Cave of forgotten dreams - Werner Herzog

un viaggio nel nostro passato, un regalo bellissimo per chi può vedere il film in 3D (finora per me l'unico film in cui il 3D fa la differenza), immagini e musica sono un tutt'uno, un'emozione da non perdere - Ismaele

…Rileggendo il titolo verrebbe da chiedersi: abbiamo dimenticato dei sogni? Abbiamo il linguaggio per interpretarli e narrarli, abbiamo la tecnica per riprodurli, davvero ci manca qualcosa? Forse abbiamo dimenticato la dimensione del sogno più che i sogni stessi. Quella dimensione che Herzog aggiunge con il 3D alle due della rappresentazione cinematografica classica: una dimensione altra, fuori dalla nostra, quella dimensione che, attraverso e attraversando l'immagine, gli uomini di 35mila anni fa ritraevano sulle pareti delle caverne. 
La Chauvet Cave si pone fuori dal mondo, pur essendone circondata, e diventa una sorta di "capsula temporale" in cui la storia lineare non entra, cosicché possa riprendere il flusso del tempo, senza inizio né fine, con un moto sussultorio simile a quello delle pieghe baroccheggianti della caverna. Herzog suppone che l'antico artista che ha dipinto gli animali abbia sfruttato l'ondulazione della roccia per conferire alle figure l'illusione del movimento, come a voler rendere una sorta di proto-cinema. Non sappiamo se sia così, di sicuro viene messa in discussione la coincidenza fra staticità dell'immagine e la sua conseguente eternità immobile nel tempo…

da qui

…Qualcosa di inafferrabile si staglia tra le spiegazione degli scienziati seguiti da Herzog: storici, storici dell'arte, archeologi che accompagnano con le loro teorie alla comprensione e alla spiegazione dei dipinti, ma senza scalfire nemmeno lontanamente il senso di ciò cui ci troviamo di fronte. Un senso esile e inafferrabile che sfugge rimanendo latente nell'oscuro fondo degli abissi del tempo resterà il segreto di quegli invisibili protagonisti di "Cave of Forgotten Dreams", quegli uomini che tracciando le traiettorie dei proprii sogni sulle pareti della grotta Chauvet divengono le più enigmatiche figure che il regista abbia mai inseguito. Se Kubrick vedeva nascere l'uomo nel dare la morte attraverso uno strumento Herzog lo vede nel creare arte attraverso uno strumento. Incubi e sogni perduti che si confondono nell'immaginario: basta un osso animale, una pietra appuntita, un bastone semi incenerito tanto per tracciare segni di vita quanto per spegnerne una…

da qui

…in this film 3-D isn't just a gimmick -- the process actually pays off. Of course I'd seen 2-D pictures of Chauvet Cave, but until seeing this film I'd never understood how much the walls of the cave undulate, and more important, how the paintings take advantage of all those curvy surfaces. The muscles of the lion ripple with the cave walls; the body of the bison is placed perfectly so that as the rock turns at a sharp angle, the animal's head can be drawn to face the viewer -- in 3-D the cave seems miraculously to come to life.

Chauvet Cave was discovered in 1994 and for a time the public could visit. But it soon became apparent that human intrusions were changing the atmosphere of the cave, as mold began growing on the walls, and the precious art that had survived in pristine peace for thirty millennia was being threatened. Now the French government has wisely, blessedly closed the place to the public. Herzog and his crew were allowed to enter only for a limited time with limited gear, and from the sound of it this filmed record may be the best we'll see for quite a while.

I was fascinated by the whole thing and I wish I had a way to thank Werner Herzog personally for taking me to a magical place I regret I'll never be able to visit. I think that theme park they're planning to build nearby -- the one at which they'll recreate the cave for tourists -- probably wouldn't do much for me. This film, though, was a very welcome, quite unforgettable experience.

da qui

… The Chauvet cave is a lost cathedral, and Herzog's film responds with subdued passion to its profound mystery. Human beings are relatively absent from the pictures, indicating, perhaps, a sublime lack of self-awareness in this prehistoric artistry, although there is a representation of the human female form in apparent sexual congress with an animal. Were these paintings made in a secular artistic spirit – or were they part of a religious ritual? Or are both these "artistic" and "religious" dimensions subservient to something else, some third aspect that has been effaced by time and is utterly beyond our wit to guess at?

