuori dal campo del risibile. È semmai l’incredibile Veronica Echegui il motore del film, presenza elettrica ed esaltante, personal trainer che si impone nella vita del pigro intellettuale quando viene obbligato dal medico a fare del moto. Non c’è scena che quest’attrice spagnola (che per il film sfoggia un fenomenale romano-spagnolo da antologia) non illumini e non animi di pura forza filmica, una vera scoperta. Ogni battuta e ogni incomprensione da lei sbandierate si animano di quell’irresistibile patina esilarante che hanno le vere imprevedibili incomprensioni, ogni guaio in cui trascina il professore tirandolo fuori dalla sua vita tranquilla sembra un aneddoto più che un invenzione. Un po’ caotico, un po’ assurdo.
Sta un po’ qui la stranezza affascinante (e divertente) di Lasciati Andare, da questo movimento dell’austero psichiatra, quasi reticente ad entrare in una commedia, e dell’elettrica personal trainer, che nemmeno si rende conto di non poter fare a meno di viverci dentro da sempre (il suo video di esercizi che viene mostrato ad un certo punto è gioiello). Nasce così un film in cui sembra che Toni Servillo, così a suo agio quando c’è da esagerare con il grottesco ma molto meno con la commedia sottile, sia la spalla di tutti, della sveglia ex moglie Carla Signoris che gli abita accanto e ancora gli fa il bucato o del criminale di Luca Marinelli, dotato di alcuni dei piani di ascolto più divertenti dell’anno, capace di far ridere anche solo ritraendosi un po’ spaventato all’avvicinarsi dello sguardo dello psichiatra…

Il meccanismo è semplice, e ruota attorno all’incontro casuale tra due figure a loro modo antitetiche: da un lato Venezia, razionale e ben poco interessato agli istinti primari dell’uomo, e dall’altro Claudia, spagnola trapiantata a Roma che invece ragiona ben poco preferendo lasciarsi guidare dalla natura, e dal corpo. Nel gioco sugli opposti, ovviamente, a vincere è l’irruenza di Claudia, che trascina il bolso psicanalista in un vortice di disavventure di ogni tipo, rimediandogli emozioni (e infortuni) mai patiti nel corso dell’intera vita. Uno schema basico, forse, ma che permette a Lasciati andare di mantenere un ritmo indiavolato, sradicando i personaggi da quegli appartamenti e da quelle stanze in cui solitamente vengono reclusi, e cercando di sposare alla verve dialettica anche un sano gusto per la corporeità in scena. Tra ruzzoloni, incidenti, minacce di morte e scazzottate al ristorante, Amato confezione una commedia brillante, che viene naturale sostenere nonostante alcuni passaggi a vuoto: dispiace veder utilizzato così per esempio il personaggio di Yuri, compagno di cella di Marinelli che irrompe in scena senza preavviso e si muove di sequenza in sequenza in maniera ondivaga, senza troppa attenzione al suo sviluppo.
Eppure a vincere è soprattutto l’alchimia che si crea nella coppia Servillo/Echegui, destinata a diventare triangolo scaleno con l’apparizione di Marinelli. Lì, e nella rilettura di un personaggio borghese costretto a fronteggiare il mondo che lo circonda e a uscire dal suo guscio/cella/utero, la sfida di Lasciati andare può considerarsi vinta.

Il punto di forza di Lasciati andare sta nella sceneggiatura composta da dialoghi freschi e per nulla banali, dove a farla da padrone è l’ironia delle battute affidate al protagonista Toni Servillo. Quest’ultimo si è dimostrato in grado di interpretare un ruolo da commedia, nonostante noi siamo abituato a vederlo in parti drammatiche. Per l’attore, infatti, è il primo ruolo in una commedia. Tutti gli interpreti (anche gli attori secondari) - Luca Marinelli, Carla Signoris e Veronica Echegui - sono perfettamente in parte. Quest'ultima ha dato grande prova delle sue capacità espressive in Lasciati andare, che si avvale anche di riferimenti letterari degni di nota e che gioca sulla presunta ignoranza delle giovani d’oggi. Parliamo di quelle ragazze che per molte persone, essendo belle e dinamiche, hanno un basso quoziente intellettivo. Insomma, non manca l’uso degli stereotipi nel film di Francesco Amato. La pellicola gode di un ritmo incalzante adatto al suo genere di appartenenza e in grado dimettere in risalto la sua grande verve umoristica, grazie alla quale difficilmente il pubblico in sala riuscirà ad annoiarsi. Infine, oltre al confronto generazionale dato dai due attori principali (Servillo e Echegui), emerge una profonda caratterizzazione psicologica dei diversi personaggi coinvolti, ognuno con i suoi problemi e con il suo modo di affrontare la vita di ogni giorno.