giovedì 2 luglio 2020

Huacho - Alejandro Fernández Almendras

una famiglia in un mondo antico, il nonno, Cornelio, lavora in campagna a giornata, la nonna, Alejandra, ordina la misera casa e fa il formaggio che vende per strada, Clemira, la figlia, lavora nella cucina di un bed and breakfast/ristorante rurale, Manuel, nipote dei due nonni e figlio di Clemira, va a scuola in città, trattato come quello povero di campagna.
il film racconta, in tono documentaristico, una giornata di quei quattro, i vinti del progresso, direbbe Pasolini.
non hanno i soldi per pagare la bolletta, e le sirene del consumo suonano, e Manuel, come può resistere?
la tv, il videogioco l'hanno conquistato, senza pietà.
il Cile è il mondo, nessuno può resistere alle sirene, e di Ulisse non se ne vedono molti in giro.
un film che merita - Ismaele









La principale qualité de ce film chilien, c’est sa discrétion. Une journée dans la vie d’une famille rurale dans le sud du Chili. La grand-mère, Alejandra, et le grand-père, Cornelio, leur fille, Clemira, et leur jeune petit-fils, Manuel. Le principe est simple comme une mathématique élémentaire. A quatre reprises, le film accompagne l’emploi du temps de chacun des protagonistes. La grand-mère qui va vendre des fromages au bord d’une route ; la fille qui travaille comme bonne à tout faire dans une hacienda pour touristes ; le gamin qui va à l’école ; le grand-père qui s’active aux champs.
La mémé déploie des trésors de patience et de gentillesse avec des nantis qui ne descendent même pas de leur voiture pour négocier, toujours à la baisse, le prix des fromages. Clemira qui guigne quelques pesos à sa patronne très empressée de lui faire la morale («tu devrais surveiller tes dépenses») sans lui filer un rond. Le petit garçon qui bave sur la console de jeux de ses copains d’école. Papy Cornelio qui s’exténue à enfoncer des pieux dans un terrain qu’on devine aride.
Facture. Quatre fois la même vie de misère, à la différence près. Mais le vrai coefficient multiplicateur du film est d’une autre nature. Ce qui fait le liant, c’est une panne de courant au petit matin dans la bicoque où la famille survit. Ce ne sont pas les plombs qui ont sauté, mais la facture d’électricité qui n’a pas été payée. Le courant ne passe plus, et c’est la vie qui peu à peu vacille et menace de s’éteindre. Sans cris ni violence apparentes. Les patrons sont plutôt sympathiques, les prolos manifestent entre eux beaucoup de solidarité. Pourtant, ce film modeste, et pour beaucoup documentaire (ne serait-ce que parce que les acteurs sont tous non professionnels), est un formidable travail sur la fameuse globalisation. Son microcosme vaut pour le macrocosme que nous subissons, à peu près de la même façon, entre fatalisme, comme si l’économie mondiale était un phénomène naturel, et totale incompréhension quant à la servitude volontaire que l’on accepte.
Les habitants du film n’ont plus l’électricité, calculent tout au peso près mais ils savent se servir des ordinateurs et des téléphones portables. Quant à la révolte… ils sont à la peine pour lui trouver une maigre place dans leur plein emploi du temps, entre misère et dignité malgré tout. Si le film a un tel impact «pédagogique» pour nos vies cabossées, c’est qu’il évite bien des écueils inhérents aujourd’hui aux films dits «alter». Le pittoresque de la vie «à la campagne», la nostalgie douteuse de ses «vraies valeurs» et encore plus le cliché des paysages forcément natures et exotiques puisqu’on ne les connaît pas. Le tourisme n’est pas le genre de la maison.
Boucan. Huacho est un mot qui signifie bâtard mais, dans la région chilienne où se passe le film, il désigne aussi tout ce qui est abandonné, personnes ou objets. Pourtant, Huacho ne nous laisse pas tomber, il nous ouvre de belles pistes de réflexion. Son militantisme imperceptible et terre à terre peut se résumer par une de ses très belles saynètes. Cornelio, le pépé intarissable et un peu saoulant sur les bonnes histoires marrantes d’autrefois se voit littéralement couper la parole quand soudain l’électricité revient dans la maison. Quel est donc ce bruit de fond, ce boucan qui couvre sa voix de vieillard ancestral ? La télé qui redémarre. Fin de la panne, début des temps modernes.