Herzog canvasses a range of opinion from the various experts who are allowed down there with him: paleontologists, archaeologists, art historians and even a perfume specialist, who speculates about the smells of resin and wood that might have prevailed back then. To these comments, Herzog adds his own sense of wonder and existential shock. He also finds a tiny stratum of dry comedy…

da qui

Démanty noci (Diamanti nella notte) - Jan Nemec

un film d'altri tempi (è un complimento), storia di una fuga, della paura, della morte, di due ragazzi innocenti,  in un bianco e nero senza troppe parole che non si dimentica - Ismaele

…Fuga esteticamente fascinosa, interiormente cruenta; tentativo volitivo, subitaneo eppure ignavo: i condannati a morte sono in fondo immobili, inermi di fronte al cacciatore. Fuga meravigliosamente girata tra le foreste ceche, paludose, insicure ma bellissime. Lungo solo 64 minuti, essenzialmente muto, Nemec compie un'elaborazione a metà tra il surrealismo e l'oggetto filmico bressoniano. Quando una delle due figure centrali sarà costretta a soddisfare un bisogno alimentare, si troverà di fronte al bivio: uccidere, non uccidere. Qui sta la geniale intuizione di Nemec: rappresentare una morte che non è mai avvenuta. Il fuggiasco non ucciderà sul serio, nel reale, la generosa donna; la di lei morte avverrà solo in sogno, nell'irreale. Più avanti, l'intuizione viene ampliata: Nemec preconizza la morte dei due fuggitivi, oramai catturati nuovamente dalle forze nemiche. In questo caso, si va oltre al concetto di morte irreale: vi si trova quello di morte come pura percezione, espressione materica, la morte in funzione prolettica…

da qui

…I love this movie so much because it relates an experience of life that I may have dreamed, or an experience of life that I didn't dream but that's how I would dream it. Two escaped inmates of a Nazi concentration camp run from their unseen captors, in the end we see the captors and director Jan Nemec (in a masterstroke of irony, his last name translates to "German") is saying all manner of beautiful things, about innocence torn asunder and about the regenerative cycle of life, about things that will happen again as they did because that's the way of nature. I like it so much because it suggests things about stakes and games, in this case the hunt is the game and human life is the stake, and a game without stakes is no game at all. If the players don't stand to lose something, the game is a game not worth playing, and if the players didn't enter the game of their own accord, as seems to be the case here, yet we find them on the game table does that mean they are not there by some other accord? I adore movies that deal with fatalism in dreamlike terms and Diamonds of the Night does that…

da qui

This is a rather unique film about the holocaust, it rarely shows the familiar iconography (as soon as you know it is about the holocaust you don't really need to show certain events as an audience is already aware of the horror of the period) nor does it try and explicitly show the wider ramifications of the holocaust beyond the two protagonists. The film is practically wordless as we witness the two young boys escape a train bound for a concentration camp and then their attempts at surviving. It is a hard film to review as words can't really do justice to the experience…

da qui

…There are few markers of the period, save for the jackets the boys wear emblazoned with KL (for Konzentration Lager/Concentration Camp) whilst their fellow prisoners where the more well-known striped uniforms. The Jewish-originated forenames Lustig gave his protagonists, Manny and Danny, are also removed, so subsequent press notes and reviews refer to them by number, itself perhaps a nod to the experience of concentration camp life or the mere fact the these boys and their plight stand for many for like them, lending the film a universality, transcending the boundaries of country and religion. Němec too subscribed to this wider theory, specifically choosing actors who were not Jewish for the roles. The last casualty of Němec's distilling is dialogue. Heavily present in Lustig's novel, where the boys share memories and stories with each other along the way, Němec's boys are almost always silent. The first line of dialogue comes thirteen minutes in, and the first conversation proper comes a few moments later. 

Given all these alterations, you would expect that Lustig may have been displeased with Němec's rather brutal approach to his material, but it remains the writer's favourite adaptation of his work, and it's easy to see why. Far from being dull and oversimplified, Diamonds is a visually and aurally dense work, and depicts those dark Holocaust years in a manner that's uniquely subjective and deeply personal, in a different way to documentaries and eye-witness testimony. For all intents and purposes, we become the eye witness to the story, learning the shape of the narrative as it goes along. Sometimes, it feels like we are the third escapee, thanks to cinematographer Mirsolav Ondříček's handheld camera work. At times, our closeness to them is almost unbearable…

da qui

…Nemec creates an incredible stripped down film that explores his characters state of mind rather than follow a traditional storyline.  There is little to no dialog at all, relying on the characters thoughts and actions as well as the handheld camera that intimately follows the two unnamed youths as they trek endlessly through the woods.  Quick flashbacks and other surrealistic images are often shown, and scenes are frequently repeated with different outcomes.  These non linear sequences are used to represent their thoughts and memories, products of both hallucinatory fantasy and an unforgiving reality.  They give a real sense of the terrifying physical and mental ordeal they face in their struggle for life.  Along with these visions, sound is also used to heighten this harrowing mood, with exaggerated sounds of rain, footsteps, gunshots and in one particularly disturbing sequence, the awful sound of mouths chewing that echo like in a brutal nightmare…

da qui

Pilgrimage - Werner Herzog

The film begins with an opening quote by Thomas à Kempis which is a fake quote invented by the filmmaker himself.
da qui

Le montagne blu (Tsisperi mtebi anu daujerebeli ambavi) – Eldar Shengelaya

del 1984, divertente e amaro, assomiglia a qualche film italiano comico d'ambiente ministeriale degli anni '60, con Totò o Manfredi.
vale la pena di trovarlo e vederlo, fa ridere, ma non solo - Ismaele


In 4 quadri e con epilogo si narrano le tragicomiche peripezie di uno scrittore georgiano che cerca inutilmente di far pubblicare il suo ultimo romanzo Montagne blu. Nel palazzo tutti, impiegati e dirigenti, hanno qualcosa d'altro da fare, mentre crepe minacciose fanno breccia nei muri finché l'edificio crolla. Nell'epilogo lo scrittore entra in un edificio nuovo, ma comportamenti e rumori sono gli stessi. Pur con smagliature tra il 2° e il 3° movimento, Shengelaya approda a una satira feroce e divertente, animata da una piccola folla di personaggi schizzati con brio. Conferma, a ritroso, come il cinema georgiano sia stato il più vitale e spregiudicato delle repubbliche sovietiche.

da qui

E' un'efficace satira del mondo del lavoro sovietico, soffocato dalla burocrazia e dai comitati, come pure popolato da impiegati e funzionari svogliati e inconcludenti. Il tono è leggero e ironico, sicché il film non scade mai nella farsa (grande pregio, questo), ed è portato avanti con inventiva e fantasia. Si potrebbe anche dire che la vicenda inizia con una certa serietà, ma si fa via via più ironica col crescere delle lungaggini e delle difficoltà, fino a diventare praticamente comica quando si raggiunge l'assurdo verso la fine. Lo strapotere della burocrazia - che non garantisce nulla ma ostacola solo il lavoro - e l'irraggiungibilità della meta sono elementi che ricordano molto da vicino i testi di Kafka. Lo stesso si può dire dell'idea che in teoria la trafila burocratica è percorribile e conduce alla meta, in pratica però non ci si arriva mai e ci si perde nel dedalo delle procedure. Se queste sono già di per sé farragginose, dall'altro lato vi sono impiegati che non hanno voglia di lavorare, e temporeggiano come possono con l'obiettivo di non fare il lavoro affatto. Il buffo è che inizialmente tutti dicono al povero scrittore che avrebbero letto il testo da approvare senza indugio, anche se dimostrano fin da subito col modo di fare che non sono affatto ansiosi di leggerlo: chi lo dimentica da qualche parte, chi lo presta a qualcuno, chi non ha tempo, chi è subissato da inutili riunioni e inutili telefonate, chi è sempre assente...

da qui

Quella casa nel bosco - Drew Goddard

Inizia come “Blair witch project”, un gruppetto di giovani amici che abbandona il conosciuto per l’ignoto, che poi conosceranno.

Mi è sembrato un “Truman show” cattivo, che finisce malissimo.

Bravissimi tutti, vorrei ricordare, fra i “vecchi”, Richard Jenkins (“L’ospite inatteso”), sempre bravissimo.