Huacho isn't a bad film in any sense. It's well thought out, competently shot and follows a clear, identifiable narrative arc from start to finish. It's easy to identify the problems the cast are working through regardless of how far removed your own background might be. But the movie never really invites the viewer to feel any empathy for them. Huacho implies their wider world, rather than telling the audience about it - which is good - but the director never shows any of this, when it might have brought the story to life. As it stands, unless you have a specific interest in Almendras' particular narrow focus his film can't really be recommended.

In this undemonstrative but engaging film, little ostensibly happens, rhetorical commentary is at an absolute minimum, and yet we learn much about a certain way of life and the rural-urban divide in this region. While the theme of endangered rural populations is timeless, Huacho clearly has particular relevance to the current state of the global economy. Almendras’s non-professional cast – whether they are acting or effectively being themselves or versions thereof – are certainly very comfortable in front of the camera. By the time the film reaches a quietly hopeful ending, Huacho’s objective, sentiment-free approach has paid off in imparting an enormous respect and tenderness towards its characters

En Huacho la tragedia es esa: una madre que no tiene cómo pagar la luz, que nadie la ayuda, que nadie le presta plata —la jefa le ha adelantado dos meses de sueldo y a ella no le alcanza—, por lo que no le queda otra que ir a la multitienda en Chillán y devolver el vestido para así poder pagar la cuenta.
Difícil pensar en otra escena tan devastadora que haya entregado el cine chileno en estos últimos diez años. Tan sencilla, tan común, tan dura. Tan real.



mercoledì 1 luglio 2020

À Meia Noite Levarei Sua Alma (A mezzanotte possiederò la tua anima) - José Mojica Marins


José Mojica Marins è un regista che ama l'horror, e si vede, ma mica solo l'horror, direi che ama il Cinema, nelle sue tante declinazioni.
ha visto molto cinema (Roger Corman, per dirne uno) e molti hanno visto il suo cinema.
con gli effetti speciali dei poveri riesce a girare un film che non sfigura davanti ad altri molto più famosi e ricchi, un piccolo capolavoro..
Zé do Caixão, il becchino con l'ossessione di una donna perfetta per lui, non si dimentica facilmente.
buona visione - Ismaele



QUI il film completo con sottotitoli in italiano

QUI il film completo con sottotitoli in inglese


Il cult del regista brasiliano (che arrivò a vendersi la casa pur di avere il budget per girare il film) che inaugura ufficialmente l’horror nel proprio paese. Nella sua modestia di impianto (ma non si tratta di un z-movie come tanti) rimane una perla del genere, molto più sensata, compatta ed accattivante di troppi fiacchi epigoni.

Primo film di José Mojica Marins e primo horror brasiliano di sempre. Marins ci introduce nel mondo del suo alter-ego Zé do Caixão (cilindro, barba lunga, vestito nero con mantello e sguardo da pazzo invasato) narrandone le folli gesta: un becchino che detesta la superstizione del popolo ed è ossessionato dall'idea di non poter avere figli e di non dare quindi proseguimento alla propria stirpe. E’ per questo che uccide la moglie e insidia la bella Teresinha. Per averla non si fa scrupoli, eliminando tutti coloro che si trovano malauguratamente sulla sua strada. La paranoica follia di Zé do Caixão, becchino-filosofo da quattro soldi (fin dall'immancabile introduzione pre-titoli di testa, in cui in due parole illustra teatralmente la sua visione della vita) si estrinseca in un film fuori da ogni canone, inevitabilmente destinato a mandare in delirio i fan del trash che assistono a sadiche efferatezze accompagnate dai cinici sermoni del protagonista. Zé do Caixão grida, minaccia, parla come un profeta impazzito, fa camminare una tarantola sul corpo legato della moglie. Alla fine, dopo tanti delitti, una chiromante gli predice una morte orribile: verrà assalito dai morti sepolti nel vicino cimitero. Rifacendosi a HO CAMMINATO CON UNO ZOMBI ma disponendo di mezzi insufficienti, Marins porta in scena i suoi zombi con una serie di trucchi direttamente su pellicola (strani aloni, trattamenti al negativo...) dall'effetto un po' patetico. Eppure il clima insano in cui è avvolto il film, l’attacco proditorio ai simboli religiosi in un paese profondamente cattolico come il Brasile, sono segnali di un coraggio inedito, subito infatti premiato dal pubblico: Zé do Caixão diventa un'icona. Bianco e nero a tratti molto affascinante.

Quem é Zé do Caixão?, perguntei eu, mas a sua força – como um Cristo em reverso – também está na presença icónica. Por isso, vou já já já responder ao seguinte: como é Zé do Caixão? Cartola e capa pretas, barba densa sobre o rosto pálido, sobrancelhas acentuando a expressividade dramática do rosto, magro, mas, aviso, não o tomem por fraco. Fala alto e fala muito com as mãos, apontando o dedo a quem lhe faz frente – a começar pelo espectador, esse ser estranho, como chega a apelidar num dos seus filmes – e marcando com elas os rostos das suas vítimas – preferencialmente, mulheres, os “seres inferiores” que tanto despreza. Nas mãos, outra imagem de marca: as unhas compridas, que repugnarão os mais sensíveis, mas que lhe emprestam, desde logo, a “distinção” necessária a um homem diferente, isto é, a um ser “superior”. (Nesta matéria – e é de matéria que tratamos – estou certo que Deleuze, outro filósofo de distintas unhas, teria um Zé do Caixão a viver algures no seu subconsciente.)
Feitas as apresentações, parece que pouco mais há a dizer de À Meia-Noite Levarei Sua Alma (1964), o filme que “pare” a lendária figura do horror e que projecta mais alto o nome de José Mojica Marins no Cinema Novo brasileiro. Dito rápido, depressa e – tinha de ser – mal, Mojica está para o Cinema Novo brasileiro, como Georges Franju está para a Nouvelle Vague francesa. Glauber Rocha terá compreendido e penso mesmo que terá sido influenciado pelo seu cinema, mas – como o próprio Mojica se queixa, ainda hoje – muitos foram os que viram no seu cinema apenas um entretenimento camp de mau gosto que tinha pouco ou nada a ver com esse período de afirmação do cinema brasileiro. Felizmente, também houve outros – e Glauber Rocha terá sido um deles – que se souberam espantar com um dos artistas mais singulares do seu país. Para alguns, Mojica terá criado o primeiro Frankenstein/Dracula da modernidade, o que, para além de justíssimo, é uma afirmação que fica pela rama do que realmente se alcança aqui, sobretudo neste seu primeiro filme que dá pele a Zé do Caixão. Na minha opinião, há outra pergunta que falta fazer e que inquieta tanto ou mais que as anteriores: sim, vimos quem é, sim, também vimos como é, mas, digam-me, de onde vem Zé do Caixão?...


lunedì 29 giugno 2020

Trabalhar Cansa - Marco Dutra, Juliana Rojas

i registi di quel grandissimo film che è As boas maneiras girano un film inquietante, nel quale protagonista è uno strano animale, forse una proiezione del malessere dei due protagonisti, o forse una presenza altra nella vita di tutti i giorni.
un negozietto pieno di problemi e di misteri è un altro protagonista del film, c'è un'ombra di minaccia costante, e non è semplice sfuggire.
merita la visione, promesso - Ismaele





…La trama del film ruota intorno alla figura di Helena, una giovane casalinga che decide di dare una svolta alla sua vita, aprendo un’attività in proprio nel suo quartiere: un piccolo negozio di generi alimentari. Così, per occuparsi della casa e della figlia, assume una cameriera di colore. Nel frattempo però, Otávio, il marito, viene licenziato. Ora su Helena non solo peserà tutta la gestione economica della famiglia ma anche lo squilibrio dell’inevitabile inversione di ruoli nella coppia. Per non parlare degli strani fenomeni che accadono nel negozio...

Siamo nelle zone di un cinema grottesco che ha però la capacità di non forzare la mano, di far avvertire effetti straniante, di trasformare un luogo – il locale appunto – come un sepolcro animato che respira, che mette in atto una sorta di vendetta per essere stato invaso e dove l'umidità sul muro potrebbe essere il suo sangue. Al tempo stesso però Trabalhar cansa è anche un film sulla crisi di coppia e su una depressione individuale. Si è sempre sotto l'angolazione prospettica di Helena dove tutto però le sfugge di mano, anche il suo ruolo in famiglia, rimpiazzata dalla madre e dalla domestica che si occupa della figlia. L'ambientazione è spesso tetra ma la pellicola riesce comunque a dosare questa persistente oscurità con una giusta ironia, evidente nella rappresentazione del mondo del lavoro e nel finale (forse) liberatorio, ulteriore esempio di un film dalle molte facce, che va alla ricerca di soluzioni comunque non scontate. Non tutte fanno centro, molte si.