Un film da non perdere e l’etichetta horror è certamente riduttiva, è solo Cinema - Ismaele

…La casa nel bosco è infatti uno dei tanti luoghi del cinema horror. Topos inossidabile che guida la mappatura di una intera costellazione di cliché che vede in prima fila una manciata di ragazzi: la bella di turno  e il fidanzato macho, l'intellettuale e il buffone del gruppo, non da ultima la virginale final girl che solitamente possiamo individuare sin dalla prima inquadratura. Ma non solo:  il bifolco pazzo può colorire lo scenario, qualche raccapricciante orrore deve sempre essere dietro l'angolo. Ma non è questo il caso di essere semplicistici e sbrigativi perché "Quella casa nel bosco" è il gioco perverso che i "burattinai" Goddard e Whedon si divertono a inscenare per decostruire i trucchi che tutto il cinema di genere che li ha preceduti aveva edificato. Smascherando i meccanismi di un horror canonico forgiano un raffinato film-labirinto che sin dai suoi molteplici inizi si profila come la più complessa architettura dell'orrore nel nuovo millennio…

da qui

Dzveli qartuli simgera (Georgian Ancient Songs) - Otar Iosseliani

Au hazard Balthazar – Robert Bresson

Un film nel quale pensiamo di guardare Balthazar, ma credo sia lui a guardarci ( meno male per noi che non può parlare).

Qui non è la natura matrigna di Leopardi ma la cattiveria umana a segnare la vita e qualcuno, ho letto da qualche parte, associa il cavallo di Bela Tarr all'asino di Bresson come simboli universali della condizione umana. (da qui)

Marie mi sembra di (ri) conoscerla, breve ricerca e trovo che è Odetta in “Teorema” di Pasolini.

Alla fine del film mi ritorna im mente una poesia bellissima di Francis Jammes, intitolata

 “Preghiera per andare in Paradiso con gli asini”:

Quando dovrò venire a voi, mio Dio, fate che sia un giorno in cui la campagna in festa sarà piena di polvere.
Desidero, come feci quaggiù, scegliere un sentiero per andare, come a me piacerà, in Paradiso, dove ci sono le stelle in pieno giorno.
Prenderò il mio bastone e sulla grande strada andrò e dirò agli asini, miei amici: -Io sono Francis Jammes e vado in Paradiso, perché non c’è l’inferno nel paese del buon Dio.
Dirò loro: Venite, dolci amici del cielo blu, povere care bestie che, con brusco muovere d’orecchio, cacciate le vili mosche, le botte e le api.
Che io vi appaia in mezzo a queste bestie che amo tanto perché abbassano la testa dolcemente, e si fermano giungendo i loro piccoli piedi in modo cosi dolce e che ispira pietà.
Arriverò seguito dalle loro migliaia d’orecchie, seguito da quelli che portano al fianco delle ceste, da quelli che tirano carrozzoni di saltimbanchi o carri di latte e spolverini, da quelli che portano in groppa bidoni ammaccati, dalle asine piene come otri, dai passi rotti, da quelli a cui mettono piccoli pantaloni a causa delle piaghe blu e trasudanti che fanno le mosche ostinate che vi si ammassano intorno.
Mio Dio, fate ch’io venga a voi con questi asini.
Fate che in pace, degli angeli ci conducano verso ruscelli frondosi dove tremano ciliegie lisce come la pelle ridente delle ragazze, e fate che, chino su questo soggiorno d’anime, sulle vostre divine acque, io sia uguale agli asini che specchiano la loro umile e dolce povertà nella limpidezza dell’amore eterno.

Il film è un capolavoro, vi aspetta e non vi deluderà - Ismaele



… Soltanto Balthasar, il meraviglioso Balthasar che passa da una mano all’altra, da brevi condizioni di tranquillità alle violenze più dolorose e umilianti, risalta la purezza di un essere indenne dal maleficio umano. Egli percorre la strada del suo calvario registrando atti e eventi nella loro forma fenomenica, incapace di elaborarli e quindi di fornire loro una qualsiasi struttura di senso che non sia di pura reazione quando il legno si abbatte sulle sue carni. Mentre i personaggi con cui condivide la scena si evolvono mostrando un’ineliminabile inclinazione verso il degrado umano, egli viene ripreso nella sua stabilità assoluta dalla macchina quale estrema espressione di bellezza interiore e candore, impossibilitato a subire quei processi che segnano in modo indelebile la "migliore" creatura del cosmo.
Film di tristezza profonda e universale, Au Hazard Balthazar è costruito, secondo il più caratteristico stile bressoniano, sulla base di una assenza totale di drammaticità: la cifra stilistica del grande regista è una congegnata assenza di espressività dei personaggi che, guidati in modo magistrale, sembrano privi del mestiere della recitazione. Anche l’asse temporale del film si sviluppa secondo l’assoluta mancanza di sussulti che suggerisce la continuità di una esperienza eterna raccontata ben oltre i limiti della pellicola. La vita di Balthazar è fatta di frammenti che non arrivano mai al dunque e si consumano nel procedere sempre uniforme della sua vita. Anche le sue ribellioni alla insensata violenza dell’uomo sono solo sussulti decretati a ridimensionarsi nella predestinata sottomissione…
da qui

…La radiolina, accesa in aperta campagna, rompe un incanto che durava da sempre. E' la fine di un'epoca: anche l'asino protagonista del film (l'asino Balthazar) viene ripetutamente dichiarato vecchio, inutile, sorpassato, ridicolo: fino alla sua morte, nel finale. L'asino di Bresson è l'ultimo testimone di un'epoca, e il nuovo che avanza è comodo e bello, ma è anche invadente, volgare, stupido, inutilmente rumoroso. Con lui, muore anche l'onesto maestro di scuola con i suoi princìpi all'antica e vincono il rumore, la volgarità, la violenza. Da noi, negli stessi anni, è Pierpaolo Pasolini ad accorgersi del cambiamento e a denunciarlo sui giornali e in tv: si tratta di piccoli avvenimenti, quasi banali, che portano qualche miglioramento nelle condizioni di vita ma che sono anche l’inizio di un cambiamento epocale che porterà alla scomparsa di una cultura millenaria.
Come Pasolini, col suo discorso sull'omologazione e la sua paura della tv, anche Bresson era in anticipo di quarant’anni e ha fotografato benissimo, da così lontano, i tempi che stiamo vivendo e dei quali la radiolina a transistor, che rompeva l'incanto del bosco e della campagna, era solo l'inizio, la prima crepa della frana che poi è smottata su di noi -la pubblicità, la volgarità, la stupidità dilagante. Sembra un paradosso, ma con internet e con l’elettronica oggi abbiamo molta più informazione di prima, e molto più accessibile, ma siamo sempre più ignoranti. Abbiamo buttato via una cultura vecchia come l'umanità, e tutti gli archetipi ad essa associati, per avere in cambio una radiolina qualsiasi, che trasmette soltanto dediche, canzoncine e (soprattutto) pubblicità. Ci siamo venduti l'anima: non per denaro o per conquistare il mondo, ma per una radiolina portatile…

da qui

…If seen from an animalcentric point of view, both of these films give us an unrelenting portrait of the suffering we inflict upon the often invisible victims of our cruelty. Of course, as we watch these movies, or any movies that use animals, we can never forget that the animals who portray She and Balthazar are actors, but not by their free will. Their true stories will remain untold. This adds yet another level of depth to the understanding of the invisibility of animal suffering and exploitation that these films bring us.

But this is also another way in which these films remind us that invisibility is not inevitable. It is a pact between the exploiter and those who refuse to see, a pact which we are not obligated to enter into. When confronted with real footage of animal suffering, some of us refuse to watch. Some say that watching does not help. Some even say that it hurts, by making us feel so powerless. However, those individuals whose lives or deaths are being documented, the few among the innumerable who suffer in perpetuity, provide us with a glimpse into a reality that we have no right to decline to see. In the end I think that we owe them, at the very least, the very small gesture of bearing witness to their suffering…

da qui

… Given this philosophy, a donkey becomes the perfect Bresson character. Balthazar makes no attempt to communicate its emotions to us, and it comunicates its physical feelings only in universal terms: Covered ith snow, it is cold. Its tail set afire, it is frightened. Eating its dinner, it is content. Overworked, it is exhausted. Returning home, it is relieved to find a familiar place. Although some humans are kind to it and others are cruel, the motives of humans are beyond its understanding, and it accepts what they do because it must.
Now here is the essential part. Bresson suggests that we are all Balthazars. Despite our dreams, hopes and best plans, the world will eventually do with us whatever it does. Because we can think and reason, we believe we can figure a way out, find a solution, get the answer. But intelligence gives us the ability to comprehend our fate without the power to control it. Still, Bresson does not leave us empty-handed. He offers us the suggestion of empathy. If we will extend ourselves to sympathize with how others feel, we can find the consolation of sharing human experience, instead of the loneliness of enduring it alone...

da qui