Trabalhar cansa presenta con nitore documentaristico un contesto ultraquotidiano che poi sporca progressivamente di orrorifico attraverso una sequenza di elementi paradigmatici, per collocarsi, infine, in quel genere "fantastico" che è anche uno degli abiti del cinema sociologico. Gli elementi posizionati e reperiti sul luogo del mistero, rigorosamente sempre più buio e freddo nella fotografia, sono un dente, una mano... pezzi di un organismo che cresce fuori vista, alimentato prima dalla fragilità poi dalla paura e infine dall'angoscia dei protagonisti, e macabra proiezione degli oscuri sommovimenti dei loro animi. L'esorcismo, a questo punto, è intonato ma anche prevedibile.

A estréia em longa-metragem da dupla Juliana Rojas e Marco Dutra tem algo de diferente no panorama do cinema brasileiro atual. Enquanto a tendência geral é colocar a afetividade no centro, em geral com certa doçura inocente ou uma afirmação positiva das relações, como se o afeto fosse capaz de salvar as pessoas da tragédia do mundo, Trabalhar Cansa é um filme político, no sentido mais puro que a palavra pode ter – já que o termo “cinema político” desgastou-se como uma grife nos últimos 40 anos – pois coloca as relações humanas como centro de sua problemática, mostrando uma crise. É um filme de pessoas no mundo: pessoas em conflito, o homem como ser social, como um animal num mundo que lhe é hostil e cuja existência harmônica lhe parece estranha. O mal-estar na civilização…

domenica 28 giugno 2020

Boca de Ouro - Nelson Pereira dos Santos

la storia di un delinquente chiamato Boccadoro raccontata da Guigui, una delle sue amanti.
la storie, nel suo racconto, si moltiplicano, diventano tre, ma non sapremo mai se, e quale, una delle tre è vera.
l'apparire nella società dello spettacolo, per Guigui, è una tentazione troppo forte, e di storie ne racconta addirittura tre.
anche nel Brasile degli anni sessanta il fascino dell'informazione (spazzatura?) iniziava a mietere le sue vittime.
un film che merita molto, Nelson Pereira dos Santos è un grande (nel film cita, en passant, il neorealismo italiano).
buona visione - Ismaele



Il quinto film del regista carioca ricompone la personalità di un onnipotente boss malavitoso (Boca de Ouro) con il metodo dell’inchiesta giornalistica retrospettiva (Quarto potere) e della relatività del vero (un medesimo evento è riportato in differenti versioni, come in Rashomon) unita ad una descrizione esplicita dei contesti sociali mutuata sia dal noir statunitense che dal neorealismo italiano (in una battuta è chiamato in causa proprio De Sica). Oltre al titanico Valadão, tra gli altri ottimi attori figurano Filho e Cândido, rispettivamente il futuro regista e l’Anìbal di Dancin’ days.

Essa, que é uma das melhores adaptações da obra de Rodrigues e um dos melhores filmes do cineasta, consegue uma aproximação que, mesmo sem ser completamente destituída de uma certa verve autoral, possui relação direta com a estrutura do filme de gênero. As diversas versões do mesmo fato (que evocam de imediato o célebre Rashomon, de Kurosawa, correspondência ao qual já fora associada à própria peça) não só relativizam a questão da autenticidade da narrativa – questão que pouco importa ao filme – quanto, e mais importante, demonstram que sua construção está diretamente associada aos interesses e ao estado emocional do narrador. Nesse sentido, a primeira versão é extremamente negativa e crua a respeito do personagem, repleta do ressentimento da ex-amante, enquanto a segunda é altamente afirmativa, marcando seu choque inicial com a morte do mesmo e a terceira procura demolir o mito e minimizar sua bravura, selando seu passaporte com a continuidade da vida ao lado de sua família. Nesse sentido, a fuga do casal ao final, é uma estratégia do cineasta para aludir a uma possibilidade de futuro desvinculada da mediocridade moral e ética até então destilada, marcando uma simpatia com os valores do “homem comum” mais próximo dos ideais do Cinema Novo que da dramaturgia de Rodrigues…

Tratto da una storia di Nelson Rodrigues, la storia prende inizio dopo la morte di un importante allibratore. Un giornalista va ad intervistare una delle sue ex-donne, e questa a seconda del suo stato d'animo dà tre versioni differenti della storia dell’allibratore Boca de Ouro. L'ambientazione è tutta nei sobborghi urbani di Rio, dove Nelson Rodrigues era riuscito a ritrarre con molta perspicacia la realtà della marginalità carioca. Anche se differente dai primi due film su Rio, anche in Boca de Ouro, Nelson Pereira dos Santos continua a mostrare l'altro Brasile, dalla povertà della favela alla marginalità del sobborgo urbano.